Dêmusicaboa

Elisete Cardoso sempre divina!

2011-12-12T15:40:00.000-02:00

Elizeth: uma voz insuperável

Por Julio Cesar de Barros

Filha de um seresteiro, a cantora Elizeth Cardoso, a Divina, ainda menina ouvia a mãe cantar as músicas românticas que dominavam as ondas do rádio na voz de supercantores, como Francisco Alves e Vicente Celestino. No subúrbio da Zona Norte do Rio de Janeiro, onde nasceu, foi comerciária, operária e cabeleireira, até que em plena adolescência foi convidada a se apresentar no rádio, iniciando uma carreira que só a tiraria de cena em 1990, dois meses antes de completar 70 anos. Elizeth foi a preferida de chorões, como Jacob do Bandolin, que a carregou para o rádio ainda tão jovem, mas se popularizou cantando sambas tradicionais e, principalmente, sambas-canção. Sua voz, doce, delicada, de grande extensão e afinadíssima, encantava o público, mas sobretudo os colegas de profissão. Porte altivo, elegante, séria, tornou-se uma figura admirada sob todos os aspectos. Embora atraída para a música pelo cancioneiro romântico cantado pelos vozeirões que reinavam no rádio de sua infância, Elizeth acabou por imprimir um tom mais sóbrio aos clássicos da seresta, estabelecendo uma serenidade interpretativa que a levou a aproximar-se da fossa, que nos anos 50 infestou bares e boates da Zona Sul do Rio, redutos fortemente influenciados pelo jazz, onde as canções de romantismo derramado perdiam em contundência sonora e ganhavam contornos intimistas, mais apropriados aos ambientes aconchegantes, esfumaçados e regados a uísque. Locais onde até os velhos sambas ficavam mais maneiros, mais bossa, como diziam os cantores do samba sincopado.

Elizeth e Zimbo Trio: Sei lá, Mangueira (Paulinho da Viola e Hermínio B. de Carvalho):

Elizeth passou pela fossa e pela Bossa Nova de maneira natural e, embora longe de ter-se consagrado uma musa da nova onda, o que nunca foi, brilhou no marco do movimento, o disco antológico Canção do Amor Demais (1958), no qual Tom Jobim e Vinícius de Moraes assinam todas as faixas, entre elas alguns eternos exemplares do gênero, como a canção título do LP, além de Chega de Saudade, Serenata do Adeus e mais dez canções. No disco, aparecia um violão que revolucionaria a batida tradicional do samba, com sutis desenhos assimétricos nos acordes, conferindo um andamento originalíssimo a Chega de Saudade e Outra Vez. Por trás do bojo afinado, o baiano João Gilberto. Mais tarde, Tom Jobim justificaria assim, a escolha de Elizeth para gravar o disco: “Elizeth era aquela voz, aquela cantora que a gente ficava feliz quando ouvia”. Nada menos técnico e mais convincente. A verdade é que o novo disco estava ainda impregnado do romantismo que escapava dos vibratos da cantora. Dolores Duran, fiel à fossa, era mais bossa que a Divina. A Bossa dos barquinhos sobre ondas de um mar azul ainda estava por vir. Esse pé no velho samba-canção e no samba rasgado, e outro na moderna Bossa a levaram a apresentar um programa de nome sugestivo na TV Record de São Paulo: Bossaudade (1965).

Com Jacob do Bandolim: padrinho

A longa jornada da cantora até o estrelato é uma saga típica das artistas de seu tempo. Cantou no rádio, contra a vontade da família, um sonho realizado muito cedo. Mas para ganhar a vida teve de apresentar-se em circos, dancings e clubes suburbanos, rebolou e cantou no teatro de revista, foi crooner de orquestra, não sem antes submeter-se à condição de taxi-girl, na luta pela sobrevivência, após um casamento breve e fracassado, no início dos anos 40. Com Grande Otelo, com quem amassou muito barro apresentando o quadro Boneca de Piche pelos circos das periferias longínquas, fez uma de suas famosas duplas, que incluíram ainda temporadas com os renomados Ataulfo Alves e Cyro Monteiro. Seu primeiro disco (Braços Vazios, de Acir Alves e Edgard G. Alves, e Mensageiro da Saudade, de Ataulfo Alves e José Batista) só foi gravado em 1950, e foi um fiasco. Foi recolhido por causa de problemas técnicos. Mas em seguida o compositor e humorista Chocolate deu a ela o primeiro sucesso: Canção do Amor (com Elano de Paula): Saudade/ Torrente de paixão/ Emoção diferente/ Que aniquila a vida da gente/ Uma dor que não sei de onde vem! A repercussão lhe valeu convites para fazer televisão, nos seus primórdios, e números musicais no cinema. Participou de diversos filmes, a partir de então: Coração Materno, de Gilda de Abreu, É fogo na Roupa, de Watson Macedo, O Rei do Samba, de Luís de Barros, Carnaval em Lá Maior, de Ademar Gonzaga, Na Corda Bamba, de Eurides Ramos, Com a Mão na Massa, de Luís de Barros, e Pista de Grama, de Haroldo Costa. No filme Orfeu do Carnaval (1959), de Marcel Camus, Elizeth aparece na trilha sonora com as canções Manhã de Carnaval e Samba de Orfeu.

Manhã de Carnaval, de Luiz Bonfá e Antonio Maria:

Mas sua consagração foi o samba Barracão (Luís Antônio e Oldemar Magalhães, 1953), música que jamais sairia de seu repertório. Seu primeiro LP, Canções à Meia-luz (Continental) só apareceu em 1955, com clássicos da choradeira inspirada que marcou a década, como Canção da Volta (Ismael Neto e Antonio Maria), Nunca Mais (Dorival Caymmi), Só Você… Mais Nada (Paulo Soledade) e Pra que Me Iludir (Norival Reis e Radamés Gnattali). Estava consolidada a carreira da cantora, que passaria o resto da vida reinando na música popular brasileira como a Divina, dama maior da nossa canção. Modelo a ser seguido pelas novas cantoras. Padrão vocal ideal, admirado pelo público, pela crítica e pelos músicos, principalmente. Elizeth deixou uma discografia abundante, tendo participado de inúmeros trabalhos. Entre seus discos mais importantes, estão o já citado Canção do Amor Demais (1958), Naturalmente (1958), Elizeth Interpreta Vinícius (1963), Elizeth Sobe o Morro (1965), A Bossa Eterna de Elizeth & Cyro (1966), A Enluarada Elizeth (1967), Elizeth Cardoso e Zimbo Trio Balançam na Sucata (1968), Elizeth no Bola Preta com a Banda do Sodré (1970), É de Manhã, com Zimbo Trio (1970), Elizeth e Sílvio Caldas (Vol. 1 e 2, 1971), Elizeth Cardoso, Jacob do Bandolim e Zimbo (1977), Elizeth Cardoso (Vol. 1, 2 e 3, 1980), Elizetíssima (1981), Uma Rosa para Pixinguinha (1983), Ary Amoroso (1989). Outro disco que marcou foi resultado de um show realizado em 1968, em recital único no Teatro João Caetano, reunindo Elizeth Cardoso, seu descobridor Jacob do Bandolim, o Zimbo Trio e o conjunto Época de Ouro. O show foi visto por 1.500 felizardos.

Elizeth canta Barracão, samba rasgado:

A consagração de Elizeth poderia ter sido sua escolha por Jobim e Vinícius para interpretar as canções daquele disco marcante, que inaugurou a Bossa Nova. Mas o reconhecimento do público e da crítica já estava cravado. Em sua biografia Elizeth Cardoso, Uma Vida (1994), Sérgio Cabral a apresenta como a ponte entre o samba tradicional e a Bossa de Tom e Vinícius, como que dando à novidade uma chancela de quem vem da raiz. Dela escreveu o crítico musical e pesquisador João Máximo, no jornal O Globo: “A voz morena, a alma seresteira, a emoção em tons certos, a sinceridade de intérprete, nenhum outra esteve tão afinada com o estilo brasileiro de cantar música popular romântica”. No ano 2000, o Jornal do Brasil se referiu assim à cantora, que seria homenageada com quatro espetáculos no Centro Cultural Banco do Brasil, no décimo ano de sua morte, no Rio: “Em um universo de divas mais ou menos tempestuosas, Elizeth foi um oceano pacífico querido por todos”. Mas a tranquilidade da cantora não se estendeu aos seus herdeiros e admiradores e a homenagem descambou para uma pendenga judicial. O Espetáculo Divina: 80 anos de Elizeth, foi montado sem a autorização do herdeiro Paulo Cesar Valdez, que na Justiça conseguiu suspendê-lo. Os advogados do CCBB conseguiram por meio de liminar que a peça fosse encenada com restrições. O CCBB e a Sarau Promoções, produtora do musical, tiveram de eliminar todas as imagens da cantora dos programas e galhardetes promocionais da peça.

Se Todos Fossem Iguais a Você, de Tom e Vinícius:

Na observação de João Máximo, a homenagem, justa, nem chegaria perto de apresentar o real valor da cantora: “Não se poderá constatar a grandeza de Elizeth pelos quatro shows. E por um simples motivo: só se dimensiona a arte de um cantor através de sua própria voz. Os shows podem ter roteiro de Sérgio Cabral, biógrafo de Elizeth; podem ter excelentes músicos (Maurício Carrilho, Paulo Sérgio Santos, Pedro Amorim, Leandro Braga); e podem ter competente time de cantoras (Zezé Gonzaga, Alaíde Costa, Áurea Martins, Soraya Ravenle). Mas não têm o principal: a voz de Elizeth”, escreveu no Globo. No Jornal da Tarde, o crítico Mauro Dias não economiza o verbo para pintar o retrato da cantora: “A Divina, foi uma das mulheres mais elegantes do Pais, no sentido mais amplo: tinha dignidade estampada na fisionomia, transparente na expressão, sublinhada no porte, acentuada no canto, no infalível bom gosto e acerto ao escolher o repertório e na forma de cantá-lo”. E ponto final.

Cesária Évora abandona a música

2011-10-14T07:36:00.001-03:00

Diário Liberdade – É um dos referentes culturais da lusofonia. Aos setenta anos de idade, após 40 de carreira e com 24 trabalhos publicados. É por motivos de saúde.

A cantora chegou a França num estado de “grande debilidade”, de forma que a equipe médica que a segue em Paris ordenou o cancelamento da sua próxima digressão. Cesária decidiu então em conjunto com o seu produtor e agente, pôr terminar de maneira definitiva a sua carreira.

Os concertos e apresentações programados por Cesária Évora foram assim cancelados. Acaba, com 70 anos de idade, uma carreira que apenas pode ser classficada de histórica. Tem estado este ano a trabalhar num novo álbum, sucessor de “Nha Sentimento”, lançado em 2009.

Foto: Africa 21 Digital – Cesária Évora.

Natural do Mindelo, onde nasceu em 1941, Cesária Évora é considerada a «embaixadora da morna», música que transmite a melancolia das ilhas cabo-verdianas, tendo já editado 24 discos desde o primeiro de 1965. Évora encetou a sua carreira internacional na França, tornando-se a voz cabo-verdiana mais conhecida no mundo, e alternou a sua atividade artística com épocas de dificuldades pessoais, nas que chegou a abandonar a música.

Cesária Évora é embaixadora de boa vontade da Organização da ONU para a Educação, Ciência e Cultura (UNESCO). Évora encetou a sua carreira internacional na França, tornando-se a voz cabo-verdiana mais conhecida no mundo. O ano passado, Cesária Évora foi homenageada no seu país, Cabo Verde, com um prémio carreira na gala do Cabo Verde Music Awards.

O fim da carreira da artista cabo-verdiana é manchete na mídia internacional. A lusofonia inteira fica com o seu património artístico imensamente enriquecido graças a estes mais de quarenta anos de trabalho de uma mulher única: Cesária Évora.

http://diarioliberdade.org/index.php?option=com_content&view=article&id=19840:video-cesaria-evora-abandona-a-musica&catid=77:cultura-e-desportos&Itemid=86

As divas do rádio.

2011-10-10T11:17:00.002-03:00

Livro relembra nossas grandes cantoras

Por Julio Cesar de Barros

As eternas: Nora Ney, Inezita Barroso e Isaurinha Garcia: divas do rádio

O livro

A editora Casa da Palavra acaba de lançar um livro que fará a festa dos saudosistas e servirá de iniciação dos mais jovens nos anos de ouro do rádio brasileiro. Trata-se de As Divas do Rádio Nacional – As vozes eternas da Era de Ouro, de Ronaldo Conde Aguiar. Ronaldo é autor do Almanaque da Rádio Nacional, um livro que já falava das divas da música brasileira, dos programas humorísticos hospedados naquela célebre emissora, dos astros das radionovelas. Na nova investida nesse veio riquíssimo da história do rádio, ele foca 14 cantoras que marcaram época no éter, como diriam os velhos locutores. Conta histórias, algumas muito conhecidas, outras pouco ou nada, dos bastidores do rádio e da vida das artistas. Um CD, que acompanha o livro, dedica uma faixa para cada uma das cantoras, em gravações originais de um de seus mais representativos sucessos. O livro nos conta como Dolores Duran iniciou-se na vida artística profissional cantando na boate Vogue, no Rio, aos 16 anos, e de sua morte prematura. Relembra o drama da separação de Dalva de Oliveira, do final de vida difícil das irmãs Batista. Nos fala do ambiente artístico dos anos 40 e 50, no qual um Rio de Janeiro provinciano expunha à curiosidade pública os menores atos e gestos dos grandes nomes do rádio. Seus dramas eram discutidos nos cafés e bondes. Suas vidas reviradas pelas candinhas da imprensa. Fofocas sobre a suposta tentativa de suicídio de Nora Ney, recém aparecida na cena artística com sua voz grave e suas interpretações dramáticas, ou de como Isaurinha Garcia, driblando os costumes, dava as cartas nas relações com o sexo oposto, se lixando para a moral hipócrita, e submissa numa relação conturbada com o tecladista pernambucano Walter Wanderley (1932-1986). Um livro delicioso para se ler ouvindo um disco excepcional, tanto pela qualidade das músicas e das interpretações quanto pela boa reprodução das faixas.

Especial Gal Costa...

2011-08-21T11:43:00.001-03:00

Um programas para matar a saudade ...

TETÊ ESPÍNDOLA

2011-07-25T14:52:00.001-03:00

Tetê Espíndola cantora sul-matogrossense natural de Campo Grande é conhecida por seus agudos e erroneamente comparada a Kate Bush ou Yma Sumac.

É dona de uma carreira singular.

De uma família de artistas, a música entrou em sua vida através de tios trigêmeos que tocavam música erudita e da mãe, na sua infância, pois no Matogrosso da época havia racionamento de luz, e as 7 horas da noite, quando as luzes se apagavam ela entretinha os filhos cantando.

Começa a cantar entre 10 ou 12 anos, ganhando prêmios de melhor intérprete nos festivais locais.

Quando encontra a craviola, na adolescência ela descobre através das notas agudas do instrumento o seu agudíssimo.

Tempos depois já em São Paulo alertada por Hermeto Pascoal, de que quem tem um agudíssimo em geral também tem um gravíssimo, foi buscar suas notas baixas. Tetê é uma das raras cantoras que alcançam três oitavas.

O primeiro trabalho foi Tetê e o lírio selvagem, um trabalho com toda a família, com as composições e vozes de todo o grupo. Era o que eles estavam compondo no Matogrosso do Sul, inspirados pela natureza, a Chapada dos Guimarães, o Pantanal, um trabalho ecológico antes disto virar moda, denunciando o desmatamento e louvando a natureza. Desfeito o grupo ela parte para carreira solo e grava o Lp Piraretã, com composições de todos porém apenas a voz da Tetê. Ecológico como sempre seria a sua carreira.

Aparece nacionalmente no festival de 1981 cantando londrina de Arrigo Barnabé, a música independente é desclassificada, em um festival ligado as grandes gravadoras.

Depois de Augusto de Campos assisti-la junto com Arrigo Barnabé no show Clara Crocodilo ele encantado com sua voz diz que ela tem pássaros na garganta, inspiração para uma música e título do próximo disco, apresentando mais suas composições autorais e instrumentação mais simples, calcado em cordas, violão e principalmente a sua craviola.

Participa em seguir do festival de 86 onde ganha o primeiro lugar com Escrito nas Estrelas. Segue-se a roda viva de shows, participações em programas de tv, e a gravação de um disco (gaiola) mais eletrônico, com guitarras elétricas, piano elétrico, etv, cercada das pressões de produtores e gravadoras.

Após este período ela resolve voltar aos trabalhos independentes e ter autonomia para fazer o que quiser. É quando sua vertente experimentalista aparece com mais força, ela grava Ouvir, um disco cheio de pios de pássaros usados não só como inspiração para compor, mas também como instrumentos, incluindo aí um dueto improvisado entre Tetê e o uirapuru, gravado na amazônia.

Depois deste segue-se só tetê, um trabalho de intérprete onde canta músicas que vão de Djavan a Lupicínio Rodrigues.

Em 1996 ela grava canção do amor, um disco em que comemora os 20 anos de seu encontro com a craviola, sendo este o principal instrumento do disco, onde ela grava as composições iniciais feitas pela família neste período de descobertas.

Depois grava um primeiro disco ao vivo com a irmã Alzira, Anahí. Onde revisitam o repertório ouvido na infância como Ângela maria, guarânias e etc.

Então sua voz atinge plateias internacionais, sendo conhecida na França, onde o compositor Philippe Kadosch a convida para mais um cd. Voz voix voice Trabalho experimental, onde ao invés de pássaros a sua voz é que é usada como instrumento, agudos, graves, distorções por computador, tudo está no disco.

Depois um trabalho em família, onde além dos irmãos, ela apresenta a nova geração da família para o Brasil, Espíndola canta.

Segue-se o cd Zencinema, onde ela canta o avesso, usando principalmente o grave, mostrando o outro extremo de sua voz.

Depois faz um disco onde ela assume seu lado de compositora, ainda que sempre tenha gravado músicas suas,seus discos sempre tem canções de outros artistas. Evaporar é um disco onde ela é a única compositora, gravado ao vivo no Matogrosso do Sul, mostra também os instrumentistas da região para o Brasil que sempre teima em olhar apenas para o eixo Rio-São Paulo.

Seu último trabalho vai ao extremo do experimentalismo, gravado novamente na França com o compositor Philippe Kadosch Babeleyes é um disco onde a voz é novamente usada porem em músicas escritas não em português ou francês, mas em silabários compostos de línguas mortas ou em vias de extinção, passando pelos cuneiformes sumérios, pelo banto, até a língua dos índios inuit. Uma ousadia só possível porque foi feita por uma cantora que uma vez fez um show no teatro municipal de São Paulo sem microfone, ecológica chamada Tetê Espíndola.

Por Túlio P.

Disco de Chico Buarque narra crônicas em canções delicadas

2011-07-22T10:25:00.000-03:00

Venha, Chico!

O álbum traz as poesias e crônicas de Chico Buarque, compositor, escritor e poeta de 67 anos em canções suaves e delicadas

Chico Buarque sorri acanhado na capa de seu novo disco. A foto em preto e branco, escrito apenas Chico, sugere um modelo de recato e melancolia em seu novo trabalho, que chega às lojas no próximo dia 22 de julho. Mas quem abre o digipack, admira-se ao deparar-se com tantas cores.

As letras das composições aparecem embutidas numa paleta de 20 tons que enfeitam o encarte sem qualquer imagem. E a simplicidade da arte e do título de seu novo trabalho também colorem as dez canções que compõem Chico, seu primeiro disco de inéditas desde Carioca (2006) –e do romance Leite Derramado (2009).

O álbum traz as poesias e crônicas de Chico Buarque, compositor,
escritor e poeta de 67 anos em canções suaves e delicadas

O álbum –que sai pela Biscoito Fino numa estratégia de divulgação online exclusiva para compradores do álbum em esquema de pré-venda, por R$ 29,90 no site www.chicobastidores.com.br– traz as poesias e crônicas do compositor, escritor e poeta de 67 anos em canções suaves e delicadas, que desfilam em gêneros diversos e pouco lembram a capa melancólica do álbum. Há, sim, variações que se prestam a um caráter reflexivo, mas não necessariamente taciturnas.

A já conhecida Querido Diário, que desde 20 de junho circula pela internet, abre o álbum com os relatos de Chico sobre as pessoas que o cercam (“hoje topei com alguns conhecidos meus”), as disfunções sociais (“hoje a cidade acordou toda em contramão”), as aflições (“hoje pensei em ter religião”), as relações (“hoje afinal conheci o amor”) e as pessoas que teme (“hoje o inimigo veio me espreitar”). “É um novo ‘Cotidiano’”, compara o próprio compositor com sua música de 1971.

A marchinha de vanguarda Rubato (roubado, em italiano), parceria com Jorge Helder e acompanhada por uma banda de coreto, vem na sequência descrevendo o roubo de uma composição de amor que é reciclada para homenagear diferentes amantes, numa alusão à especulação sobre identidade e autoria de seu romance Budapeste (2003). “Venha ouvir sem mais demora/ a nossa música/ que estou roubando de outro compositor”, ele canta.

O blues Essa Pequena introduz a paixão de um homem por uma moça mais nova, emoldurado por piano, violões, baixo acústico e violino. “Sinto que ainda vou penar com essa pequena, mas/ o blues já valeu a pena”, comemora na letra. Em Tipo Um Baião, Chico brinca com o andamento da canção ao recitar uma desilusão amorosa, e compara: “Meu coração/ que você sem pensar/ ora brinca de inflar/ ora esmaga/ igual que nem/ fole de acordeão/ tipo assim num baião/ do Gonzaga”.

A singela Se Eu Soubesse, uma espécie de chanson française, traz Chico dividindo versos com a cantora curitibana Thais Gulin, de 30 anos, sua suposta nova namorada. “Ah, se eu pudesse não caía na tua/ conversa mole, outra vez/ não dava mole à tua pessoa”, ele canta, até encontrar com a voz dela: “Mas acontece que eu sorri para ti/ e aí larari, lairiri, por aí”. A parceria não é exatamente original: Chico já havia cedido a canção –até então inédita– e sua participação para Thais lançar em seu segundo disco, “ôÔÔôôÔôÔ”, que saiu em abril.

A faixa 6, Sem Você 2, abre espaço para o andamento lasso jobiniano e a narração arrastada e triste de um amor que se foi. “Sem você/ é um silêncio tal/ que ouço uma nuvem/ a vagar no céu/ ou uma lágrima cair no chão/ mas não tem nada, não”, diz Chico, aqui sim tomado pelo desalento, na música com menos de três minutos de duração.

A tristeza é interrompida pelo samba de gafieira Sou Eu, canção que Chico escreveu com Ivan Lins e deu a Diogo Nogueira para o disco do novato “Tô Fazendo a Minha Parte” (2009), e que agora ganha a voz do compositor. Aqui, Chico convida Wilson Neves para se gabar de que “sou eu/ só quem sabe dela sou eu/ quem joga o baralho sou eu/ quem brinca na área sou eu”.

Nina, a valsa que ocupa a faixa 8 do álbum, fala de uma figura onírica na distante Moscou que incita o autor a viajar até a capital russa –ou ao menos a espiar a cidade em mapa virtual. “Nina diz que se quiser eu posso ver na tela/ a cidade, o bairro, a chaminé da casa dela”, ele canta, levado por um percurso de acordeão, arrematado por um acorde dramático de piano.

As confusões de memória do narrador de Leite Derramado recaem na graciosa Barafunda. “Era Aurora/ Não, era Aurélia/ ou era Ariela/ não me lembro agora/ é a saia amarela daquele verão/ que roda até hoje na recordação”, ele canta, lembrando que é carioca (“Foi na Penha/ não, foi na Glória”), evocando futebol (“Era Zizinho, era Pelé”) e terminando na companhia de “É Garrincha, é Cartola e é Mandela”.

A canção mais longa do disco, Sinhá, de quatro minutos, encerra o pouco mais de meia-hora de duração de Chico ao lado de João Bosco, num clima tão lírico quanto soturno da herança da escravidão permeado apenas por percussões e violões. “E assim vai se encerrar/ o conto de um cantor/ com voz do pelourinho/ e ares de senhor”, despede-se Chico em preto e branco.

14/7/2011 9:39, Redação, com Vermelho - de São Paulo

ESTREIA-'Filhos de João' bebe no espírito dos Novos Baianos

2011-07-22T09:57:00.000-03:00

O espírito libertário e a criatividade musical -- especialmente na mistura de ritmos brasileiros como frevo, baião e choro com o rock -- foram a marca registrada dos Novos Baianos, uma das mais famosas bandas dos anos 1960-1970. A memória do grupo, e também de uma época marcada por muitos enfrentamentos com a ditadura militar, ressurge no documentário 'Filhos de João - O Admirável Mundo Novo Baiano', de Henrique Dantas.

Vencedor do Prêmio do Júri e do Júri Popular do Festival de Brasília de 2009, o documentário estreia em São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador, Vitória, Curitiba, Florianópolis, Goiânia, Porto Alegre e Campinas.

Depois de um flerte inicial com o rock, visível em seu primeiro disco, 'É Ferro na Boneca'(1970), o grupo vive uma guinada fundamental a partir do encontro com o compositor João Gilberto, então voltando de uma temporada nos EUA. Por causa desse contato, os jovens músicos redescobriram os ritmos brasileiros que entrariam na sua fórmula, mudando definitivamente seu rumo. Por isso, o documentário se chama 'Filhos de João'.

Curiosamente, João Gilberto é a maior das grandes ausências do filme. Apesar de reiteradas tentativas, ao longo dos penosos 11 anos que levou para finalizar a produção, o cineasta Henrique Dantas não conseguiu ouvir o compositor, mais uma vez honrando sua fama de difícil.

Falta ao filme, igualmente, uma entrevista com a única mulher do grupo, Baby Consuelo, vista apenas em imagens de arquivo. Mas aí a razão foi bem diferente. Baby foi entrevistada por Dantas e sua participação figurava na versão editada do filme até o momento em que a cantora fez exigências financeiras incompatíveis com o pequeno orçamento do diretor.

Outros integrantes foram bem mais generosos, caso de Moraes Moreira, Pepeu Gomes, Galvão, Gato Félix, Bola Moraes, Paulinho Boca de Cantor e Charles Negrita, todos dando depoimentos longos e saborosos, permitindo reconstituir a trajetória da banda. Observações certeiras surgem, igualmente, das conversas com Tom Zé e Dadi, ex-integrante do grupo.

Entre as imagens de arquivo, algumas das mais curiosas foram filmadas em super-8, acompanhando o período em que o grupo viveu junto numa comunidade no interior carioca. Na época, lembram os integrantes, eles guardavam todo o dinheiro ganho nos shows sem contar, numa sacola, de onde quem precisava se servia.

Uma parcela razoável desse dinheiro foi gasta na aquisição de uniformes e bolas de futebol, já que vários integrantes dedicavam-se diariamente ao esporte -- com direito a partidas com a participação de profissionais como o tricampeão de 1970 Jairzinho. Moraes Moreira conta no filme que passou pela cabeça de alguns dos músicos inclusive largar tudo pelo futebol.

Desse rico painel evocado pelo documentário, visualiza-se uma época em que fica evidente a influência hippie, nesse viés libertário do comportamento da banda, o que lhe valeu não poucos problemas com as autoridades vigentes, em plena ditadura. E clareia-se, igualmente, a vibrante criatividade de vários integrantes dos Novos Baianos que, apesar de separados por problemas internos em 1974, continuam individualmente carreiras de expressão.

http://video.msn.com/?vid=b58d5b3e-a56d-4ddf-adfd-c607b23d4b4a&mkt=pt-br&src=FLPl:share:permalink:uuids

(Por Neusa Barbosa, do Cineweb)

* As opiniões expressas são responsabilidade do Cineweb

OLIVIA E FRANCIS HIME...

2011-05-30T08:10:00.001-03:00

OS MUTANTES

2011-05-23T09:53:00.003-03:00

“Discografia” 68 -76

Compactos Com Faixas Não Incluídas Em Álbuns Da Banda:

O'SEIS (Continental, 1966)

1- Suicida - (Raphael Vilardi / Roberto Loyola)

2- Apocalipse - (Raphael Vilardi / Rita Lee)

CAVALEIROS NEGROS (Som Livre, 1976)

OS MUTANTES (polydor, 1968)

polydor, 1968

1- Panis et Circenses - (Gilberto Gil / Caetano Veloso)

2- A minha menina - (Jorge Ben)

3- O Relógio - (Os Mutantes)

4- Adeus Maria Fulô - (Humberto Teixeira / Sivuca)

5- Baby - (Caetano Veloso)

6- Senhor F - (Os Mutantes)

7- Bat Macumba - (Gilberto Gil / Caetano Veloso)

8- Le Premier Bonheur du Jour - (Jean Renard / Frank Gerald)

9- Trem Fantasma - (Caetano Veloso / Os Mutantes)

10- Tempo no Tempo - (J. Philips / Versão: Os Mutantes)

11- Ave Gengis Khan - (Os Mutantes)

Participações: Rogério Duprat (arranjos); Jorge Ben (voz e violão); Dirceu (bateria)

MUTANTES (Polydor,1969)

Polydor, 1969

1- Dom Quixote - (Arnaldo Baptista / Rita Lee)

2- Não Vá Se Perder Por Aí - (Raphael Vilardi / Roberto Loyola)

3- Dia 36 - (Johny Dandurand / Mutantes)

4- 2001 - (Rita Lee / Tom Zé)

5- Algo Mais - (Mutantes)

6- Fuga nº2 - (Mutantes)

7- Banho de Lua - (Tintarella di Luna) (B. Fillipi / F. Migiacci / Versão: Fred Jorge)

8- Rita Lee - (Mutantes)

9- Qualquer Bobagem - (Tom Zé / Mutantes)

10- Caminhante Noturno - (Arnaldo Baptista / Rita Lee) Participações: Rogério Duprat (arranjos);

Liminha (viola)

A DIVINA COMÉDIA OU ANDO MEIO DESLIGADO (Polydor 1970)

1- Ando Meio Desligado - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

2- Quem Tem Medo de Brincar de Amor - (Arnaldo Baptista / Rita Lee)

3- Ave Lúcifer - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Élcio Decário)

4- Desculpe, Babe - (Arnaldo Baptista / Rita Lee)

5- Meu Refrigerador Não Funciona - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

6- Hey Boy - (Arnaldo Baptista / Rita Lee)

7- Preciso Urgentemente Encontrar Um Amigo - (Roberto Carlos / Erasmo Carlos)

8- Chão de Estrelas - (Orestes Barbosa / Sílvio Caldas)

9- Jogo de Calçada - (Arnaldo Baptista / W. Cunha / I. Oliveira)

10- Haleluia - (Arnaldo Baptista)

11- Oh! Mulher Infiel - (Arnaldo Baptista)

Participações: Raphael Vilardi (violão e vocais); Naná Vasconcelos (percussão); Liminha (baixo); Rogério Duprat (arranjos)

JARDIM ELÉTRICO (Polydor, 1971)

1- Top Top - (Mutantes / Arnolpho Lima Filho)

2- Benvinda - (Arnaldo Baptista / Rita Lee)

3- Tecnicolor - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

4- El Justiceiro - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

5- It's Very Nice 'Prá' Xuxu - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

6- Portugal de Navio - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

7- Virgínia - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

8- Jardim Elétrico - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

9- Lady, Lady - (Mutantes / Arnolpho Lima Filho)

10- Saravá - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

11- Baby - (Caetano Veloso / Versão: Mutantes)

Participações: Rogério Duprat (arranjos)

MUTANTES E SEUS COMETAS NO PAÍS DO BAURETS (Polydor, 1972)

1- Posso Perder Minha Mulher, Minha Mãe, Desde que Eu Tenha o Rock and Roll - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Arnolpho Lima Filho)

2- Vida de Cachorro - (Rita Lee / Arnaldo Baptista / Sérgio Dias)

3- Dune Buggy - (Rita Lee / Arnaldo Baptista / Sérgio Dias)

4- Cantor de Mambo - (Élcio Decário / Arnaldo Baptista / Rita Lee)

5- Beijo Exagerado - (Arnaldo Baptista / Rita Lee / Sérgio Dias)

Todo Mundo Pastou - (Ismar S. Andrade "Bororó")

6- Balada do Louco - (Arnaldo Baptista / Rita Lee)

7- A Hora e a Vez do Cabelo Nascer - (Arnolpho Lima Filho / Arnaldo Baptista)

8- Rua Augusta - (Hervé Cordovil)

9- Mutantes e Seus Cometas no País do Baurets - (Ronaldo Leme / Arnolpho Lima Filho / Mutantes)

10- Todo Mundo Pastou II - (Ismar S. Andrade "Bororó")

Direção de produção: Arnaldo Baptista

O A E O Z (Philips, 1992; gravado em 1973)

1- "A" e o "Z" - (Mutantes)

2- Rolling Stones - (Mutantes)

3- Você Sabe - (Mutantes)

4- Hey Joe - (Mutantes)

5- Uma Pessoa Só - (Mutantes)

6- Ainda Vou Transar com Você - (Mutantes)

Direção de produção: Mutantes

Lançamento original em CD

TUDO FOI FEITO PELO SOL (Som Livre, 1974)

1- Deixe Entrar um Pouco D’Água no Quintal - (Sérgio Dias / Liminha / Rui Motta)

2- Pitágoras - (Túlio Mourão)

3- Desanuviar - (Sérgio Dias / Liminha)

4- Eu Só Penso em te Ajudar - (Sérgio Dias / Liminha)

5- Cidadão da Terra - (Sérgio Dias / Liminha)

6- O Contrário de Nada É Nada - (Sérgio Dias / Túlio Mourão)

7- Tudo Foi Feito Pelo Sol - (Sérgio Dias)

AO VIVO (Som Livre, 1976)

1- Anjos do Sul - (Sérgio Dias)

2- Benvindos - (Sérgio Dias) / Mistérios - (Sérgio Dias)

3- Trem - (Paul de Castro) / Dança dos Ventos - (Mutantes)

4- Sagitarius - (Sérgio Dias)

5- Esquizofrenia - (Sérgio Dias)

6- Rio de Janeiro - (Paul de Castro)

7- Loucura Pouca É Bobagem - (Luciano Alves / Sérgio Dias)

8- Hey Tu - (Sérgio Dias / Paul de Castro)

9- Rock’n’Roll City - (Sérgio Dias)

10- Tudo Explodindo - (Rui Motta / Paul de Castro)

11- Grand Finale - (Luciano Alves / Sérgio Dias)

12- Anjos do Sul - (Sérgio Dias)

Faixa produzida em participação em outro momentos artístico (7o. Festival Internacional Da Canção ( Polydor, 1972 FIC 72)

1- Mande um Abraço Pra Velha (Mutantes / Liminha)

CHORO COM PITANGA

2011-05-18T08:36:00.000-03:00

O clarinetista Octaviano Plácido Pitanga, que era um dos sargentos que estavam na Tomada de Monte Castelo pela FEB e forças aliadas na segunda guerra Mundial. No primeiro vídeo, o Sargento Pitanga faz "Confusão no Choro", de sua autoria e Oldemar Magalhães. O clarinete pirraça, uma pirraça gostosa, sem destoar da música. Pitanga é acompanhado por Roró e Jairo nos violões, Toco Preto no cavaco, Amaro no baixo, Inácio no pandeiro e pelos ritmistas Carlinhos e Júlio. Explêndido!

LENI ANDRADE

2011-05-13T12:20:00.002-03:00

Leny Andrade Nasceu em 25 de janeiro de 1943 na cidade do Rio de Janeiro. Estudou no Conservatório Brasileiro de Música e iniciou a sua carreira cantando em boates, morou cinco anos no México e passou boa parte de sua vida vivendo nos Estados Unidos e Europa.

Nunca teve grande sucesso comercial mas é considerada por muitos a maior cantora de jazz brasileiro,

O seu trabalho é bastante reconhecido no exterior, já se apresentou com grandes nomes da música internacional como Paquito D'Rivera, Luiz Eça, Dick Farney, João Donato, Eumir Deodato e Francis Hime.

Em 2007 dividiu um Grammy Latino com César Camargo Mariano para Melhor Álbum MPB ao Vivo.

O seu estilo eclético é uma síntese do samba e do jazz.

Discografia de Leny Andrade

* A sensação (1961) RCA Victor LP

* A arte maior de Leny Andrade (1963) Polydor LP

* Gemini V - Show na boate Porão 73 (1965) Odeon LP,CD

* Estamos aí (1965) Odeon LP

* Gemini cinco anos depois. Pery Ribeiro & Leny Andrade (1972) Odeon LP

* Alvoroço (1973) Odeon LP

* Expo-Som 73, ao vivo (1973) Odeon LP

* Leny Andrade (1975) Odeon LP

* Registro (1979) Columbia LP,CD

* Leny Andrade (1979) CBS

* Presença de Leny Andrade e Os Cariocas (1979) CBS LP

* Leny Andrade (1984) RCA/Pointer LP

* Cartola 80 anos (1988) CBS LP

* Luz neon (1989) Eldorado LP,CD

* Eu quero ver (1990) Eldorado LP

* Bossa nova (1991) Eldorado LP

* Embraceable you (1993) Som Livre CD

* Nós (1994) Velas CD

* Maiden Voyage (1994) Chesky Records CD

* Coisa fina (1994)

* Antonio Carlos Jobim, letra e música (1995) Lumiar Discos CD

* Luz negra - Nelson Cavaquinho por Leny Andrade (1995) Velas CD

* Bossas novas (1998) Albatroz CD

* Leny Andrade canta Altay Veloso (2000) Paradox Music CD

* E quero que a canção seja você (2001) Albatroz CD

* Momentos da bossa ao vivo (2008) Albatroz CD

Vídeos de Leny Andrade

Suite Retratos - Ernesto Nazareth - Radamés Gnatali - Duo Rozado Ghilione

2011-05-11T11:59:00.006-03:00

Ademilde Fonseca, A Rainha do CHORO

2011-05-07T13:02:00.001-03:00

Ademilde Fonseca *04/03/1921

Natural do Rio Grande de Norte, foi para o Rio de Janeiro em 1941, acompanhada do marido músico. Trabalhou em rádio e cantou em programas de calouros até obter sucesso com sua interpretação de "Tico-tico no Fubá" ao lado do regional de Benedito Lacerda. Com essa música gravou seu primeiro disco, em 1942, pela Columbia. Sua fama como cantora de choros aumentou e Ademilde passou a ser procurada pelos compositores para gravar suas músicas. Ficou conhecida como a Rainha do Chorinho. Depois de contratada pela Rádio Tupi, em 1944, foi acompanhada pelos grupos de Claudionor Cruz, Garoto, Waldir Azevedo, Severino Araújo, Canhoto, Jacob do Bandolim, Pixinguinha, Radamés Gnattali e maestro Chiquinho. Teve enorme sucesso com a gravação de outro choro clássico, "Brasileirinho", de Waldir Azevedo, em 1950. Em 1967 participou do II Festival Internacional da Canção, cantando "Fala Baixinho", de Pixinguinha e Hermínio Bello de Carvalho. Desde 1997 integra o conjunto As Eternas Cantoras do Rádio.

Entrevista com Ademilde quando da passagem dos seus 80 anos, Leia

Discografia

Discos de carreira

AS ETERNAS CANTORAS DO RÁDIO - CARMÉLIA ALVES, VIOLETA CAVALCANTE, ADEMILDE FONSECA E ELLEN DE LIMA

Leblon Records - 2000

A RAINHA ADEMILDE & SEUS CHORÕES MARAVILHOSOS

MIS/Copacabana - 1977

ADEMILDE FONSECA

Top Tape - 1975

CHOROS FAMOSOS

Philips - 1960

VOZ + RITMO = ADEMILDE FONSECA

Philips - 1959

À LA MIRANDA

Odeon - 1958

Extras

A MÚSICA BRASILEIRA DESTE SÉCULO POR SEUS AUTORES E INTÉRPRETES - ADEMILDE FONSECA

SESC - SP - 2000

Coletâneas

CHORINHOS E CHORÕES - VOL. 2

Atração - 2000

VÊ SE GOSTAS -JACOB DO BANDOLIM, WALDIR AZEVEDO e ADEMILDE FONSECA

Revivendo - 2000

ADEMILDE FONSECA - 20 SELECIONADAS

Intercd Records - 2000

ADEMILDE FONSECA - VOL. 2

RGE - 1998

A RAINHA DO CHORO

RGE - 1997

SÉRIE ÍDOLOS MPB Nº 14 - ADEMILDE FONSECA

Continental - 1976

Livro

A MPB NA ERA DO RADIO - COLECAO POLEMICA

Vitor Garbelotto - Programa Móbile - TV Cultura

2011-05-01T11:56:00.000-03:00

A integral para violão solo de Radamés Gnattali por Vitor Garbelotto

2011-05-01T11:51:00.000-03:00

A integral para violão solo de Radamés Gnattali por Vitor Garbelotto

-- Radamés Gnattali --

Radamés Gnattali (1906-1988) é um dos mais importantes compositores brasileiros para violão, o que significa dizer que é um dos mais importantes compositores do mundo para violão. Porque o Brasil é quase que uma capital do violão, apesar do violão moderno ser uma invenção espanhola.

Ao contrário de Villa-Lobos, que pode ser considerado o compositor mais importante do mundo a escrever uma obra significativa para violão, Radamés Gnattali não conseguiu aquela aura de compositor de concerto e o trânsito nas instâncias governamentais que lhe franqueassem o acesso ao mundo da arte culta. Radamés viveu sempre injustamente num limbo a que ainda são relegados aqueles que “sujaram as mãos” com o mercado de entretenimento.

Chegado ao Rio de Janeiro quase na mesma época que seu conterrâneo Getúlio Vargas assumiu a presidência da República (1930), Radamés pretendia uma carreira de pianista de concerto – que, ainda bem, não deu certo. Digo ainda bem porque, se ele tivesse sido concertista de piano, teria sido o negócio mais sem graça (outro pianista frustrado que virou peça chave da cultura brasileira foi Mário de Andrade).

Sem conseguir ser concertista, Radamés teve que se virar no que era um mercado em forte expansão – acabou se tornando o principal arranjador da geração pós-Pixinguinha, responsável, por exemplo, pela parte orquestral da gravação certamente mais famosa e representativa do país no mundo por muito tempo: Aquarela do Brasil de Ary Barroso. A primeira gravação, de 1939, com a voz de Francisco Alves, tinha o genial arranjo de Radamés, considerado o primeiro a colocar o balanço do samba na orquestra – especialmente o famoso rife dos saxofones na segunda parte. (Ouça a gravação aqui.)

O sucesso profissional e estético de seu trabalho como arranjador, fundamental para forjar a sonoridade da música popular brasileira desde esta gravação de Aquarela do Brasil em 1939 até a explosão da Bossa Nova em 1958, teve como efeito colateral uma desconsideração insidiosa de seu valor como compositor. Está aí um dos grandes nós que a História da Música Brasileira vai ter que desatar nos próximos anos – um juízo de valor equivocado que coloca o entretenimento comercial como questão denegridora, e entende o trabalho do arranjador como algo menor.

Fato é que, além de ser um dos mais importantes arranjadores brasileiros, Radamés sempre foi também um compositor dos mais importantes, com diversas obras sinfônicas e camerísticas. Entre suas composições originais, tão boas e importantes como seus arranjos, estão diversas obras para violão, inclusive alguns concertos para violão e orquestra. (Veja mais sobre a obra para violão e orquestra de Radamés Gnattali nos programas radiofônicos produzidos por Fábio Zanon, e hoje disponíveis aqui e aqui.)

A obra para violão de Radamés, solo ou camerística, já recebeu diversas gravações, nunca uma integral por um mesmo intérprete em um mesmo disco, como agora nos brinda Vitor Garbelotto. Este tipo de gravação é muito importante, tanto pelo significado que tem a obra de Radamés para a cultura brasileira, como pelo fato de que o outro jeito de ouvir tudo que ele compôs para violão solo era sair catando gravações esparsas, via de regra esgotadas e não disponíveis comercialmente. (Parte delas foi transmitida também em outros programas radiofônicos de Fábio Zanon: aqui, aqui, aqui e aqui.)

-- Vitor Garbelotto --

tinham merecido gravações integrais. Até onde sei: Villa-Lobos (gravado por toda gente pelo mundo todo, mas a melhor gravação integral certamente é a de Fábio Zanon) e Guerra Peixe (outro com uma obra genial, gravada integralmente por Cleiton Vetromila).

Ouvir o disco de Vitor Garbelotto é um carinho nos ouvidos. Violonista de sonoridade grandiosa, toca tudo com clareza, precisão e balanço – qualidades muito difíceis de se preservar em obra de tanta dificuldade técnica como a de Radamés. A gravação soa perfeita em todos os detalhes, numa empreitada que coloca o jovem violonista entre os grandes da galeria do instrumento.

Só posso dizer que é um disco indispensável para amantes dessa sonoridade tão característica obtida por Radamés Gnattali, que fica perfeitamente à vontade nesse instrumento tão adocicado (mas ao mesmo tempo tão duro para compositores e instrumentistas).

O disco está à venda na Livraria Cultura. Uma palhinha do som deste violonista e uma deliciosa conversa com ele, num programa transmitido pela TV Cultura. Partes do disco também podem ser ouvidas na página do violonista no MySpace.

Até agora poucos compositores brasileiros para violãopor André Egg

PAULINHO DA VIOLA por ELIETE NEGREIROS

2011-04-01T09:35:00.000-03:00

A cantora ELIETE NEGREIROS lança no próximo dia 23 de março, quarta-feira, na Livraria Cultura, em SÃO PAULO, ENSAIANDO A CANÇÃO: PAULINHO DA VIOLA E OUTROS ESCRITOS. O livro faz um recorte da obra do compositor e traz uma reflexão sobre a canção brasileira.

Eliete Negreiros, agora também escritora, lançou seu disco de estréia, OUTROS SONS, em 1982, produzido por ARRIGO BARNABÉ. Com o disco ganhou o prêmio APCA como cantora revelação. Depois vieram outros discos e outros prêmios, colocando-a entre as melhores e mais respeitadas cantoras paulistanas.

Realizando doutorado sobre o compositor, o livro, segundo a autora, "é fruto de muitos amores: da canção popular, da filosofia, da literatura e da minha grande admiração por PAULINHO DA VIOLA”.

A canção que inspirou ELIETE NEGREIROS para escrever este livro foi PARA VER AS MENINAS. "Parti da canção para a reflexão teórica e da reflexão teórica para a canção".

O lançamento será na Livraria CULTURA. Avenida Paulista, 2073, 18h30 às 21h30; tel.: (11) 3170-4033.

Fonte: Assessoria de imprensa com edição da Redação do PAPOLOG.

Maria Bethânia se apresenta no Teatro Dom Silvério em março

2011-03-04T08:19:00.000-03:00

Tudo começou em Belo Horizonte, há cerca de dois anos, quando a intérprete foi convidada pela professora e escritora Lúcia Castello Branco para participar de uma leitura de textos no Ciclo de Conferências Sentimentos do Mundo, no câmpus da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG). O evento também recebeu David Lynch, Danielle Mitterrand e Arnaldo Antunes. De lá para cá, ainda que a cantora tenha lançado dois belos discos, não se fala em outra coisa: Bethânia e as palavras, o projeto especial da baiana que será retomado com apresentações na capital mineira (18, 19 e 20 de março), além de São Paulo, Curitiba e Porto Alegre. Em BH, os ingressos começarão a ser vendidos amanhã.

Guimarães Rosa, Manuel Bandeira, Cecília Meireles, Ramos Rosa, Sophia de Mello Breyner, José Craveirinha, Padre Antônio Vieira, Caetano Veloso, Fausto Fawcett e Ferreira Gullar estão no programa do recital, entremeado por trechos de conhecidas canções brasileiras e portuguesas – como ABC do sertão (Luiz Gonzaga), Romaria (Renato Teixeira), Estranha forma de vida (Amália Rodrigues) e Dança da solidão (Paulinho da Viola). O espetáculo conta com a colaboração de Hermano Vianna, de Elias Andreatto, do violonista Jaime Alem e do percussionista Carlos César. A produção negocia sua apresentação no Festival de Inverno da UFMG, em Diamantina, em julho.

Fã da cantora, Lúcia Castello Branco conta que aprendeu a ler Clarice Lispector por meio da intérprete baiana. “É uma das vozes mais bonitas que nós temos. Bethânia canta com a alma, mas sou fã dela como leitora de textos”, diz Lúcia, salientando que não por acaso a escritora portuguesa Maria Gabriela Llansol chamou a atenção para o fato de a brasileira ser “cantora de leitura”. A convivência de Lúcia com Maria Bethânia é anterior ao Ciclo Sentimentos do Mundo. Em 2006, a professora da UFMG e Gabriel Sanna dirigiram o documentário Língua de brincar. Lúcia também fez o documentário Mar interior, ainda inédito, que relata a relação da cantora com a literatura.

A ligação de Maria Bethânia com a palavra remonta à infância. Desde os tempos de colégio em Santo Amaro da Purificação, quando o professor Nestor Oliveira lhe ensinou a ouvir poesia, assim como ao irmão Caetano Veloso. Mais tarde, ela acabou levando os textos para o palco, incorporando-os definitivamente a seu repertório. Em BH, na estreia de Sentimentos do Mundo, a cantora fez uma espécie de memorial da própria carreira, recitando de Fernando Pessoa a Manoel de Barros, passando por Jorge Portugal, Ascendino Ferreira e Maria Gabriela Llansol. Bethânia intercalou a leitura com a interpretação de algumas canções.

O maestro Jaime Alem diz que um dos diferenciais de Bethânia e as palavras é a falta de compromisso da intérprete com a cena. “Ali, ela pode ler à vontade”, explica Alem, salientando que plateias geralmente menores do recital possibilitam maior proximidade da artista com o público. “Por nada ser cronometrado, ela acaba ficando mais solta”, afirma. Depois da estreia na capital mineira, onde cantou a capela, Bethânia acabou sentindo falta de música. O espetáculo, que já foi apresentado em Portugal, ganhou violão e percussão.

BETHÂNIA E AS PALAVRAS

Belo Horizonte

18, 19 e 20 de março – Teatro Dom Silvério, Avenida Nossa Senhora do Carmo, 230, Savassi. Ingressos: R$ 60 (inteira) e R$ 30 (meia), à venda a partir de amanhã. Quem doar um livro em bom estado de conservação terá direito a meia-entrada. Informações: (31) 3209-8989

São Paulo

29, 30 e 31 de março

Curitiba

26 e 27 de abril

Porto Alegre

30 de abril e 1º de maio

Ailton Magioli -

2011-02-23T15:11:00.000-03:00

Inédito, disco 'Racional 3' é o chamariz da incompleta 'Coleção Tim Maia'

Nunca lançado em disco, o terceiro volume da série Tim Racional - gravado em 1976, mas abortado pela desilusão de Tim Maia (1942 - 1998) com a seita Universo em Desencanto - é o chamariz da Coleção Tim Maia. À Venda pela internet ou nas bancas de São Paulo e dos Estados da Região Sul do Brasil, a partir de 28 de janeiro de 2011, a (incompleta) coleção produzida pela Editora Abril relança 13 dos 31 álbuns oficiais do Síndico, agregando aos seus 15 títulos o póstumo Tim Maia in Concert (2007) e o cobiçado Racional Vol. 3. Contudo, para adquirir Tim Maia Racional Vol. 3, o consumidor precisa comprar todos os 14 títulos iniciais da coleção, se cadastrar no site oficial do produto, digitar os códigos alfanuméricos recebidos com a compra de cada disco e, então, aguardar o recebimento em casa do álbum inédito. Jogadas de marketing à parte, a Coleção Tim Maia inclui álbuns raros como Nuvens (1981).

por Mauro Ferreira

Gravadora Joia Moderna e nossas Cantoras

2011-02-13T15:14:00.001-02:00

Gravadora Joia Moderna dá voz a cantoras marginalizadas pela indústria

Não é fácil ser cantora no país das cantoras. Intérpretes sem uma obra autoral que lhes dê identidade - e lhes garanta alguma autonomia artística na indústria fonográfica - geralmente ficam à mercê dos critérios às vezes questionáveis de diretores artísticos de gravadoras. Além da voz, é preciso ter personalidade forte, como as de Maria Bethânia e Nana Caymmi, por exemplo, para driblar direcionamentos dúbios e impor a verdade de seu canto. A explosão do pop rock nacional em 1982 implodiu o conceito de MPB - criado nos festivais dos anos 60 e solidificado ao longo da década de 70 - e piorou ainda mais a situação. Foi quando diversas cantoras, como Joanna e Fafá de Belém, por exemplo, partiram para o brega para garantir vendas e visibilidade nas paradas. Nos anos 2000, a própria implosão da indústria do disco - vitimada pela pirataria física e virtual - afunilou o mercado mainstream e empurrou a dita MPB para o circuito indie. É nesse contexto que a gravadora Joia Moderna - aberta pelo DJ Zé Pedro - entra efetivamente no mercado em fevereiro de 2011 para dar voz, sobretudo, a cantoras marginalizadas por um mercado que deu tiro em seu próprio pé ao adotar visão imediatista. Não é por acaso que, no lote inicial de lançamentos da Joia Moderna, há bem-vindos álbuns de Zezé Motta e Cida Moreira. Zezé despontou como atriz e cantora nos anos 70, chegando a gravar discos arrojados. Contudo, por ser negra, logo foi enquadrada pela Warner Music no nicho das sambistas - nicho redutor, no caso específico de Zezé. Dedicado aos repertórios de Jards Macalé e Luiz Melodia, o álbum Negra Melodia pode vir a reposicioná-la no mundo da música. Já Cida Moreira nunca esteve propriamente no mainstream, tendo feito discos pelas extintas gravadoras Kuarup (pioneira no mercado indie brasileiro, espécie de Biscoito Fino de sua época) e Continental. Contudo, por sua coerência e personalidade, Cida deveria ter tido uma carreira fonográfica mais regular, desenvolvida sob os holofotes da mídia, e não construída à margem do mercado. Que a Joia Moderna dê brilho e oportunidades a essas vozes e lapide outros diamantes verdadeiros, alguns encobertos pela poeira do tempo e da acomodação. Antes de ser DJ, Zé Pedro sempre foi fã apaixonado de cantoras. Como tal, sabe identificar vícios e virtudes dessas joias que, uma vez lapidadas, podem voltar a brilhar e fazer discos a que o tempo se encarregará de dar o real valor se a crítica não o fizer de imediato.

por Mauro Ferreira

Capa de lp do Erasmo Carlos é plagiada na Alemanha...

2011-01-30T15:01:00.001-02:00

MC Alemão plagia ilustração de capa de LP lançado por Erasmo em 1982

Com lançamento programado para 28 de fevereiro de 2011, o álbum Circus Maximus, do MC alemão Morlockk Dilemma, corre risco de chegar às lojas com outra capa. É que o ilustrador brasileiro José Luiz Benício vai processar Morlockk por plagiar a ideia e a ilustração da capa do álbum Amar pra Viver ou Morrer de Amor, lançado por Erasmo Carlos em 1982. Alertado esta semana sobre o descarado plágio por colegas ilustradores do exterior, Benício decidiu levar o caso à Justiça. O confronto entre as duas capas não deixa dúvidas sobre a apropriação indevida da ilustração de Benício. Até as pulseiras usadas por Erasmo aparecem nos braços do alemão.

por Mauro Ferreira

Revivendo...Fábio, Hildon e Tim Maia. Velho Camarada

2011-01-23T15:45:00.000-02:00

Para ouvir este vídeo, desligue o mixpod na barra lateral

Grandes camaradas esses daí!

CAETANO VELOSO E BANDA BLACK RIO - ODARA

2011-01-21T16:13:00.001-02:00

Sobre CHICO BUARQUE DO BRASIL

2011-01-09T01:21:00.002-02:00

-- Chico em 1968 --

Chico Buarque do Brasil, volume publicado em 2004 e organizado por Rinaldo de Fernandes, é um dentre muitos títulos que celebram em tom consensual a trajetória artística e biográfica de Chico Buarque. Se ligeiramente consideramos a importância extraordinária de Chico Buarque na cultura brasileira desde meados dos anos 1960, torna-se dispensável reconhecer o significado de obras dessa natureza. Começo no entanto por ressaltar esse aspecto dominante da obra precisamente por acreditar que a atividade crítica deve ser sempre crítica, mesmo quando sua função é apreciar artistas em torno dos quais se articula a rede consensual apreensível na fortuna crítica de Chico Buarque, Tom Jobim, Caetano Veloso e outras raras e definitivas expressões da música e da cultura brasileira.

Embora contenha pouca documentação original, o volume tem o mérito de reunir dados biográficos e críticos relevantes e talvez ainda desconhecidos dos que pouco leem sobre música brasileira. É muito interessante, por exemplo, a documentação reunida na Cronologia. Penso em particular na matéria de uma entrevista que Chico concedeu a Augusto Massi. Nela ele revela fontes preciosas para que melhor se aprecie sua iniciação literária. De início, lê exclusivamente autores franceses sob sugestão do próprio pai, Sérgio Buarque. Pelo que se sabe, a partir de declarações do próprio Chico, Sérgio era um estudioso incansável e metódico. Certamente a mais forte evidência disso está contida na obra de historiografia que produziu, talvez a melhor que temos, também na sua fina erudição crítica espelhada na produção jornalística reunida em livro por Antonio Arnoni Prado. Embora tivesse família numerosa, sua biblioteca era pouco acessível à intrusão dos filhos, provavelmente controlados pela sombra eficazmente protetora de Maria Amélia, sua mulher.

O próprio Chico confessa que sua iniciação literária foi uma tentativa de encontrar uma via de aproximação com o pai demasiado imerso no seu mundo de livros e símbolos. É de certo modo curioso, ou mesmo incompreensível, o fato de Chico aportar afinal na literatura brasileira não através do pai, fonte capital de conhecimento histórico e cultural sobre o Brasil, mas através de um amigo que o reprovou por viver discutindo literatura… em francês. Diante do que sei de Sérgio Buarque através de sua própria obra, causa-me estranheza saber que ele afastou o filho da literatura brasileira, quando o mais razoável seria aproximá-lo. Afinal, ele foi um dos grandes participantes do mais importante movimento literário que já tivemos na história da nossa literatura. O modernismo, dando nome ao boi, teve abrangência infinitamente maior que a literária, ainda que compreendida aqui em sentido elástico. Sérgio confirma de resto, quando consideramos sua trajetória intelectual, este fato que vai aqui brevemente mencionado e melhor expus num artigo já postado no meu blog: Modernismo e Ciências Sociais.

A opção de artistas literariamente privilegiados como Chico Buarque e Caetano Veloso pela música constitui evidência do status intelectual que nossa música popular conquista a partir da bossa nova e sobretudo da contribuição estética e intelectual fundamentais que Vinícius de Moraes e Tom Jobim transportaram para o seu curso tão admiravelmente renovado e elevado a partir de meados dos anos 1950.. O primeiro, como se sabe, procedia da tradição poética canônica, portanto restrita a um público altamente letrado, enquanto o segundo era portador de uma sofisticada formação musical erudita, embora vivesse catando moeda como pianista nos inferninhos da noite carioca para sobreviver. Além disso, o pai de Tom, assim como o de Vinícius, era poeta, ainda que retardadamente parnasiano. Este fato sugere o quanto é lenta a difusão dos grandes movimentos de renovação literária, mesmo no círculo das camadas letradas do qual ambos faziam parte.

Não fosse a mutação profunda sofrida pela música popular a partir desse período, jovens de formação privilegiada como Chico e Caetano teriam provavelmente derivado para outros campos de expressão cultural. O próprio Caetano sublinha bem essa circunstância. Como Chico, embora de extrato social inferior e preso na adolescência ao ambiente provinciano de Santo Amaro da Purificação, ele já lia autores literários de importância, já manifestava interesse pela filosofia e também já esboçara alguns passos de iniciação na crítica de cinema. Como ele próprio reconhece, foi a descoberta da bossa nova, antes de tudo da revolução estética introduzida por João Gilberto no cenário musical brasileiro, o que o atraiu para a música. A tudo isso se soma um fator de ordem sociológica importante, a expansão dos meios de comunicação de massa no momento em que a geração de Chico e Caetano ingressa no território musical.

Chico e Caetano tornaram-se amigos no início de suas carreiras. Mas logo a amizade foi estremecida pela própria turbulência estética e política que tão profundamente caracterizou a década de 1960, talvez a mais rica do século 20 brasileiro. É provável que somente a de 1920, desdobrada na década seguinte, lhe possa fazer páreo. A amizade foi abalada quando o tropicalismo irrompeu na cena musical em meio a uma extraordinária atmosfera de turbulência e radicalismo ideológico. A corrente dominante nos movimentos de esquerda era o nacionalismo cultural. Sua radicalização foi tão notável que mesmo representantes da bossa nova como Vinícius de Moraes e Carlos Lyra acabaram atraídos pela música engajada, pela regressão a temas que punham a música e a arte em geral na linha de frente do combate político à realidade social sustentada pelo regime militar. À parte Tom Jobim e João Gilberto, praticamente todos aderem a um movimento de regressão às fontes tradicionais da música e da cultura brasileira afastando-se assim da sofisticação camerística e liricamente apolítica da bossa nova. A pesquisa das fontes folclóricas e nordestinas, de braço dado com o sentido de engajamento político, prevalece na atmosfera agitada dos festivais de música que irrompem somando a celebração coletiva ao embate ideológico nas salas de espetáculo.

O tropicalismo provocou um autêntico curto circuito nas esquerdas, notadamente, por razões óbvias, na esfera musical. Como movimento que alimentou ambições muito amplas, é difícil traçar num artigo ligeiro suas linhas fundamentais. Ressalto aqui, tendo em vista minhas intenções específicas, sua associação com a vanguarda erudita identificável no movimento da arte concreta, liderado pelos irmãos Campos, Augusto e Haroldo, e por Décio Pignatari. Augusto, o mais afinado com a música, tanto a de vanguarda erudita quanto a popular, escreveu naquele momento uma série de artigos polêmicos, de alta tensão crítica, em defesa do tropicalismo. Esses artigos, acrescidos de outros assinados por Júlio Medaglia e Gilberto Mendes, seus companheiros de armas dentro da vanguarda erudita, visavam a defesa radical das mudanças introduzidas por Caetano Veloso e Gilberto Gil.

Os artigos, que compreendem ainda uma ótima apreciação geral da bossa nova escrita por Brasil Rocha Brito e entrevistas com Caetano Veloso e Gilberto Gil, foram mais tarde reunidos no volume Balanço da Bossa. Este volume foi mais tarde ampliado e reeditado com o acréscimo de um subtítulo “e outras bossas”. Mesmo o leitor que dele em muitos pontos discorda, é o meu caso, curva-se à força dos fatos para reconhecer que é a melhor avaliação crítica da música à época produzida. Falando da minha experiência de leitor e amante da música brasileira, friso que muito aprendi com esse livro, decisivo para modificar e aprimorar um pouco minha percepção da música popular e das íntimas conexões que a atavam à realidade política e social daquele momento extraordinariamente turbulento e criativo.

Como é típico das vanguardas, o elogio da ruptura estética era indissociável do ataque às correntes opostas. Foi nesse contexto que Augusto de Campos identificou na música de Chico Buarque uma expressão conservadora que precisaria ser criticada sem complacência. Sendo assim, propõe uma relação de antagonismo personalizada em Caetano e Chico. Ampliando o elo das relações antagônicas para melhor definir as linhas de força da cultura brasileira a partir do modernismo, opõe Oswald de Andrade a Mário de Andrade. Estes constituíram as matrizes de um embate renovado na década de 1960 no tropicalismo liderado por Caetano em oposição ao nacionalismo conservador apreensível na música de Chico povoada por bandas, Carolinas e ecos nostálgicos do passado brasileiro.

Oswald de Andrade, que ficara confinado ao quase esquecimento durante duas décadas, é reposto na linha de frente dos movimentos artísticos que agitam a cena cultural nos anos 1960. Além do papel decisivo desempenhado pelos irmãos Campos, Haroldo e Augusto, outros focos de radicalização estética desencavam sua obra para acirrar o clima de irreverência, rebeldia e ruptura anárquica dos códigos dominantes. É o caso do Teatro Oficina, liderado por José Celso Correa, de Glauber Rocha na esfera do cinema novo, sobretudo do tropicalismo capitaneado por Caetano Veloso, que num certo sentido articula todas essas correntes contestadoras não apenas da cultura oficial guarnecida pela ditadura militar, mas também do nacionalismo de esquerda.

Os representantes da arte concreta, adestrados na polêmica e no combate agressivo a tudo que lhes parecesse conservador, reiteravam assim o sentido mais definidor da vanguarda. Na sua obsessão pelo novo sempre contraposto ao velho, da ruptura no avesso da rotina ou da repetição, viam novidade até onde ela não existia. Apostando no caráter potencialmente renovador dos meios de massa, que poderiam ser agenciados em defesa da ruptura estética e política, associaram-se não apenas ao tropicalismo, mas também à jovem guarda de Roberto e Erasmo Carlos, também de Vanderléa. Eles, os concretistas, que tanto combateram em prol da radicalidade da arte contemporânea, acabaram fabricando aliados inexistentes quando festivamente se integraram à corrente da arte de consumo promovida pelos novos meios de massa. E o fizeram batendo de frente contra o nacionalismo cultural de esquerda e de direita, aí incluída a figura consensual de Chico Buarque e sua música que, sem dúvida, soava conservadora se apreciada pelo metro formal e temático da tropicália.

Outro artifício de que Augusto de Campos se valeu foi o de adotar a tipologia procedente de Ezra Pound, que opõe os inventores, ou a radicalidade vanguardista, aos mestres e por fim aos diluidores. É fácil concluir que identifica Caetano e Gilberto Gil com a invenção, deprecia Chico como um mestre e silencia sobre os diluidores, salvo se os identifica com o grupo impreciso que repisa e dilui os clichês do nacionalismo cultural. Augusto de Campos tem certa margem de razão, mas muito do que combate, assim como muito do que prega, transborda da sua receita polarizadora e intransigente. Em suma, o senso de mediação crítica sai bastante chamuscado pelo ardor vanguardista que singulariza sua ação no âmbito da crítica da música popular.

Dando provas de grande vitalidade criativa, Chico se renovou de forma extraordinária sem abrir mão de sua coerência e fidelidade substancial à melhor e mais viva tradição cultural do Brasil. Quando isso se tornou evidente, o próprio Augusto de Campos voltou à cena do crime em tom mais contemporizador observando que Chico “é ainda um mestre mas se contaminou de invenção” Como seria previsível, atribui o ingrediente de invenção à influência saudavelmente contaminadora de Caetano Veloso. O artifício crítico constitui apenas uma variação da leitura que ele e seu irmão Haroldo fazem de Macunaíma quando subordinam a obra inventiva de Mário de Andrade ao espírito da antropofagia ideado por Oswald de Andrade.

Assentada a poeira da polêmica, logo ficou claro que a aposta dos vanguardistas no caráter de radicalidade da música integrada ao circuito do consumo de massa não passava de canoa furada. É certo que a jovem guarda continha elementos de inegável renovação cultural, à revelia da consciência ingênua dos seus líderes. O exemplo dos Beatles, repetidas vezes invocado por Augusto de Campos, é ainda mais forte. Eles sem dúvida renovaram a música de massa, o pop internacional de modo extraordinário. Mas tudo não passou de um episódio isolado no cerne de um sistema de produção e consumo de massa cuja dominante é a repetição, a diluição que tanta hostilidade inspira àqueles identificados com a vanguarda.

Quanto a Chico e Caetano, felizmente se reencontraram em termos pessoais acima dessas polarizações artificiais propostas por Augusto de Campos. A evidência maior da inconsistência desses antagonismos infundados, tão frequentemente promovidos pelos que personificam a rebeldia estética e a radicalidade das vanguardas, está inscrita antes de tudo na própria qualidade da obra musical que produziram dos anos 1960 ao presente. Um dos grandes méritos do tropicalismo consistiu precisamente no combate que moveu contra a intolerância estética e política traduzida em preconceitos contra a jovem guarda, o baião simbolizado em Luiz Gonzaga e até a nossa tradição brega, o mau gosto em geral, para usar aqui uma expressão bem vaga. Como todavia não vivemos isentos de preconceitos e apreciações duvidosas, o próprio tropicalismo entronizou na cena cultural um outro modo de preconceito, o que visa o nacionalismo cultural sem as discriminações devidas, o que opõe arbitrariamente a tradição à ruptura. Felizmente há muito foi superada a necessidade de os grupos de criação e recepção musical oporem esquematicamente Chico Buarque a Caetano Veloso.

por Fernando da Mota Lima

Curiosidades sobre nomes de duplas sertanejas.

2011-01-07T17:11:00.003-02:00

Chanceler & Diplomata
Choroso & Xonado
Conde & Dracula

Faceiro & Fascinante
Faisca & Pinga Fogo
Franco & Montoro

Industrial & Fazendeiro
Juscelino & JK
Leal & Legal

Scott & Smith
Susto & Rodrigo
V.J & Wanderil

Patrão & Funcionário
Perito & Paquera
Poliglota & Porta Voz

Marechal & Rondon
Monetário & Financeiro
Oceano & Porto Rico

Cruzeiro, Tostão & Centavo

Divisor & Consciente
Domyngo & Feryado

Ednaldo Queiros

2011-01-07T16:44:00.000-02:00

Clássicos da MPB pensando nela Dom Beto.

2011-01-07T16:04:00.000-02:00

Mercado norte-americano lança a caixa de discos Studies of Tom Zé

2010-12-29T08:09:00.000-02:00

Com quatro discos de vinil remasterizados, a obra revê carreira do baiano de 1975 a 2008

Tom Zé: "Trabalho ali entre o ridículo e o razoável, o som e o ruído"

Foto:Marcelo Rossi, Divulgação

A amor de Zé pelos paradoxos insolúveis. A frase é do ensaísta americano Christopher Dunn, professor da Tulane University, em New Orleans, nas notas de encarte da caixa "Studies of Tom Zé - Explaining Things So I Can Confuse You", lançada pela Luaka Bop nos Estados Unidos (US$ 70).

Dunn usou a expressão para se referir às músicas de "Estudando o Samba", um dos quatro álbuns em vinil remasterizados contidos no material. Editada criteriosamente e com notável apuro crítico, a caixa é um bê-á-bá da carreira do baiano, remontando sua trajetória entre os anos de 1975 e 2008. Não é um balanço da carreira porque Tom Zé é uma obra em progresso, nesse momento deve estar escarafunchando em algo que nos projete novamente no futuro.

Além dos discos de vinil, raridades que qualquer amante da música brasileira disputará com sofreguidão, há um CD com conversas entre Tom Zé, David Byrne (Talking Heads e cabeça falante do selo Luaka Bop) e Arto Lindsay, papos levados no inverno de 1993 - era do início da ressurreição de Tom Zé.

Tom Zé é um dínamo da música, e seu reconhecimento internacional tardio ainda assombra. O mesmo Christopher Dunn disse à reportagem, no ano passado, ao lançar seu livro "Brutalidade Jardim" (Editora da Unesp) que o fato de músicos famosos dos Estados Unidos e Europa reconhecerem tardiamente algumas sonoridades tropicalistas e pós-tropicalistas aconteceu porque isso tinha a ver com seus próprios projetos musicais. ê o caso, por exemplo, da imediata empatia entre Tom Zé e a banda Tortoise, também experimentalista.

Fazer uma trilogia de álbuns sobre gêneros musicais não era uma ideia original de Tom Zé. Para Dunn, seu retorno a Estudando o Samba (1975) com os discos Estudando o Pagode (2005) e Estudando a Bossa (2008) foi mais uma forma de examinar o próprio significado do álbum pioneiro em sua própria perspectiva da música.

— Não sou gênio de nada. Sou um dos mais simplórios dos invencionistas — diz Tom Zé.

Basta ler a análise que Dunn faz dos seus álbuns que já dá para desconfiar dessa afirmação plena de humildade.

— Suas canções escrachadas e resolutas embalam subnarrativas de teoria musical, ondas intelectuais e disputas filosóficas — escreveu Ben Ratliff no New York Times sobre o material.

Seu experimentalismo, aliado a arranjos complexos (que podem soar frugais ao desavisado), não é coisa de amador, decisivamente. Tom Zé disse à reportagem, há algum tempo:

— Logo cedo percebi minha incapacidade de trabalhar naquilo que hoje se chama 'mainstream', na coisa tradicional, bem-feita, bonita. Aí me dirigi para um extremo onde você está quase no ridículo e às vezes até no razoável. Então trabalho ali entre o som e o ruído, e no começo ninguém dizia que o que eu fazia era música. Era apenas alguma coisa que se escutava. Só passou a ser chamada de música quando fiz aquela experiência radicalmente suicida. Foi quando fui participar do programa Escada para o Sucesso e fiz uma música chamada Rampa para o Fracasso.

O "jornalismo cantado" de Tom tem a ironia e o humor como armas, e um radar constantemente apontado para o novo. Instado a falar sobre a falta de senso revolucionário na música de hoje, ele se apressa a demolir a afirmação:

— O violão solitário e multiplicado em timbres de Lucas Santtana é um enfrentamento. Tatit e o Grupo Rumo se despediram - mas é mentira. A plena explosão de (Fernanda) Takai ainda treme chão. Os arietes de Zélia, de Salmaso, de Jussara, ainda derrubam castelos. A internetada de Mallu ainda vence gravadoras. Todas essas cantoras novas, Aydar, Andréa Dias, Márcia Castro, De La Riva, Anelis, esse batalhão de romper cerca, ainda promete. Há tantas outras coisas, Acho que a década foi satisfatoriamente revolucionária.

AGÊNCIA ESTADO

CARLOS DAFE & BANDA BLACK RIO (ORIGINAL)-DE ALEGRIA RAIOU O DIA

2010-12-21T16:08:00.001-02:00

Depois da explosao do bixo CD saiu, foi-se a originalidade. Ate hoje os trabalhos feitos nos anos 60 e 70 servem como referencia, pos nada aconteceu depois disso

Clássicos da MPB - Hildon. As dores do mundo.

2010-12-17T16:00:00.000-02:00

Bela letra, bela melodia, um grande cantor sem duvida!

NOEL ROSA, O POETA DA VILA, 100 ANOS.

2010-12-11T15:36:00.003-02:00

Vida e obra de Noel Rosa

Saiba como o estudante de medicina se transformou em um dos principais músicos brasileiros de todos os tempos.

'Como médico, eu jamais serei um Miguel Couto. Mas quem sabe não poderei ser o Miguel Couto do samba?'

Apesar da pressão familiar, Noel Rosa sempre soube qual era seu destino: “como médico, eu jamais serei um Miguel Couto. Mas quem sabe não poderei ser o Miguel Couto do samba?”, disse para um colega do Ginásio São Bento, onde estudou.

Cada vez mais ligado à música e deixando os estudos de lado, Noel levou oito anos para completar o ginasial, pré-requisito para ingressar na Faculdade de Medicina do Rio de Janeiro, como desejava sua família. Em 1931, chegou a entrar no curso, mas, seis meses depois, abandonou de vez os jalecos e bisturis.

Leia entrevista com o jornalista João Máximo, biógrafo do músico

Noel de Medeiros Rosa nasceu às vésperas do Natal, em 11 de Dezembro de 1910. Por isso, e pelo amor de seu pai à França, ganhou este nome (Natal, em francês, é Noël). O futuro sambista cresceu com um problema no maxilar inferior, que acabou sendo fraturado por conta do uso do fórceps durante o parto. Apesar das inúmeras tentativas da família de reverter o quadro, a deformação nunca foi corrigida.

Viveu em Vila Isabel, tema de muitos dos seus sambas – assim como outros locais da então capital da República, de onde quase nunca se afastou. A fama de Noel, principalmente como violonista, se espalhou pelas ruas do bairro de classe média baixa, que teve uma trajetória curiosamente musical. Inicialmente apenas participava de serestas, mas acabou sendo convidado para integrar um quinteto. Embora tenha aceitado o convite, Noel sempre foi um corpo estranho no Bando de Tangarás, fundado em 1929. Começou a se afastar dos outros quatro integrantes, especialmente depois de gravar sozinho o samba “Com que roupa?”, inspirado no mundo da malandragem, que sempre o fascinou.

Noel, numa época em que não havia parcerias interraciais na música brasileira, compôs com Ismael Silva e Cartola. Além de grandes nomes da canção popular, como Ary Barroso e Lamartine Babo. Atuou muito como cantor de rádio, mas os cachês modestos fizeram com que ele vivesse sempre em dificuldade financeira.

Ao fim de 1934, descobriu que sofria de tuberculose nos dois pulmões. Então, quase forçado, casou-se com Lindaura Martins. Outra descoberta lhe causa profunda infelicidade: um dos seus grandes amores, Juraci Correa de Moraes, a Ceci, se envolveu com Mário Lago, justamente quando Noel se mudou para Belo Horizonte, na esperança que o clima o curasse. Mas a tentativa fracassou: com apenas 26 e pouco mais de 250 canções, a tuberculose lhe causou a morte, em 1937.

Julia Moreira

A música brasileira dos dias de hoje e sua triste realidade!

2010-12-08T15:49:00.004-02:00

A indústria musical hoje no Brasil busca novidades que agradam ao ouvido da população e da mídia em geral. Mas o que leva a uma grave preocupação é que a boa música de algumas décadas atrás foi praticamente esquecida pelas gravadoras e trocada por produções de baixa qualidade musical, que facilmente agrada os ouvintes atualmente.

Composições vazias e sem conteúdo relevante é o que gera lucro para os empresários da música, logo o espaço que poderia ser divulgado novos talentos e relembrado grandes clássicos são exclusivos de artistas com qualidade musical totalmente limitada. Isso sem levar em consideração também o fato de que, músicos que possuem obras superiores tecnicamente, ou em qualquer outra questão, ficam sem espaço na grande mídia. Estes acabam restritos aos fãs mais fieis e a alguns ouvintes que buscam obras bem produzidas, os quais são, obviamente, mais sensatos que os adoradores do baixo nível.

Se for preciso citar alguns gêneros que entopem as rádios e emissoras de TV com lixos industriais, com certeza o faremos. Qualquer pessoa que consiga compreender algo totalmente básico em uma obra artística e não a aprecie apenas superficialmente, logo perceberá que o Funk brasileiro, o chamado Sertanejo Universitário, entre outros, espalham músicas sem nenhum conteúdo relevante. Porém o que acontece? A grande massa gera lucro para estilos como estes, deixando grandes composições de MPB e do velho Rock Nacional, principalmente da década de 70 e 80, cada vez mais esquecidos e menos valorizados.

Artistas que produzem “enlatados”, ou seja, obras que já vêm prontas e são fáceis de engolir, ganham inúmeros prêmios, como de melhor banda, melhor música, melhor cantor etc. E os dinossauros da música brasileira estão sendo fortemente abandonados por grande parte do público e pela mídia.

É necessário ressaltar também que o capitalismo além de matar muitas pessoas, está matando e quer enterrar, sem piedade, a boa música. Esta afirmação existe baseada principalmente em uma concepção, um dos fatores primordiais deste sistema, o dinheiro. Atualmente as gravadoras se preocupam essencialmente com o lucro, ao invés da qualidade das obras. Esta triste realidade acaba fazendo com que os artistas fiquem sem opções de escolha, em outras palavras, ou você aceita que o mais importante na música hoje é o lucro, ou contente-se com a cena underground.

Felipe Ferraz

30 anos sem Cartola‏

2010-11-27T17:59:00.004-02:00

Salve Salve Cartola!

Agenor de Oliveira foi, para muitos, o maior compositor de samba de que já se teve notícia. Carioca do Catete, morou ainda na infância no bairro das Laranjeiras, até que, aos 11 anos, mudou-se com a família para o ainda incipiente Morro da Mangueira. Naquele lugar começaria a se inscrever, alguns anos depois, a força indiscutível de um talento, de um artista desde sempre talhado a exercer sua arte, arte esta que passa ao largo de classe social, grau de escolaridade e outros ínterins.
Assim, enquanto trabalhava como pedreiro (ofício em que acabou ganhando o apelido de Cartola, pois usava um chapéu coco para proteger o cabelo do cimento que caía), tornou-se parceiro e amigo de Carlos Cachaça (que o introduziu no samba e na malandragem do morro) e acabou fundando, junto deste e mais cinco, em 1928, a Estação Primeira de Mangueira.

Entre as décadas de 20 e 30, tornou-se compositor reverenciado por nomes como Mário Reis, Francisco Alves (intérprete mais popular da época) e Silvio Caldas. Em seguida, passou anos afastado do morro e dos amigos, chegando a ser dado como morto. Em 1957, foi encontrado pelo jornalista Stanislau Ponte Preta, que começou a promovê-lo. Daí em diante, viriam o Zicartola, os quatro discos da vida e, enfim, o reconhecimento. As seleção das canções de Viva Cartola! 100 anos contempla as várias facetas da verve criativa do lendário sambista: Basta de Clamares Inocência (Mart’nália) gravação inédita, feita especialmente pra esse disco; Todo Tempo Que eu Viver (Paulinho da Viola, As Meninas da Mangueira e Cartola), gravada em 77, que aparece no álbum Tom da Mangueira; Tive Sim (Luiz Melodia), presente em Estação Melodia; O Mundo é um Moinho na versão de Tira Poeira e Pedro Miranda (do primeiro álbum do grupo, Tira Poeira); na voz de Elton Medeiros, estão Partiu e Sofreguidão (esta composta com Elton).

Entre as parcerias estão Festa da Penha (com Adalberto Alves de Souza), gravada por Marcos Sacramento em Sacramentos; Sem Saudades (cuja melodia temporã foi feita por Francis Hime depois da morte de Cartola), num duo de Zélia Duncam e Francis em Arquitetura da Flor; Não Quero Mais Amar a Ninguém (com Carlos Cachaça e Zé da Zilda), na voz de Olivia Byington em A Dama do Encantado; Camarim (com Hermínio Bello de Carvalho), na voz de Elizeth Cardoso e no violão insuperável de Rafael Rabello. Completam o disco as versões instrumentais para Amor Proibido (em releitura de Zé Paulo Becker) e As Rosas não Falam (Marco Pereira e Gabriel Grossi).

Ainda na década de 1930, vendeu os direitos de gravação de vários sambas, como Divina Dama e Qual Foi o Mal que Eu te Fiz?, lançados por vários intérpretes. Desapareceu nos anos de 1940, só retornando ao meio artístico em 1959, quando foi encontrado, pelo jornalista Sérgio Porto, na rua trabalhando como lavador e guardador de carros no bairro de Ipanema. Mais tarde, investindo na batalha para levar o samba do morro às ruas da cidade, abriu, junto com Eugênio Agostine e sua mulher Dona Zica, o bar Zicartola, que se tornou no mais badalado ponto de encontro de sambistas cariocas. Cartola convidava gente como Elizeth Cardoso, Cyro Medeiros e o trio Pixinguinha, Donga & João da Baiana para cantar no bar a música de "pouco valor" (dialeto sambeiro de então).

Sua aceitação no mercado fonográfico só ocorreu nos anos de 1960 e 1970, quando conheceu um pouco de popularidade e gravou músicas como O Sol Nascerá, Autonomia, O Mundo É um Moinho, Tive Sim, Divina Dama, Quem me Vê Sorrir. Gravou seu primeiro LP somente em 1974, aos 66 anos, e, mesmo vivendo em grandes dificuldades financeiras, compôs e cantou até morrer, aos 72 anos.

Com apoio do Biscoito Fino

O tico-tico

2010-11-18T14:21:00.001-02:00

Composição de Zequinha de Abreu (José Gomes de Abreu), paulista de Santa Rita do Passa Quatro(SP) - 1880-1935

O tico-tico tá, tá outra vez aqui,

o tico-tico tá comendo o meu fubá!

Se o tico-tico tem que se alimentar,

que vá comer umas minhocas no pomar...!

O tico-tico tá, tá outra vez aqui

o tico-tico tá comendo o meu fubá,

eu sei que ele vem viver no meu quintal

e vem com ares de canário e de pardal

Mas por favor, tire esse bicho do celeiro

porque ele acaba comendo o fubá inteiro!

Tira esse bicho de lá, de cima do meu fubá

tem tanta fruta que ele pode pinicar...

Eu já fiz tudo pra ver se conseguia,

botei alpiste pra ver se ele comia,

botei um gato, um espantalho e um alçapão

mas ele acha que o fubá é que é a boa alimentação...!

Na “tonga da mironga do cabuletê”

2010-11-10T10:17:00.000-02:00

1970.Vinícius e Toquinho voltam da Itália onde haviam acabado de inaugurar a parceria com o disco “A Arca de Noé”,

fruto de um velho livro que o poetinha fizera para seu filho Pedro, quando este ainda era menino.

Encontram o Brasil em pleno “milagre econômico”. A censura em alta, a Bossa em baixa.

Opositores ao regime pagando com a liberdade e a vida o preço de seus ideais.

O poeta é visto como comunista pela cegueira militar e ultrapassado pela intelectualidade militante,

que pejorativa e injustamente classifica sua música de easy music.

No teatro Castro Alves, em Salvador, é apresentada ao Brasil a nova parceria.

Vinícius está casado com a atriz baiana Gesse Gessy, uma das maiores paixões de sua vida,

que o aproximaria do candomblé, apresentando-o à Mãe Menininha do Gantois.

Sentindo a angústia do companheiro, Gesse o diverte, ensinando-lhe xingamentos em Nagô,

entre eles “tonga da mironga do cabuletê”, que significa “o pêlo do cu da mãe”.

O mote anal e seu sentimento em relação aos homens de verde oliva inspiram o poeta.

Com Toquinho, Vinícius compõe a canção para apresentá-la no Teatro Castro Alves.

Era a oportunidade de xingar os militares sem que eles compreendessem a ofensa.

E o poeta ainda se divertia com tudo isso:

“Te garanto que na Escola Superior de Guerra não tem um milico que saiba falar nagô”.

Fonte: Vinicius de Moraes: o Poeta da Paixão; uma Biografia. São Paulo: Companhia das Letras, 1994.

Tonga da Mironga do Cabuletê

Toquinho e Vinicius de Moraes

Eu caio de bossa eu sou quem eu sou

Eu saio da fossa xingando em nagô

Você que ouve e não fala / Você que olha e não vê

Eu vou lhe dar uma pala / Você vai ter que aprender

A tonga da mironga do cabuletê

Você que lê e não sabe / Você que reza e não crê

Você que entra e não cabe / Você vai ter que viver

Na tonga da mironga do cabuletê

Você que fuma e não traga / E que não paga pra ver

Vou lhe rogar uma praga / Eu vou é mandar você

Pra tonga da mironga do cabuletê

Françoise Hardy la question

2010-11-02T19:35:00.001-02:00

La question

(trecho)

je ne sais pas qui tu peux être

je ne sais pas qui tu espères

je cherche toujours à te connaître

et ton silence trouble mon silence

je ne sais pas d'où vient le mensonge

est-ce de ta voix qui se tait

les mondes où malgré moi je plonge

sont comme un tunnel qui m'effraie...

A questão

Eu não sei o que se passa,

Eu não sei o que você espera,

Eu tento sempre conhece-lo melhor..

Seu silêncio e meu silêncio inquietam

Eu não sei de onde vem a dúvida

É sua voz que se cala em um mundo

que sozinho mergulhou.

Essas dúvidas

são como um túnel que me assusta.

Entrevista

2010-10-19T17:15:00.001-02:00

A música me ama.

Paulo César Pinheiro não tem controle as canções, que brotam. Elas já renderam parcerias com gente de cinco gerações e um baú pronto para servir a outras tantas

PC Pinheiro, durante entrevista em um bar de Copacabana (Foto: Luciana Whitaker)

Você está numa cidade imaginária. Siga pela Avenida Baden Powell e entre na Travessa Elis Regina. No fim da viela, descanse na Praça João Nogueira, junto ao Monumento à Clara Nunes, bem no Cantinho do Sabiá, em frente ao conservatório musical Dorival Caymmi. Passe para a outra quadra, e na esquina da Rua Eduardo Gudin com a Maurício Tapajós tome alguma coisa no Bar Pixinguinha, onde não entra quem não tem caráter. É possível que Vinicius e Tom estejam por lá. Depois, caminhe pelo Bulevar Aldir Blanc. Você verá o Museu de Arte Mauro Bolacha Duarte e o Grupo Escolar Radamés Gnatalli – talvez no jardim espie a professora Luciana pastorando Lenine, Diogo, Marcel, Bena, Alice e outras crianças, observada de longe pela diretora Suely Costa. Pare no caixa automático do Banco Sivuca e saque algumas notas musicais, a moeda corrente nessa cidade, com população de mais de 2 mil composições, chamada Paulo César Pinheiro. Trata-se de um lugar sem pragas nem ervas daninhas, sem armas nem homens de mal, espécies extintas pelas cinzas de um carnaval.

Nesta entrevista, concedida numa tarde de setembro no Bar Getúlio, em Copabacana, PC Pinheiro fala um pouco dessa cidade da criação, e da inexplicável inspiração que o torna o compositor da música popular de mais vasta obra de todos os tempos. Levam sua assinatura obras tramadas com parceiros de cinco gerações, de Pixinguinha, que hoje teria 113 anos, a Alice, 20, filha de Dori Caymmi. Uma pequena amostra desse acervo o poeta, de 61 anos, descreve no saboroso livro Histórias das Minhas Canções, lançado recentemente pela Editora Leya. E como ele não consegue nem faz questão de explicar direito, em prosa, de onde vem seu poder da criação, os versos a seguir, que não estão no livro, talvez o faça:

“A música me ama, ela me deixa fazê-la. A música é uma estrela, deitada na minha cama. Ela me chega sem jeito, quase sem eu perceber. Quando me dou conta e vou ver, ela já entrou no meu peito. No que ela entra a alma sai, fica meu corpo sem vida. Volta depois comovida, e eu nunca soube onde vai. Meu olho dana a brilhar. Meu dedo corre o papel, e a voz repete o cordel que se derrama do olhar. Fico algum tempo perdido até me recuperar, quase sem acreditar se tudo teve sentido. A música parte e eu desperto pro mundo cruel que aí está. Com medo de ela não mais voltar. Mas ela está sempre por perto. Nada que existe é mais forte, e eu quero aprender-lhe a medida de como compõe minha vida, que é para eu compor minha morte.” (Do disco Parceria, gravado em 1994, com João Nogueira.)

Em meio a uma obra tão vasta, como conseguiu eleger as canções que botou no livro?

Já estou preparando o volume 2. Eu já tinha listado, a princípio, 100 histórias, só por ser um numero redondo. Mas quando chegou na sexagésima eu percebi que o livro estava ficando muito grande. Eu não tinha ideia de que as histórias iam se estender. Achei por bem parar, porque se fosse fazer as 100 o livro iria para umas 600 páginas, ia ficar muito caro. A produção acabou ficando boa, a editora é muito boa. Todo mundo que me diz que leu, diz que leu numa tacada só.

Seu ponto de partida foi Viagem, sua primeira composição?

Na verdade eu comecei antes dela, mas todo começo é um rascunho de vida. Até começar a sair pra valer. E saiu pra valer com essa aí, eu tinha 14 anos (Oh, tristeza me desculpe, estou de malas prontas...). Daí em diante, eu fui fazendo sem nem me dar conta do que aquilo era na minha vida.

Você foi compondo as canções e as canções iam compondo você?

Com certeza. É uma simbiose. A música começa a fazer parte da sua história, da sua vida. Música é isso, observação. É muita inspiração, mas muita observação da vida, das pessoas, dos personagens, do sentimento humano.

Era uma época particularmente privilegiada da criação musical do Brasil, né? Tudo que vinha do DNA do Caymmi, do Pixinguinha, Noel Rosa, Ary Barroso, Villa Lobos estava em plena ebulição na obra de sua geração.

A minha talvez tenha sido, até agora, a última grande geração de compositores do Brasil. Isso vai desembocar em algum momento em algum lugar. Mas acho que ainda são os mais atuantes. Todos da minha geração ainda estão atuantes no dia a dia. Toda hora alguém lança um disco novo, músicas novas, ninguém parou. Está todo mundo com mais de 60 anos, indo para os 70 e criando sem parar.

E isso em um momento de interrupção. O golpe de 64 significou um país interrompido na formação da sua identidade. E essa geração de poetas, artistas, músicos não se deixou interromper.

É porque essa geração se formou antes. A interrupção interferiu no que viria na sequência, mas essa minha geração já estava formada no final dos anos 1950. Quando o golpe aconteceu, em 1964, esse grupo já tinha de 16 a 20 anos. Era muita gente. Uma geração rica, de todo canto. O pessoal da Bahia, gente do Rio e de São Paulo, os mineiros, os paraibanos, como o Geraldo Vandré.

Você chegou a trabalhar com o Vandré, ou foi só com o Théo de Barros (parceiro dele em Disparada)?

Com o Théo. Temos um trabalho muito grande, e grande parte desse trabalho ainda é desconhecido. Ele recentemente gravou um disco e botou ali quatro músicas nossas. Temos umas 40 e tantas músicas inéditas.

Aliás, você...

Eu sou o compositor de maior obra na música popular de todos os tempos. Já falaram até que é caso para o Guiness Book. Tenho mais de 1.150 músicas gravadas e outras mil ainda na gaveta. E continuo compondo, não parei. Tem muita gente gravando músicas minhas, alguns discos inteiros só de músicas minhas. Se contar, na história da música brasileira, talvez o mais próximo disso seja o Braguinha, que deve ter umas 700. Eu vivi para isso, eu dediquei minha vida a compor.

E a primeira grande parceria foi com o Baden?

O Baden foi o cara que sacou tudo isso. Eu digo sempre com gratidão e com um misto de assombro. Naquele momento, eu era parceiro do João de Aquino, que era primo do Baden, que conheci por meio dele. Nós éramos vizinhos de bairro, numa pracinha em São Cristóvão (zona norte do Rio). O João tocava acordeon – o pai dele era cearense –, depois aprendeu pandeiro, violão. Eu, menino ainda, já tinha muita admiração pelo Baden, que já era um nome mundial. E na década de 60 inteira a parceria Baden-Vinícius já era muito forte.

Os santos deles batiam.

E além de tudo, tem isso. Meu assombro foi a visão do Baden diante de um menino começando a fazer música, ele já celebridade, referência de toda a minha geração. Eu tinha 16 anos quando ele me ofereceu uma parceria. “Vamos fazer música juntos?” Aquilo pra mim foi um choque, um espanto. Mas ele já estava antevendo o que ia acontecer comigo.

E você nem imaginava que um dia ia viver da sua música?

Nem pensava, eu comecei a fazer a faculdade de Direito. No terceiro ano tranquei a matrícula e nunca mais voltei. Mas eu nem pensava que a música pudesse ser uma profissão. Meu espanto pelo Baden é acima de tudo essa antevisão que ele teve, de que eu poderia ser esse compositor que eu sou hoje. Ele me abriu as portas. Quando fiz com ele Lapinha, a primeira, eu tinha 16 anos (Quando eu morrer me enterre na Lapinha/ Calça, culote, paletó e almofadinha). Dali em diante, a gente embalou, fizemos cerca de 100 músicas, tudo gravado, muita coisa foi sucesso, muita coisa está na cabeça das pessoas até hoje, se tornou referência para as gerações seguintes. Baden me apresentou todo mundo.

E daí veio a ciumeira do Vinicius de Morais?

Começou aí. O Vinícius sempre foi um sujeito ciumento, possessivo. Eu não o conhecia direito. Eu tinha 16 e ele, 52. Meu espanto foi esse: por que um homem de 52 anos, diplomata, na época, escritor maravilhoso, poderia ter ciúme de uma criança? O tempo botou as coisas no lugar e nos tornamos grandes amigos, nos visitávamos, ele ia pra minha casa eu dia pra dele. Até a hora da morte dele ficou muito junto.

O bilhete que você recebeu dele e reproduz no livro é algo antológico na vida de alguém.

Pra você ver até que grau ia a amizade depois... [Dizia o bilhete: "Para o Paulinho, De pai pra filho e de e filho pra pai, sem pai e sem filho, sem filho e sem pai, e com muito amor pelo filho que eu poderia ter (e não tive) mas que é como se tivesse. E aproveitando pra mandar ele pra puta que me pariu, o coração amigo, paterno, fraterno, inferno do seu Vinicius."]

Você compôs e conviveu com gente que participou muito intensamente da sua criação, da sua vida. Muitos morreram cedo. Foi crendo que "a vida é mesmo uma missão e a morte é uma ilusão" que você suportava essas perdas?

Com certeza, perdi muitos parceiros, muitos. Tanto de minha geração como de gerações anteriores. Fui parceiro de duas gerações antes da minha. Pixinguinha hoje estaria fazendo 113 anos, estou com 61. Eu fiz músicas com Radamés Gnatalli (1906-1988), Mirabeau Pinheiro (1924-1991), Alcyr Pires Vermelho (1906-1994), enfim, alguns deles hoje centenários, e outros do meu momento, Baden, Tom, João Nogueira, Mauro Duarte, Maurício Tapajós, Raphael Rabello, Sivuca... Foram morrendo meus parceiros... (pausa). De qualquer forma eu fui me adaptando a gerações mais novas e hoje tenho também parceiros de 19 anos. Quer dizer, eu tenho um parceiro de 113 e um de 19 (risos).

O João Nogueira foi também uma parceria muito rica, das mais intensas?

Foi. Nós começamos a fazer música em 1972, então, foi uma parceria muito longa. E ele não era só meu parceiro. Era meu companheiro de farra, de boemia.

Foi ele que o convenceu a fazer um tributo à Clara Nunes.

Exatamente. [Clara Nunes morreu aos 39 anos, em 1983, depois de um mês na UTI, vítima de um choque anafilático. Cinquenta mil pessoas velaram seu corpo na quadra da Portela. Paulo César, casado com ela desde 1975, recolheu-se a ponto de mal conseguir falar do assunto. João Nogueira insistiu que fizesse um samba-tributo. Dizia: "Só você tem autoridade pra fazer esse samba. Se não fizer, vai pintar uma enxurrada de samba ruim sobre o assunto". E saiu Um ser de Luz: "... Mas aconteceu um dia/ Foi quando o menino Deus chamou/ E ela se foi pra cantar/ Para além do luar/ Onde moram as estrelas (...) Canta, meu sabiá, voa meu sabiá, adeus, meu sabiá/ Até um dia!"] João era meu amigo, meu compadre, eu sou padrinho de uma filha dele. Aliás, parceria não é só um trabalho de compor junto. É amizade, é convivência, senão não funciona.

Você ainda assina em baixo da tese do Pixinguinha, “beber só faz mal pra quem é mau caráter”...

Não é bem assim. É “beber só faz mal pra quem não tem caráter”. E assino embaixo.

A sua Trilogia no Alumbramento – as músicas Súplica, O Poder da Criação e Quando Eu Canto – é a melhor explicação sobre como trabalha a cabeça do compositor?

Tentei explicar o que muita gente me pergunta sempre. “Como é que você faz?” “Você precisa estar triste, ou feliz?” “Precisa de alguma coisa especial?”... Essas perguntas eu ouvi a vida inteira. Eu não preciso de nada disso exatamente. A música dentro brota, não sou quem faço, ela nasce sozinha. Então, eu não preciso estar triste ou feliz, num lugar especial, bonito ou não. Posso estar preso num cubículo que eu faço música. Ela extrapola qualquer tipo de ambiente, a música não é racional. É uma missão. E que assumi como tal, acho que eu vim para isso. Para deixar uma obra que faça bem à humanidade.

Você se diz agnóstico, mas sempre tem uma explicação mística, proveniente do desconhecido, de alguma energia para sua criação?

São as explicações que a gente tenta buscar, não sei. Não compreendo. Não atribuo coisa nenhuma a nenhum tipo de religião. Eu tento entender à minha maneira, com a minha visão, as coisas. Na verdade a gente não sabe nada, não sabe por que veio, por que está aqui, por que vai morrer, isso está além da nossa compreensão.

Esse lance que você diz de ter sensações, visões, presságios, ouvir vozes, foi algo pontual, episódico, ou é recorrente?

É recorrente. Desde que eu comecei. Quando eu comecei a fazer meus primeiros versos, compor minhas primeiras melodias, isso começou em mim. São histórias intermináveis, misteriosas, eu não sei explicar e por não saber explicar eu não atribuo a coisa nenhuma, a religião nenhuma, a nenhum tipo de crença. Não sei explicar, simplesmente. Mas eu vejo gente, eu escuto coisas, acontecem coisas sobrenaturais comigo o tempo inteiro.

E as mil e poucas músicas que você ainda tem guardadas, tem planos pra elas?

Não, elas vão saindo lentamente. Da mesma forma que eu vou fazendo por fazer, às vezes eu faço por encomenda. É um filme, e pedem uma canção tema, é teatro, é novela. Canções com tema oferecido e você escreve em cima do tema. Mas isso é um trabalho à parte, eu faço música por fazer, a música vem e eu vou fazendo. E vai acumulando. À medida que as pessoas vão procurando pra perguntar se tem alguma música nova, inédita, eu vou tirando do baú. Vou abrindo o baú e vou espalhando. Ultimamente, por exemplo, tem sido gravada muita coisa minha. Eu sempre tenho. Quando me procuram, eu só pergunto qual é o gênero que a pessoa quer (risos). Samba-canção? Bolero? Valsa? Samba? Choro? O que você quer? Tem, está no baú, é só vasculhar e escolher.

Quando você fala de "encomenda" não tem só encomenda profissional, né? Muitos amigos, parceiros, pediram coisas para preencher uma determinada situação emocional, um momento...

Também, lógico. A Elis era a rainha das encomendas. Volta e meia me ligava já com uma coisa na cabeça.

Você menciona no livro uma cantora de samba, nos anos 70, que deixou Elis incomodada a ponto de ela pedir um samba pra cutucar a concorrente (Cai Dentro)? Quem era?

Ah, isso eu não posso falar.

Pô, conta aí, eu juro que não conto pra ninguém.

Isso daí eu não falei no livro e não vou falar pra você. De jeito nenhum (risos).

Você parece carregar um traço de generosidade. É característica nata, ou desenvolveu com o tempo, com as parcerias?

Nasci em berço pobre. Meu pai era operário, tinha dois empregos. Conheci meu pai praticamente com 11 anos de idade, porque antes eu nunca o via de tanto que ele trabalhava. A gente morava numa vila de operários, da Light, em Jacarepaguá (zona oeste do Rio). A família dele, paraibano, é toda nordestina. Eu visitando parentes meus via a miséria que era. Da parte da minha mãe, meu avô era pescador, com família grande. Na casa dele não tinha luz, era lampião de querosene; não tinha gás, era fogão a lenha; a água era a de um riacho do lado. A casa era uma tapera. Minha avó, por parte de mãe, é índia guarani de uma tribo que ainda existe em Angra dos Reis, Bracuí. Saído desse meio não pode dar ninguém que não seja assim. Eu sou meio índio, meio sertanejo, tenho isso na minha essência, está no meu sangue, está no gene.

Eu falei dessa generosidade porque você, acolhido naquele meio criativo de sua época, também acolheu muita gente jovem que veio depois, como o Lenine, que não voltou pro Nordeste porque você insistiu pra ele ficar e deu no que deu.

Muita gente. Sempre fui assim.

Algumas composições suas parecem premonitórias. "O Dia em que o morro descer e não for carnaval, ninguém vai ficar pra assisitir o desfile final...", você fez com Wilson das Neves em...

É observação. A gente que não está no meio da correria da sobrevivência a qualquer custo pode sentar e observar. Eu paro num balcão de bar pra tomar um café e escuto aquelas pessoas que estão ali. Às vezes uma frase de um bêbado me faz fazer um samba. A observação é algo muito forte em mim, e tendo tempo pra observar o seu tempo você começa a ver na frente o que vai acontecer. A previsão da violência urbana, dos morros descendo pro asfalto, do medo do pessoal do asfalto, das armas. Da destruição da natureza.

Quando você fez As Forças da Natureza a degradação ambiental era assunto restrito ao meio científico.

Nem existia. A música é de 1976 e já alertava: vai haver catástrofe, vai acontecer coisa ruim. O homem está destruindo seu mundo e é claro que esse mundo vai se voltar contra ele. Aí começa a passar na sua cabeça uma sequência de filme, e você vai até 30, 40 anos adiante. Isso desemboca na minha obra. Parecem coisas místicas, mas são mera observação.

E as novas gerações de compositores, e também de consumidores de música, estão ligadas?

Estão observando o mundo ao seu redor?

Muita gente está. Não essa moçada da mídia. A moçada que segue a mídia não está. Mas a moçada que está ao largo da mídia, à margem da mídia, está buscando caminhos, sim. Eu conheço muita gente, muito compositor bom, que está escondido, em guetos praticamente, e que vive da música. Meus filhos, por exemplo, são compositores. A Escola Portátil, por exemplo, é um foco disso. A Lapa, que voltou a ser a Lapa de outros tempos, é o coração da vida noturna do Rio. A zona sul acabou. A Lapa foi renascendo, crescendo, se desenvolvendo e ramificando. Agora já está indo para a praça Tiradentes, para o cais do porto...

São redutos que vão além das baladas comerciais?

Exatamente. E grande parte dos músicos que sustentam essa música da Lapa está saindo da Escola Portátil.

E o que é a Escola Portátil?

É uma escola que foi criada pela minha mulher Luciana (Rabello) e pelo Maurício Carrilho pra ensinar choro, principalmente porque os nossos filhos não tinham muito ambiente musical. Então eles resolveram criar essa escola pra juntar esses meninos que escutavam as coisas em casa mas que na rua não tinha. E foi crescendo. Conseguiu recentemente uma casa na rua da Carioca, entre a praça Tiradentes e o Largo da Carioca – em frente ao Bar Luís, pra ser mais específico. Era um pedido antigo. Uma casa tombada pelo patrimônio, caindo aos pedaços, e o governo do estado cedeu. Eles estão com projetos já em começo de construção, mantendo a fachada da casa, claro, e por dentro reformando tudo. A escola provisoriamente funciona na Uni-Rio, na Urca.

E como funciona? As pessoas pagam mensalidades? É para pessoas de baixa renda?

A maior parte das pessoas é pobre. Alguns pagam, outros não, existem bolsas. É uma casa de quatro andares, vai ter um terraço e já começaram as primeiras obrinhas. As salas de aula vão estar todas ali. Vai haver um teatro, como espaço de espetáculos e para gravações. Vai haver um estúdio para gravar tudo o que vai acontecer ali. Quer dizer, as pessoas estudam ali, praticam lá em cima, num terraço, num botequim tomando cerveja, e depois fazem shows e gravam no teatro. É bem bolado. Não é um projeto social para tirar menino da rua, não. É um projeto para formar cidadão e formar profissional. É para ele sair dali um profissional de alguma coisa da música. Não é só um projeto que vai lá, tira o menino da rua e não ensina nada de arte.

Você acha que a arte ainda é um grande canal de formação de uma nova consciência, essa que o planeta precisa para resistir ao desgaste causado pelo homem?

Com certeza.

Fale sobre as gravadoras, a indústria da música, comparando aquela época efervescente com os dias de hoje. Tem-se a impressão de que a qualidade daquela época pautava mais o rumo das gravadoras, e que hoje elas é que pautam seus artistas, e pela mediocridade.

Nessa época rica a que você se refere cada gravadora tinha cerca de 90 artistas em seus elencos. A Odeon tinha isso, a Phillips, tinha por aí, a CBS, a RCA Victor. E os diretores daquela época eram pessoas de outro tipo de gosto. E às vezes até músicos. O (Roberto) Menescal foi diretor da Phillips. Hoje a atribuição dessa escolha não é artística, é do marketing, que dita as regras e opina o que vai vender e o que não vai. As gravadoras por sua vez estão acabando no Brasil. Foram diminuindo, vendendo seus estúdios, que eram maravilhosos, e reduzindo seus castings. E ferramentas novas foram chegando. A gente tem de aprender a lidar com elas. Agora, eu só acho que o direito autoral precisa ser respeitado, ainda está havendo discussão em torno disso. E acho que a internet é um sistema muito mais democrático do que o das rádios.

E as rádios, continuam iguais a sempre?

As emissoras de rádio são concessões públicas, a maioria é de políticos, e a regra do jogo em rádio que toca música é ditada por esse marketing de que falei antes. Os horários estão comprometidos. Existe o famoso jabá, a compra disso. E se quem está chegando não tem como botar seu disco para tocar em rádio nenhuma, migra para a internet. Está mais democrático. A rádio toca a mesma coisa no Brasil inteiro. Música achatada e pasteurizada, não tem leque aberto. Pelo menos na internet você ouve o que você quer, busca o que você quer.

Hoje muita gente produz e cuida de vender seus próprios CDs.

Pois é, naquela época eram contratados muitos artistas... E hoje também é tudo muito rápido e passageiro. Naquela época, os diretores artísticos investiam muito nos artistas e durante muito tempo. Hoje se um artista não dá certo num disco ele morre, acaba. Naquela época, o Milton Nascimento, para citar um exemplo, começou a ser conhecido depois do quarto disco, mas a gravadora ia arriscando, dando condições para o cara sabendo que o cara era um artista de verdade. Então tinha mais esse tempo de desenvolvimento, que não existe mais. Hoje é tudo muito veloz. Não deu certo, joga fora, bota outro.

As novas ferramentas oferecem também uma alternativa à indústria do disco. Como pode um lançamento ainda custar em torno de R$ 35, R$ 40? Quem compra? E quando alguém compra, que fatia vai para o artista?

É caro. O ganho vai depender do contrato, como uma gravadora ou uma independente que vai distribuir. Pode ser 10% do preço de loja, pode ser 7% ou 15%. Mas um disco custar R$ 35 é caro. Devia ser mais razoável esse preço. Por causa disso a pirataria se instala e aí esculhamba todo o resto. Quem compra um CD por R$ 5 na mão do camelô não vai dar R$ 35 na loja. O preço devia ser mais razoável, mesmo com todo o processo de feitura do disco, que é caro também, mas não a ponto de ter de custar R$ 35, R$ 40. Tem que ter um meio-termo.

Onde você mora hoje em dia? Fale um pouco da sua cidade.

Em moro em Laranjeiras, mas eu já morei em tudo que foi canto do Rio de Janeiro. O Rio de Janeiro é o meu quintal. Eu nasci em Ramos, onde hoje é o Complexo do Alemão, barra pesada. Passei parte da minha infância em Jacarepaguá, na zona oeste, onde ainda havia fazendas de gado, hortas. Morei em São Cristóvão, primeiro no pé do morro de Mangueira, na rua Ana Neri, depois no pé do morro do Tuiuti – minha adolescência, final de infância, foi nos morros. Por isso eu entendo bem dos morros. Depois morei em Copacabana, no Jardim Botânico, morei no Leblon, na Barra da Tijuca, morei em Jacarepaguá de novo. Estou agora em Laranjeiras, e só saio dali para o (cemitério) São João Batista.

Toc, toc, toc...

Eu morei em todo canto e por isso sou um conhecedor da cidade. Fazendo boêmia, passei por todos os lugares, nos subúrbios da zona oeste, da zona sul, da zona norte mais distante. Conheço bem, não conheço de me contarem. Talvez eu tenha sido um dos compositores que mais falou da cidade do Rio de Janeiro.

Das pessoas da sua geração, com quem você convive mais hoje, e com quem ainda compõe?

Edu Lobo, Dori Caymmi, Francis Hime... Foram os que sobraram.

Nunca fez nada com o Chico Buarque, o Paulinho da Viola? Não são da mesma turma?

Não. Somos da mesma turma, mas eles fazem tudo. O Chico não precisa muito de parceiro. O Paulinho faz sozinho também, e tem alguns parceiros, Elton Medeiros e tal. O Chico esporadicamente faz com alguém. Fez mais com o Francis, como Edu, por trabalhos encomendados também. E aí como nós fazemos música e letra, todos... o Edu não faz tanto letra, já fez, o Dori não faz, então essa minha convivência em parceria com eles é mais por isso.

E dessa safra nova, mais jovem?

Eu sou hoje parceiro dos filhos dos meus parceiros. As minhas companhias hoje são o Bernardo Lobo (o Bena, 37 anos), Diogo Nogueira (29), o Louis Marcel e o Philippe (28 e 32 anos, filhos do Baden) – o Philippe é meu afilhado, inclusive, de batismo). A filha do Danilo Caymmi, Alice (20), é minha parceira. Então sou parceiro dos meninos que peguei no colo. Sou parceiro dos meus filhos. Isso daí é impagável. Você pegar uma criança no colo, e 20, 30 anos depois você ser companheiro de trabalho dessa pessoa, ser parceiro dessa pessoa, é difícil explicar a sensação. Quer coisa melhor?

E o que você está preparando agora?

Tem vários livros pra sair. Lancei um no final do ano passado, lancei outro agora, há dois meses, em curto espaço de tempo. Tem um segundo romance para sair que eu espero que seja lá pelo meio do ano que vem. Tem um livro de sonetos para sair, outro de histórias de personagens, figuras, do tipo daquele cara que nós cruzamos agora há pouco ali na praia, que parou, e queria bater um papo, não-sei-o-quê. Figuras como essa tem a dar com pau, em cada esquina, e eu conheci muitas. É um livro chamado Figuras desse meu Povo. Eu lembro de figuraças dessas, anônimas, e conto as histórias. Então, tem três livros para sair. Tem um disco que sai agora em novembro, pelo selo Quitanda, da Betânia, que é da Biscoito Fino, chamado Capoeira de Besouro, que são as músicas que eu fiz para a minha peça teatral Besouro Cordão de Ouro.

Tem a ver com o filme Besouro?

Não. O filme foi chupado de mim, mas não tem nada a ver. Foi até bom não ter nada a ver com a minha história. Eu tenho uma peça, que estreou em 2006, e que aliás, no mês que vem vai reestrear em São Paulo, no Sesc Pompeia. E o disco que eu gravei com as músicas da peça sai em novembro. E tem muitos projetos aí pra frente, fora discos de cantores só com músicas minhas. Aliás, soube anteontem que estou concorrendo ao Grammy Latino com duas músicas, uma com Edu Lobo e outra com Dori Caymmi – Tantas Marés, que é o nome do disco do Edu, e Quebra Mar, disco do Dori, ambas gravadas recentemente. O Dori concorre na categoria de música e de melhor disco. Eu já ganhei um Grammy, se ganhar vai ser o segundo, vou começar a colecionar (risos). É isso? Posso ir tomar meu chope?
Por: Paulo Donizetti de Souza, Revista do Brasil

Publicado em 14/10/2010

Jovens da geração MP3 descobrem o vinil e avaliam primeiros LPs de Legião, Ultraje e RPM

2010-10-12T15:49:00.000-03:00

RIO - Quando os discos "Legião Urbana", "Nós vamos invadir sua praia" e "Revoluções por minuto" chegaram às lojas e alçaram Legião Urbana, Ultraje a Rigor e RPM ao topo, em 1985, Lucas Gibson, Felipe Rosenvald e Gabriela Andrea nem eram nascidos. Vinte e cinco anos depois, os conselheiros da Megazine tiveram seu primeiro contato com esses LPs, na loja Baratos da Ribeiro. Além de fazer análise sobre o conteúdo, eles surpreenderam ao contar suas experiências com a bolacha de vinil.

- Ué, tem música nos dois lados? - perguntou Felipe, de 17 anos, chocado ao descobrir que LP tem lado A e lado B e "agarra" quando suas faixas são arranhadas. - O som do computador é melhor porque não trava.

Vocalista do Ultraje a Rigor, Roger Moreira lembra que "Nós vamos invadir sua praia", reeditado em vinil lançado pela gravadora Deckdisc, apenas confirmou o sucesso que a banda já vinha fazendo:

- Estouramos com "Rebelde sem causa", lado B de nosso segundo compacto. O LP fortaleceu uma tendência e foi o máximo. De repente, estavam falando em Ultrajemania.

Lucas também nunca havia visto toca-discos (para matéria a vitrola foi cedida pelo Salvatore Café) e conhecia alguns hits da Legião, que este mês terá sua obra relançada em vinil e CDs em edição especial pela EMI.

- O som parece arcaico, mas soa mais natural do que as músicas feitas hoje em dia, cheias de tecnologia para melhorar o som e a voz. Na vitrola, achei que fosse pior. É uma experiência diferente. Nunca vi a agulha rodando no disco - comentou o conselheiro, de 18 anos.

Lucas identificou o tom crítico nas letras de Renato Russo. Na época, todas as músicas do LP fizeram sucesso.

- Lançamos depois do Rock in Rio de 1985. O sistema estava mais propício à proposta do disco, meio pós-punk, rascante, direto e sem metáforas. O disco foi acontecendo e nos surpreendendo - conta Dado Villa-Lobos, guitarrista da Legião.

"Revoluções por minuto" fez da RPM uma das bandas de destaque do movimento BRock, nos anos 80. Inovando ao levar luzes ao palco e sintetizadores aos discos, o grupo virou referência de uma época.

- A gente trabalhava demais - diz Paulo Ricardo, o vocalista, tentando ser modesto. - Sou suspeito para falar do RPM.

Gabriela, que escuta Beatles e Police na vitrola de casa, achou o som do RPM estranho, mas identificou o carisma do vocalista.

- Ele tem uma voz sedutora. Deve ter sido o Fiuk da época - compara a conselheira, que destacou a capa como algo legal no disco. - É legal por ser grande. O problema é arranjar espaço para guardar o disco...

Christina Fuscaldo

Passado Musical, Vale a pena espiar.

2010-10-09T17:05:00.002-03:00

"O Passado Musical é o resultado da colaboração da Biblioteca Nacional e da Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, através do LAMBDA – Laboratório de Automação de Museus, Bibliotecas Digitais e Arquivos, com o patrocínio da Petrobras através das Leis de Incentivo à Cultura do governo federal.

O projeto teve por objetivo recuperar uma parte da memória musical armazenada na Biblioteca Nacional, em seu rico acervo de alguns milhares de discos de 10 polegadas (78 RPM) do repertório brasileiro. O conteúdo desses discos faz parte da história do Brasil, pois neles estão registradas interpretações de músicas brasileiras, bem como seus autores e intérpretes. Além disso, uma outra história está presente nos discos – a tecnologia dos registros sonoros.

Os discos de 78 RPM existiram em vários materiais, como alumínio, goma laca, madeira, papelão e vidro. O som era gerado a partir deles pela passagem da agulha nos sulcos gravados. O tempo de vida e o uso fizeram com que os discos ficassem danificados. Fungos, poeira, arranhões e deterioração tornavam as informações neles registradas inacessíveis.

Com o Passado Musical, foi possível recuperar esses discos e permitir o acesso às músicas. Elas estão disponíveis, em formato digital, na íntegra na Biblioteca Nacional e, as de domínio público, na Internet. "

Para usufruir desta maravilha acessem o site da Biblioteca Nacional.

Clique aqui.

Jussara Silveira (Esquirundum): 07/10 - Show "Nobreza" no Sesc Pompéia em São Paul...

2010-10-04T11:36:00.000-03:00

Jussara Silveira (Esquirundum): 07/10 - Show "Nobreza" no Sesc Pompéia em São Paul...: "Jussara Silveira e Luiz BrasilFonte: SESC Pompeia Dia: 07/10 Quinta, 21h. Amigos e parceiros musicais de longa data, Jussar..."

O pirulito da ciência, Tom Zé e banda ao vivo

2010-09-10T12:30:00.001-03:00

É hoje no Rio de Janeiro, Meu segredo mais sincero!

2010-09-10T12:26:00.001-03:00

Programa imperdível para quem está no Rio de Janeiro! O Teatro Rival Petrobras recebe o show Meu segredo mais sincero, da cantora Leila Pinheiro, às 19h30. Quem acompanha o Blog da Biscoito Fino sabe que estamos em contagem regressiva para a estreia deste que promete ser um dos shows mais emocionantes do ano. A beleza da voz de Leila Pinheiro se une às letras inspiradíssimas de Renato Russo, que foi amigo da cantora. Agora, queremos saber de vocês, qual música não pode faltar nesse show. Para ajudar na escolha, publicamos abaixo as canções que estão no disco:

1. Ainda É Cedo

2. Índios

3. Quando Você Voltar

4. O Teatro dos Vampiros

5. Angra dos Reis

6. Daniel na Cova dos Leões

7. Hoje

8. Pais e Filhos

9. Tempo Perdido

10. Há Tempos

11. Metal contra as Nuvens

12. Eu Sei

13. Andrea Dória

14. La Solitudine – com Renato Russo

15. Perfeição

Para quem é fã de Leila e da Obra do Renato Russo, uma prato imperdível. Comentem aí sobre essa obra. .

A DIVINA NAQUELA MESA

2010-09-10T11:54:00.002-03:00

Elizeth Cardoso, a divina, sem dúvida uma das maiores intérpretes da música popular brasileira. Um divisor de águas da MPB, embora seja taõ pouco lembrada e tão pouco reconhecida dada a grandeza da sua musicalidade.

Bacana esse vídeo do acervo da Rede Record. Sra. Adylia Bittencourt (viúva de Jacob do Bandolim), Sérgio Bittencourt (filho) e a divina Elizeth Cardoso, cantando naquela mesa, de Sergio Bitencourt para o seu pai Jacob do Bandolim na melhor interpretação desta obra de arte.
Magistral interpretação! Um momento de grande emoção! Veja aí.

Sugestões da Macumba em sambas de Ary Barroso

2010-09-04T16:28:00.002-03:00

Os sambistas antigos, os chamados velha guarda, quase todos afrodescendentes, muitos baianos, frequentavam macumbas, candomblés e tinham seus terreiros preferidos. Daí encontrar-se em muitas canções referências a meu pai de santo, meu orixá, afora o recurso de facilitar as rimas em termos afro ou pseudo-africanos: ôcu-babá gê-lê, saravá, etc. Podemos comprovar tal afirmação quando ouvimos os sambas de Donga, Getúlio Marinho, Hilário Jovino e do popularíssimo Sinhô.

Sinhô

Já os musicistas "brancos" eram mais desapegados das raízes negras que influenciava o autêntico samba. Estes relegaram a modinha e a cançoneta, criando o samba citadino (dos morros, do asfalto e das mesas de cafés), tomaram novos rumos e os motivos que os inspiravam passaram a ser outros: o barracão, a pobreza do com que roupa?, a crítica do ai, Filomena, amores infelizes, e comentários momentâneos. O africanismo deixou de surgir nas letras, embora a melodia e o rítmo ainda repousassem nele. Assim, ao se ver, um compositor de sucesso de música popular, como Ary Barroso num terreiro de macumba era de se esperar que aquela incursão não fosse apenas curiosidade. E não foi. Trouxe do ritual que viu e ouviu, sugestões para suas inspirações.

EFEGÊ, Jota, figuras e coisas da música popular brasileira vol l, Edição Funarte, RJ 1980 p 145

LA BAKER NA " MACUMBA"

2010-09-03T15:23:00.000-03:00

Josephine Baker, a venus de ébano, esteve no Brasil em novembro de 1928 trazida pelo empresário Nicolino Veggianni para uma temporada no então, teatro do cassino que ficava próximo a praça Paris. Como demostração de simpatia foi realizada na confeitaria Colombo, uma já naqueles tempos, tradicional feijoada onde Araci Cortes entoou muito samba e La Baker muita música francesa e o Charleston americano da qual era uma autoridade representante.

Quando novamente a " Etolle Noir" retornou ao Brasil em 1939, para uma temporada no Cassino da Urca os anfitriões acharam por bem proporcionar-lhe o conhecimento do ritual de uma "macumba". Daí levaram-na ao terreiro de Mãe Adedé na estação de Ramos. Quem encarregou-se desta missão na oportunidade, foi o sambista Heitor dos Prazeres conhecedor do assunto.

Na caravana que se seguiu para o terreiro em 30 de junho de 1939, estava entre outros o compositor Ary Barroso, Dircinha Baptista, o professor Carlos Cavalcanti e os sambistas Paulo da Portela e José Espinguela.

Uma multidão vultosa esperava Josephine saudando-a estrepitosamente no alvoroço que sua presença causava. Enquanto, lá dentro no terreiro, tambores e atabaques batidos com maestria sustentavam o ritmo dos pontos entoados na festiva acolhida a que Josephine merecia.

A convidada foi recebida por Mãe Adedé, caprichosamente vestida com um vistosa saia de ampla roda e ornada de muitos colares na paramentação que exigia a noite.Josephine tomou o lugar de honra o qual lhe foi oferecido num tosco tamborete ao lado de Mão Adedé.

Quando a cantoria atingiu o clímax, uma das filhas-de-santo, um cavalo (médium) em transe, " recebeu o santo" que foi acolhido com gritaria e forte rufar dos tambores e atabaques. Uma saudação uníssona ecoou em todo terreiro espantando Josephine Baker: "Saravá ! Saravá! Saravá!".

O santo que baixara veio até a visitantee depois de uma reverência diante de Mãe Adedé, saudou Josephine com uma espécie de bênção complementada com um franco abraço em que predominou o encontro das espáduas.

Josephine Baker a venus de ébano, a "Etolle Noir" nunca deve ter se esquecido deste momento singular oferecido a ela no Brasil.

Coisas do Brasil como disse Guilherme Arantes numa de suas cançãoes.

O GLOBO, 21/04/75

EFEGÊ, Jota, figuras e coisas da música popular brasileira vol ll, Edição Funarte, RJ 1980 pp191-192

Eydie Gorrme e Trio Los Panchos.

2010-09-01T14:01:00.005-03:00

Eydie Gorme, nasceu em Nova York, seu pai era siciliano e sua mãe turca. Aprendeu espanhol idioma cultuado em seu lar . Trabalhou na ONU como tradutora. Em 1950 estreou como cantora com a orquestra de de Tommy Tucker.

Em 57 casou-se com o apresentador de TV Steve Lawrence. Eydie Gorme foi ganhadora tanto do GRAMMY quanto do EMY, principais premios de música nos EUA .As canções que provavelmente lhe renderam estes prêmios foram Sabor a Mi e Piel Canela.

Sobre a cantora e o disco a contra-capa trazia o texto seguinte:

A gravação de EYDlE GORMÉ de "Blame It On The Bossa Nova", lançada simultâneamente nos Estados Unidos, Brasil e outros países, tornou-se um sucesso tão espetacular que foi logo providenciada uma versão em espanhol, que também obteve grande êxito, não só nos países latino-americanos como na América do Norte e ainda na Espanha.

Enquanto as duas versões de Eydie Gormé levavam tanta alegria aos dois continentes, o popularíssimo conjunto TRIO LOS PANCHOS estava visitando Manhattan. Um dos "pontos" obrigatórios de Los Panchos era o "Copacabana", conhecido nighr-club novaiorquino onde a nova sensação da fronteira se exibia. Ficaram tão entusiasmados com a verve, o estilo e a versatilidade da artista que decidiram imediatamente convida-Ia para lançarem, juntos, um LP.

A resposta de Eydie foi "AMOR", esta felicíssima união, em língua espanhola, de uma das mais admiradas vocal listas norte-americanas com uma das mais notáveis combinações de guitarras e. vozes da América do Sul. Ao invés de se limitarem exclusivamente a conhecidas

canções latino-americanas que figuram regularmente em coleções desta espécie, Eydie e os membros do Trio - Alfredo Gil, Johnny Albino e Chucho Navarro - e o baterista Joe Quijano, que se juntou a eles para este disco, apresentam alguns números novos de enorme sucesso, tais

como Di Que No Es Verdad, Sabor a Mi e Media Vuelta. Sucessos menos recentes, mas nem por isso menos brilhantes, são Nosotros, Cuando Vuelva a Tu Lado e História de Un Amor.

O som instrumental - principalmente nos boleros - é inconfundível mente Trio Los Panchos. O cantar, vibrante, excitante, é inconfundívelmente Eydie Gormé - o que quer dizer: uma feliz e magnífica reunião de valores artísticos!

ELE VOLTOU O VINIL VOLTOU NOVAMENTE...

2010-08-24T11:27:00.001-03:00

Agora sim: o vinil é o novo vinil

Mídia principal nos anos 60 e 70, praticamente morta no final dos 80, rebaixada à categoria de "artigo de colecionador" ou "material de trabalho de DJs" nos 90 e 00. E em 2010...

Uma passeada pelas principais lojas de discos de uma cidade grande americana como Seattle, de vasta tradição sonora, e quase já dá para falar, agora sem medo de parecer exagerado, que ele oficialmente retornou. E aparentemente mais forte.

Sim, o vinil voltou a ser um dos produtos top da indústria da música e quer de volta seu lugar (ainda) ocupado hoje pelo CD, esse sim fadado a virar zumbi dos novos tempos.

Antes relegado à prateleira de fundo, o vinil já ocupa grande parte da Easy Street Records, imponente loja de discos da capital do grunge numa época de hoje em que quase nenhuma loja de discos no mundo é imponente. É assim também na Sonic Boom. Ou na Wall of Sound.

Não longe de Seattle, no Canadá, há algumas semanas foi lançado uns dos principais discos do ano, já, o da banda canadense Arcade Fire. Uma semana antes da data marcada como oficial de lançamento, uma carga de discos em vinil foi colocada nas lojas, como promoção local antecipada. Esgotou-se rapidinho.

Grandes clássicos do rock e importantes álbuns atuais estão saindo aos montes na pomposa versão 180 gramas (um vinil normal pesa entre 120 e 140), edição de luxo, mais pesada, mais grossa, mais bem prensada, o que resulta numa melhor qualidade de som.

Jack White, da banda White Stripes e Dead Weather, tem uma pequena gravadora especializada em lançamentos em vinil, a Third Man Records. Neste ano, no importante festival South by Southwest, a Third Man montou uma pop up store para vender vinil no chamado "Texas-size", de 13 polegadas (o tamanho normal de álbum é 12).

O número de vitrolas voltou a aparecer com destaque em lojas americanas de artigos eletrônicos nos últimos dois anos. Em lojas modernas como a enorme cadeia Urban Outfitters, que revende roupas jovens de grifes cool, artigos descolados para a casa, livros selecionados e álbuns de bandas indies, esses últimos estão expostos quase na totalidade em vinil. E há algum tempo a Urban vende vitrolas, modernas, com saídas USB para quem quer ligar um computador a elas e digitalizar as músicas do vinil novo ou aquelas dos vinis antigos guardados.

Até bandas indies nacionais estão dando tanta prioridade à música digital quanto ao vinil, caso de recentes lançamentos em 12 polegadas (álbum) ou 7 (single) de bandas como Nação Zumbi, Cachorro Grande, Dead Fish, Dead Lovers e Boss in Drama, entre vários outros.

Quem diria, o velho vinil sendo a solução antifalência da confusa indústria da música atual.

SEATTLE
Texto - Lúcio Ribeiro -
O Estado de S.Paulo

Premiação homenageia Dona Ivone Lara

2010-08-11T13:37:00.002-03:00

Teatro Municipal do Rio recebe hoje o 21º Prêmio de Música Brasileira

Amigos, parceiros e devotos vão reunir-se hoje no palco mais nobre do Rio, o do Teatro Municipal, para cantar e reverenciar um ícone do samba carioca, Dona Ivone Lara. A dama de Madureira, 89 anos e na ativa, é a artista homenageada pelo Prêmio de Música Brasileira, que em sua 21ª edição percorrerá alguns de seus grandes sucessos, nas vozes de intérpretes como Caetano Veloso ("Acreditar"), Lenine ("Alguém Me Avisou") e Maria Gadú ("Força da Imaginação").

A noite não é somente de tributo, mas de disputa também, e entre os mais indicados estão medalhões como Maria Bethânia (pelos CDs Encanteria e Tua), Ney Matogrosso (Beijo Bandido), Caetano Veloso (que desta vez foi incluído na categoria pop/rock/reggae/hip hop/funk, e não MPB, com Zii e Zie), e iniciantes, caso do grupo carioca formado na Lapa Galocantô (concorrente como melhor grupo de samba) e Patricia Mellodi (como melhor cantora de canção popular).

Os 21 jurados (compositores e jornalistas) analisaram 695 CDs e 103 DVDs, incluindo lançamentos independentes, encaixados em 16 categorias. Criado pelo produtor José Maurício Machline, é o prêmio mais abrangente do País. Este ano, Machline voltou ao Municipal, já que pôde contar com patrocínio – da Vale; ano passado, fez tudo apenas com a ajuda dos amigos da área de shows.

Para Dona Ivone, o momento é de deleite. "É muito bom a gente poder ser reconhecida por nossa obra em vida, e ainda por cima poder assistir a uma homenagem como essa, no prêmio de música mais importante do Brasil", diz a sambista, que não para, apesar de ter operado uma perna no fim de 2009 e estar se apresentando sentada. Esta noite, Dona Ivone Lara abre o prêmio cantando "Sorriso Negro", sucesso de 30 anos atrás.
Agência Estado

11/08/2010

Nelson Sargento pondo o samba pra dançar

2010-07-30T11:39:00.003-03:00

Aos 77 anos, o mangueirense Nelson Sargento é um dos totens do samba carioca, um dos grandes símbolos do que há de melhor e mais digno no gênero. Em atividade constante, Nelson é violonista, cantor, compositor, poeta, ator, escritor, pintor - os temas de seus quadros são, naturalmente, o cotidiano do morro, as festas populares, as rodas de samba que nunca abandonou.

Sua música mais conhecida é o hino Agoniza mas não Morre, composto naquela época dos anos 70 em que a morte do samba havia sido decretada (como vinha sendo decretada antes e continua hoje, até em teses acadêmicas). Boas rodas de bambas, em algum momento da noite, cantam os versos famosos.

Nascido no dia 25 de julho de 1924, Nelson Sargento começou a tocar tamborim aos 10 anos, no Salgueiro - passou parte da infância e juventude na Tijuca, quase ao lado da escola. Mais tarde iria para a Mangueira, levado pelo padrasto, o mangueirense histórico Alfredo Português. Aprendeu violão com Cartola e Nelson Cavaquinho. No início dos anos 60, atuava no conjunto titular do restaurante Zicartola, no centro do Rio - casa de comida e samba comandada por Cartola e Dona Zica. Integrou o conjunto Rosa de
Ouro, que acompanhou Clementina de Jesus na estréia dela - os outros integrantes eram Paulinho da Viola, Elton Medeiros, Jair do Cavaquinho e Anescarzinho do Salgueiro.

A essa turma se juntou, pouco depois, o compositor Zé Kéti, e o grupo mudou de nome: passou a ser A Voz do Morro. Outra modificação na formação e tivemos Os Cinco Crioulos, que chegou a gravar três discos, para a RGE, ainda nos anos 60. A discografia de Nelson Sargento é pequena e formidável. Flores em Vida é, na verdade, o segundo CD que faz só com músicas suas. O título faz referência a uma homenagem em forma de samba que recebeu dos admiradores Moacyr Luz e Aldir Blanc: Flores em Vida para Nelson Sargento. Para que ele não se visse obrigado a lamentar, como outro Nelson, o Cavaquinho, que as flores só viriam depois da morte. Para Sargento, hoje, têm sido muitas as flores. Vinda longa ao mestre.

Elton Medeiros e Paulinho da Viola: conversa de bambas

2010-07-30T11:17:00.001-03:00

Deu no Estadão

Nos 80 anos de Elton Medeiros, convidamos seu parceiro Paulinho da Viola para falar de samba

Elton e Paulinho se encontram em uma tabacaria do Leblon. Foto: Fábio Motta/AE

RIO - Nos anos 60, num certo Bar Gouveia, na Travessa do Ouvidor, coração do centro do Rio, Pixinguinha, então com 60 e poucos anos, volta e meia se via rodeado por jovens compositores. A turma do samba o cultuava como o gênio maior da música brasileira, e costumava indagá-lo sobre o "tempo antigo". "Uma vez, estávamos eu, o Mauro Duarte e o Sérgio Cabral e começamos a perguntar como era o João da Baiana, o Donga, a turma da idade dele. Pixinguinha, com aquela paciência de santo, fez uma pausa e disse: ‘Cada vez que eu olho ao meu redor, vejo menos gente da minha geração’. Era uma observação profundamente sincera e saudosa."

Quem conta é Elton Medeiros, que hoje completa 80 anos. Melodista e letrista dos mais admirados do universo do samba, sobreviveu a boa parte de seus parceiros: Cartola (com quem fez o hino O Sol Nascerá (A sorrir/ eu pretendo levar a vida), Zé Keti (Mascarada), Mauro Duarte (Maioria Sem Nenhum), Cacaso (Meu Carnaval), Maurício Tapajós (Não tem Mais Jeito, também com Hermínio Bello de Carvalho), Jair do Cavaquinho (Meu Viver, com Kleber Santos).

No entanto, tal qual Pixinguinha, ele não vive de revolver o passado; tampouco chora os que se foram. "É claro que sinto falta de um papo com os amigos, mas isso é natural. A gente nasce, vive e morre", justifica, com a serenidade dos que sabem das coisas.

A música de Elton está viva nas casas de shows da Lapa, cantada por jovens que poderiam ser seus bisnetos. No repertório de artistas de distintos calibres, nas rodas de samba, nas coletâneas dos grandes momentos do gênero. E seu parceiro mais constante, 12 anos mais jovem, está junto a ele para celebrá-lo (embora os encontros hoje sejam espaçados). "Ninguém fez tanta música comigo quanto ele, e ninguém fez tanta música com ele quanto eu", decreta Elton sobre Paulinho da Viola, o Paulo César a quem conheceu novinho na cozinha do Zicartola, o restaurante aberto no mesmo velho centro do Rio por Cartola e sua mulher, dona Zica, em 1963. Era o favorito de músicos e intelectuais.

Memória. Marcado pelo Estado, o bate-papo entre os autores do clássico Onde A Dor Não Tem Razão, entremeado por lembranças de versos e melodias, um se escorando na memória do outro, foi segunda-feira, no Esch Café, tabacaria do Leblon (bairro de Elton) frequentada por Paulinho. Mais cedo, a reportagem conversou a sós com o aniversariante. Ele diz não compreender por que as pessoas se fixam em datas redondas. Amigos acenaram com a possibilidade de produzirem um CD e/ou um show-tributo, mas nada está certo. Se acontecer, será novidade na vida de um artista sempre chamado a homenagear Cartola, Ismael Silva, Nelson Cavaquinho...

Paulinho chega e a conversa regride quase quatro décadas. Voltamos ao Zicartola e ao momento em que se conheceram. "Cartola disse: ‘Você precisa ver um garoto que apareceu aí! Ele toca violão certinho e, quando resolve cantar, os sambas dele são bons!" Paulinho interrompe: "Eu tinha dois ou três sambas, vivia repetindo..." E Elton acrescenta: "Mas eram dois ou três sambas bons!"

Melodias inventivas

O primeiro samba foi composto aos 8 anos, com um dos nove irmãos, Aquiles. Era para um bloco carnavalesco infantil. Na época, a família de classe média baixa (o pai era funcionário civil da Marinha) havia se mudado da Glória, zona sul do Rio, para o subúrbio de Brás de Pina. Infância e adolescência de Elton Medeiros foram marcadas pelas tardes dançantes que a mãe promovia em casa, em que a prole ouvia música e bailava, e a participação num dos corais supervisionados por Villa-Lobos, em sua escola. Ele era também frequentador de concertos da Orquestra Sinfônica Brasileira. Em 2008, em Depoimento para a Posteridade ao Museu da Imagem e do Som, reconheceria que essa bagagem o ajudou, adulto, a desenhar suas melodias - cuja beleza se dá pela imprevisibilidade e ousadia.

É por elas que Elton é venerado. "Se tivesse de escolher um só, entre o melodista e o letrista, ficaria com o primeiro", opina o pesquisador musical Sérgio Cabral. "Elton pertence a uma casta de nobreza da nossa música, que é a dos grandes melodistas. Cito Ary Barroso, Custódio Mesquita, Valzinho, e todos os três eram instrumentistas. Ele tocou trombone de pisto, é um mestre na percussão, e tem uma enorme cultura sobre a música popular. O letrista vem nessa onda de diversos talentos que ele carrega", diz o parceiro Hermínio Bello de Carvalho - juntos, eles fizeram, entre outros sambas, Pressentimento, Samba do Amor (com Paulinho) e Perfeito Amor.

Este último é do repertório de Samba na Madrugada, disco que Elton e Paulinho da Viola lançaram em 1968 - hoje no catálogo da gravadora Biscoito Fino - e que trazia sucessos como O Sol Nascerá, Mascarada e, de Paulinho, 14 Anos. "Gravamos uma face do LP numa única noite", relembra Elton.

Paulinho desconfia das datas. "Eu sou péssimo com data. Eu estou até evitando dar entrevista, porque já falei algumas bobagens. Minha memória é musical. Esse cara uma vez cantou um samba pra mim comendo um pastel na Praça Tiradentes, eu guardei e depois gravei. Era Fotos e Fatos (com Otávio de Morais), que não é fácil."

A última parceria dos dois, eles arriscam dizer, foi Bem Que Mereci, samba-título do último CD de inéditas de Elton, que saiu em 2005 pela Biscoito Fino.

Gravou 25 discos, só e com parceiros

Elton Medeiros e Paulinho da Viola começaram suas carreiras discográficas juntos, com Roda de Samba, em 1965. Quem os levou pela mão foi Zé Keti, que chamou parte da turma do Zicartola para "deixar uns sambas" na gravadora Musidisc. "Quem sabe algum intérprete se interessa...", pensaram todos. "Zé Keti era generoso, não queria aparecer sozinho", ressalta Elton. Foi assim que ressurgiu o grupo A Voz do Morro, com Zé, os dois, Jair do Cavaquinho, Anescarzinho do Salgueiro, Oscar Bigode e Zé Cruz. Eles ainda gravariam outros dois LPs, Roda de Samba 2 e Os Sambistas. Era a segunda formação do grupo (a primeira, que incluiu Cartola e Nelson Cavaquinho, só se apresentou uma vez e logo se dispersou).

O grande marco de 1965 foi, no entanto, o espetáculo Rosa de Ouro. "Antológico", "lendário", "fabuloso" - são os adjetivos que o acompanham. Assinado por Hermínio e Kleber Santos, o musical, gestado no Zicartola, plantou no palco do Teatro Jovem, em Botafogo, cinco jovens representantes do "samba de raiz": Elton, Paulinho, Nelson Sargento, Anescarzinho do Salgueiro e Jair do Cavaquinho. E duas presenças femininas surpreendentes: Araci Cortes, cantora e atriz de sucesso nos anos 20 e 30, da qual não se ouvia mais falar, e Clementina de Jesus, revelada ao público ali, aos 63 anos. "Você imagina o que foi aparecer uma velha negra, contrariando os padrões da época, em pleno iê-iê-iê, com aquela voz...", lembra Elton. A abertura era com Rosa de Ouro, o primeiro samba composto pela dupla Elton/ Paulinho (com Hermínio), e que deu origem a dois LPs que se seguiram. Depois vinham pérolas de autores consagrados e mais dos novatos.

Elton compunha e cantava. Ex-integrante da Orquestra Juvenil de Estudantes, teve como primeiro instrumento o sax horn. Também tocou trombone e bateria. Dos anos 60 para cá, gravou 25 discos, sozinho e com parceiros, equilibrando a carreira artística e o trabalho como administrador (formou-se Faculdade de Ciências Políticas e Econômicas do Rio). Compôs sambas-enredo e foi fundador de três escolas de samba - só uma, a Unidos de Lucas, resiste. Ele ainda assiste a um desfile ou outro pela televisão. "Não a noite toda. Hoje eu sou um velhinho, né?" Em março, sofreu um enfarte, e agora só pode beber "uma ou duas" taças de vinho por semana."

Roberta Pennafort - O Estado de S. Paulo

Violeiros ganham rede social com música e vídeos online

2010-07-30T11:03:00.000-03:00

É preciso ações que ajude preservar a memória da raiz sertaneja. Muito boa esta iniciativa. Leiam a matéria completa da Agencia do Estado do Paraná.

A viola acompanha as tradições culturais brasileiras desde o tempo em que os portugueses aportaram no País, trazendo o instrumento de cordas. Desde então, ela acompanha a música caipira, a catira, o fandango, a folia de Reis, o repente, entre outras manifestações Brasil afora. Agora, em época de comunicação digital, o portal Voa Viola (http://www.voaviola.com.br/) quer reunir violeiros e apaixonados pelo choro da viola em uma rede social aberta nesta segunda-feira. Ali, os interessados poderão criar um perfil e postar músicas, vídeos, fotos, links e contatos para divulgar seus trabalhos ou afinidades musicais em que a viola se destaca.

Além de servir como uma rede social, com fóruns de discussão e informações históricas sobre o instrumento, o portal Voa Viola integra o projeto Festival Nacional de Viola, que pretende selecionar 12 artistas para se apresentar com músicos consagrados em shows por quatro capitais - Recife, São Paulo, Belo Horizonte e Brasília. "Queremos contemplar o panorama atual da viola no Brasil, da tradição à inovação", disse a coordenadora geral do projeto, Juliana Saenger. A ideia, segundo ela, é valorizar tanto o mestre violeiro tradicional quanto artistas que dialogam com outros instrumentos e referências musicais. A curadoria é feita pelos violeiros e estudiosos Roberto Côrrea e Paulo Freire. O patrocínio do projeto é da Caixa Econômica Federal, como parte das comemorações de 150 anos da instituição financeira.

Para participar do festival, os interessados devem se inscrever até o dia 16 de agosto. As informações estão disponíveis no edital que pode ser acessado pelo portal. Os curadores e dois jurados (ainda não definidos) escolherão inicialmente 24 músicos. A seleção final será feita por votação do público no site. Por isso, Juliana recomenda que os candidatos façam seu perfil no portal (o que não é obrigatório). "A votação vai depender de como cada artista se articula na rede", disse ela. Segundo a coordenadora, desde o dia 24 de junho até sexta-feira, houve 30 inscrições, sendo metade originadas do Estado de São Paulo.

Os escolhidos para os shows irão receber um cachê no valor de R$ 5 mil (fora os descontos de impostos). Já entre os 24 pré-selecionados, serão escolhidos pela comissão julgadora destaques nas categorias tradição, inovação, dupla, instrumental e canção. Cada um receberá um prêmio de R$ 8 mil, dos quais serão deduzidos os descontos legais. A divulgação dos selecionados para a escolha popular será feita em 24 de setembro. A votação deverá começar no início de outubro. Os shows estão programados para ocorrer em novembro e em dezembro, com três dos músicos escolhidos em cada um deles e três convidados, sendo um deles um mestre violeiro que conduzirá a apresentação
Matéria da Agencia do Estado do Paraná.

video Milena Torres Bem Acompanhada "Menina Jesus"

2010-07-27T17:19:00.001-03:00

Milena Torres mais do que nunca bem acompanhada. Banda, música voz e harmonia!
Vale apena ver este vídeo e descobri os progressos que a Milena tem feito nesta sau caminhada pelas várias nuançes da música. Das Gerais pra todo o universo. Muita música e obrigada Mil, por este presente. Uma interpretação ímpar. A música agradece.

UMA MÚSICA-DENÚNCIA QUE A MÍDIA MENOSPREZOU

2010-07-26T13:36:00.001-03:00

UMA MÚSICA-DENÚNCIA QUE A MÍDIA MENOSPREZOU

Por: Prof. João Valente de Miranda

Seja na voz de Vanusa ou de outros intérpretes, aquela canção maravilhosa não foi tão bem divulgada quanto merecia, pelos benefícios incalculáveis que ensejaria a esta geração.

Em 1980 uma canção abalou o cenário nacional com uma poesia contundente, cuja denúncia poderia ter contribuído para anular ou minimizar os efeitos da toxicomania generalizada desta nova geração, já quase sem rumo e sem orientação de uma das fontes que mais se ouve, a música popular. Ao contrário, as músicas de hoje até influenciam negativamente, ou podem estar sendo veículo de perdição para aqueles que quer conquistar como compradores de CDs e DVDs musicais. Com a chegada do "crack", uma macabra ironia pode estar à vista, isto é: na ânsia de vender discos, os cantores populistas modernos (sobretudo do Forró eletrônico e do axé comercial) poderão não ter mais público daqui há alguns anos, e isto não pela concorrência da pirataria e/ou da Internet, mas pela morte precoce de seus potencias comprovadores.

O parágrafo acima se refere à canção "Droga Maldita", que a interpretação de Vanusa deu um colorido todo especial pelo talento nato da cantora cruzeirense (de Cruzeiro-SP). Se o leitor ouvir bem esta canção (em breve no Youtube), poderá perceber até o grau de revolta expressado na voz da cantora, o qual sem dúvida pode indicar alguma vivência trágica com as drogas em parentes ou amigos próximos, a qual feriu ou pranteou severamente a sua alma. Com letra composta por Márcio Antonucci, creio que ninguém interpretou melhor tal composição do que a própria compositora, a então jovem Vanusa Santos Flores, que chegou, inclusive, a citar nomes de artistas e colegas que a droga levou (ao contrário daquele com que seu nome rima, o Cazuza, que em muitas ocasiões chegou a fazer até apologia às drogas, coitado, certamente já influenciado por elas!).

Saber por que a mídia não explorou mais esta canção pode fazer surgir um hediondo ‘mistério', do tipo que dá nojo ao término de uma investigação isenta. Se não houver uma resposta satisfatória e justa ao final, o caso pode estar escondendo a idéia de uma virtual conivência da mídia com o submundo do tráfico de entorpecentes, a qual beira a um delírio conspiracionista (e nem por isso falso) dos mais aterradores já ouvidos. Com efeito, pergunte o leitor: poderia ‘o grosso' da mídia global ter alguma relação com as vultosas verbas que sustentam o tráfico internacional de drogas? Poderia algum ou alguns dos governos do mundo ter interesse em manter secretamente a toxicomania como meio de recebimento de impostos e manutenção do padrão de vida elevado dos seus "chefões"? Ou então cometeriam tal crime para encobrir outro crime, a saber: contar com verba farta para projetos militares secretos relativos a expansionismos ou "armamentos dissuasórios definitivos"?... Somos obrigados a responder que nada sabemos a esse respeito, até por causa da colossal cortina de fumaça levantada para esconder tais projetos; todavia não há como negar que são hipóteses bastante plausíveis. Duro de saber. Duro de pensar. Vamos em frente.

Repassemos a letra daquela pérola do cancioneiro nacional. Ei-la:

"DROGA MALDITA": << Eu falo/Pela boca de todas as mães/Que acordam de noite assustadas/Sem saber o futuro dos filhos/Diante das facilidades. – Se a tevê/Já não tem mais censura/E os nossos ídolos/levantam bandeiras/Que arrastam os jovens/Pela estrada do vício/Da ilusão e do sonho. – Ninguém vê/Que os jornais e as revistas/Só nos mostram os crimes/De total violência/E a conseqüência da dependência/Desta droga maldita/Contra a humanidade.

Eu falo/Pela boca de todos os jovens/Que acordam um dia assustados/Sem saber porque se perderam/Diante das facilidades. – Se eles vêem/Que ninguém mais os censuram/E os seus ídolos/permanecem calados/Aos que arrastam os jovens/Pela estrada do vício/Da solidão e do medo; /Pois eu falo/Em nome dos jovens/Que um dia partiram/Ou se perderam/Na experiência/na total dependência,/Sem saber que a viagem/Quase nunca tem volta.

Procura-se, procura-se,/O que matou nossos jovens (Aracelli);/ Procura-se,/Aquele som de batera (Vítor Manga); /Procura-se, procura-se/O que drogou nossos ídolos (Jimi Hendrix)/ E continua a matar tanta gente/Procura-se, recompensa-se bem/O que assassinou/Cláudia Lessin e Janis Joplin. >>

Há vários trechos antológicos, que o tempo jamais deveria apagar. O PRIMEIRO TRECHO diz que ela mesma, Vanusa, está falando pela boca das mães que "não sabem o futuro dos filhos" (atenção aqui) DIANTE DAS "FACILIDADES". Os maiores estudiosos da pós-modernidade apontam as tais facilidades como a grande alavanca para a alienação e perdição da juventude. E é compreensível: quem não gosta de facilidades? Os jovens então, agora mal-acostumados a ter todo o apoio e dinheiro dos pais (que não mais ralham nem repreendem), acabam ficando 100% despreparados para enfrentar o mundo, e no primeiro sinal de dificuldade debandam e vão para a bebida, para as ‘drogas malditas' e até para o suicídio. Facilidade é viver irresponsavelmente, sem cuidado com os riscos a si e a outrem, com dinheiro para comprar e fazer tudo o que vier na telha, e esta mistura em quem ainda não amadureceu é um verdadeiro paiol de pólvora. O SEGUNDO TRECHO diz que "já não há mais censura", e a mídia (TV, jornais e telejornais) só mostram os crimes de total violência – contribuindo com a banalização da morte e da vida – e estimulando a crença individual de que o Homem é mau, o mundo é mau, ninguém presta, que todos temos os piores inimigos e que o certo é fazer justiça com as próprias mãos, reforçando a corrente de "violência gera violência" e promovendo o contrário da "Corrente do Bem". A falta de censura aqui não se restringe somente à Oficial, institucionalizada na Lei. Fica implícita também na educação sem "nãos", na permissividade a tudo, na escola sem reprovação, na aprovação sem qualificação, etc., formando o quadro geral de caos em todas as áreas da sociedade. Estavam certos os que imaginaram o historiador do futuro pesquisando o final do Século XX e início do XXI e concluindo: "Devemos durar bem mais do que a geração passada, pois já descobrimos o que leva uma civilização à auto-destruição". O TERCEIRO TRECHO deve ter sido aquilo que motivou o silêncio da mídia sobre a música e até um certo ar de menos valia que reinou em torno de Vanusa nos anos posteriores ao lançamento do hit, e o leitor vai entender agora. Diz o trecho: "E os nossos ídolos/levantam bandeiras/Que arrastam os jovens/Pela estrada do vício/Da ilusão e do sonho. [...] E os seus ídolos/permanecem calados/Aos que arrastam os jovens/Pela estrada do vício/Da solidão e do medo". Ora, os compositores estão aqui dizendo que os próprios ídolos (os artistas, os cantores, os atores da TV) defendem as drogas – e por conseqüência os traficantes – quando dizem que a maconha faz menos mal que o cigarro ou que nem chega a fazer mal, esquecendo-se ou omitindo que a maconha tem o grande mal de conduzir a outras drogas mais pesadas, tal como a cerveja pode conduzir para a cachaça e assim por diante. Vimos isso mesmo em discursos atribuídos a Cazuza e a outras ditas "celebridades" (no vazio do conceito moderno) que não têm o menor senso de responsabilidade para com os seus ouvintes, mormente a juventude, e sobretudo a juventude de periferia, para a qual o ídolo é mais idolatrável exatamente quando demonstra ser usuário e muitas vezes traficante.

No final a canção pergunta, belissimamente: "Quem matou nossos ídolos? Quem matou nossos jovens e continua a matar tanta gente? Recompensa-se bem o que assassinou Cláudia Lessin e Janis Joplin"... Então quem é o grande Mal? Quem é o assassino que matou essa gente? É a droga maldita, que é uma arma contra (toda) a Humanidade. E veja que a letra diz "recompensa-se bem", porquanto nada neste Planeta é mais bem remunerado do que o tráfico e seus chefões, cuja fortuna se está hoje a suspeitar como financiadora de coisas muito mais mortais e nojentas do que o submundo que transparece nas ‘cracolândias' e na mídia, o qual, como um boi de piranha, é bem propalado para desviar nossos olhos da boiada que passa tranqüila ao longe.

................................................................Prof. João Valente de Miranda (eatjvs@gmail.com).

SUBTÍTULO: DROGA MALDITA É CALAR A DENÚNCIA DE "DROGA MALDITA".

Perfil do Autor

João Valente de Miranda é bacharel em Administração de Empresas, com pós-graduação em O&M. É bacharel em Teologia, com licenciatura plena em Ciências da Religião. É técnico em desenho de arquitetura, telefonia, mixagem musical e editoração de som. É pesquisador de paraciências e ufólogo, poeta e ex-articulista de jornais de circulação no Nordeste. É atualmente assistente administrativo do Instituto de Estudos, Pesquisas e Projetos da Universidade Estadual do Ceará.

(Artigonal SC #2830791)

Fonte do Artigo - http://www.artigonal.com/musica-artigos/uma-musica-denuncia-que-a-midia-menosprezou-2830791.html

OS AFRO SAMBAS DE BADEN-VINICIUS (1966)

2010-07-16T15:10:00.000-03:00

Quando no início dos anos sessenta Vinicius de Moraes ouviu o lp Sambas de Roda e Candomblés da Bahia que recebeu de presente do baiano Carlos Coqueijo Costa , ele ficou profundamente impressionado. Este fato descortinou para Vinícius uma vertente da música popular que ele ainda não havia descoberto. Ele então mostra o disco a Baden Powell seu parceiro mais constante na ocasião e este também se encanta. Em 1962 Baden visita a Bahia para apresentar um show com Silvia Teles no Country Club, familiariza-se com artistas e intelectuais baianos, demonstra seu interesse pelas tradições afro baianas e acaba sendo apresentado ao capoeirista Canjiquinha que o leva a terreiros, rodas de capoeira e o mais importante interpreta para ele os cânticos e sons do candomblé. Baden fica fascinado, não propriamente pelo sentido místico do que vira, mas sim pela beleza das harmonias do que ouvira.

Ao se reencontrar com Vinicius compõe o samba Berimbau e resolvem iniciar uma série de canções sobre a cultura afro brasileira. Nessa época Baden Powell estava estudando canto gregoriano com o maestro Moacyr Santos e percebeu que eles tinham semelhança com os cânticos afros que havia ouvido na Bahia e inspirando-se nessas duas influencias resolve então compor uma série de temas mesclando-os com a batida do samba, o resultado é esplendido e de grande beleza melódica, surgindo assim uma nova modalidade musical, os afro sambas no dizer de Vinicius de Moraes e que seria uma característica inconfundível na obra musical de Baden.
Passados os momentos de estudo e assimilação da temática os dois parceiros estavam prontos para iniciar a realização das canções e assim surge “Canto de Ossanha”, “Canto de Xangô”, “Bocoché”, “Canto de Iemanjá”, “Tempo de amor”, “Canto do caboclo Pedra Preta”, “Tristeza e solidão” e “Lamento de Exu”. Findo o trabalho partiram então para a gravação das músicas num LP intitulado de Os Afros Sambas, produzido por Roberto Quartin dono da etiqueta Forma e com arranjos de Guerra Peixe. Disco antológico ele passa a história da música brasileira como sendo o primeiro trabalho em que se misturam instrumentos típicos do candomblé, atabaques, bongô, agogô e afoxé com outros da música tradicional como flauta, violão, sax, bateria e contrabaixo. Gravado nos dias 3, 4, 5 e 6 de janeiro de 1966, o disco conta com a participação do Quarteto em Cy e com um coro misto formado por amadores ligados por amizade aos autores, aliás como bem definiu Vinicius, um “coro da amizade” pois a intenção apesar dos arranjos elaborados, era dar um tratamento simples, despojado e espontâneo a gravação. Nesse coro estão presentes Eliana Sabino, filha do escritor Fernando Sabino, Bety Faria,(ela mesma, então iniciando sua carreira artística no teatro e na dança), Tereza Drumond, namorada de Baden, Nelita, então esposa de Vinicius, Dr. César Augusto Parga Proença, psiquiatra e o medico Otto Gonçalves Filho.

Apesar de já estar definitivamente inserido como um dos mais importantes discos da música popular brasileira, o comentário de Vinicius de Moraes na contra capa do LP é mais elucidativo do que qualquer outra observação que se queira dar ao trabalho: “Essas antenas que Baden tem ligadas para a Bahia e, em última instância para a África, permitiram-lhe realizar um novo sincretismo: carioquizar dentro do espírito do samba moderno, o candomblé afro brasileiro dando-lhe ao mesmo tempo uma dimensão mais universal (...) nunca os temas negros de candomblé tinham sido tratados com tanta beleza, profundidade e riqueza rítmica (...) é esta sem dúvida a nova música brasileira e a última resposta que da o Brasil, esmagadora à mediocridade musical em que se atola o mundo. E não digo na vaidade de ser letrista dos mesmos; digo-o em consideração a sua extraordinária qualidade artística, à misteriosa trama que os envolve: um tal encantamento em alguns que não há como sucumbir à sua sedução, partir em direção ao seu patético apelo”.

A mineira Roberta Campos lança o disco Varrendo a lua

2010-06-09T09:01:00.000-03:00

Adepta do pop, ela homenageia o Clube da Esquina. Cantora chamou a atenção em 2008 com álbum divulgado na internet

A cantora Roberta Campos começou se apresentando na noite, fez parte da banda Poptrote, de Sete Lagoas, mudou-se para São Paulo e agora se dedica à carreira solo

Em 2008, ao jogar na rede mundial de computadores Para aquelas perguntas tortas, disco artesanal de 16 faixas (duas como bônus), Roberta Campos acabaria abrindo o tão sonhado caminho para a carreira fonográfica solo autoral, que estreia na Deckdisc com Varrendo a lua. Produto de contrato assinado com a gravadora independente carioca, o álbum surgiu depois que a cantora mineira, radicada em São Paulo, levou cópia da demo para uma rádio paulistana. Para surpresa de Roberta, a emissora começou a tocar a canção que virou a faixa-título do CD.

“O processo foi tão rápido que fiquei assustada. Assim que apresentaram o disco para a Deck, me ligaram e logo depois estava assinando contrato”, comemora Roberta Campos, nascida, não por acaso, em Caetanópolis e criada em Paraopeba. Separadas apenas por uma ponte, as duas cidades mineiras revelaram ao Brasil a inesquecível Clara Nunes. Apesar da origem comum, o trabalho de Roberta não tem nada a ver com o da conterrânea. “Ouvia muito a Clara na minha infância, por causa de minha mãe. Mas nossos estilos são completamente diferentes”, destaca a intérprete, que, mesmo sob forte influência do Clube da Esquina, acabou optando pela música pop.

Do violão, em que começou a tirar os primeiros acordes ainda adolescente, nasceram as canções de Varrendo a lua. Segundo Roberta, cada música do disco foi escolhida porque uma completa a outra. “Trata-se de mensagem dividida em histórias, em momentos, mas em um único amor”, esclarece. À mais antiga, Acabou, de 1998, seguiu-se De janeiro a janeiro, do ano seguinte. As outras foram compostas mais recentemente. Única faixa não autoral do CD, Quem sabe isso quer dizer amor, de Lô e Márcio Borges, ganha leitura apropriada diante da única gravação, por Milton Nascimento, no álbum Pietá, de 2003.

Trata-se, com certeza, de uma das mais belas criações dos irmãos Borges, canção que Roberta jurava ser de autoria do próprio Milton. “Sou fã do Clube da Esquina”, diz a intérprete, que sempre ouviu muito Milton, Lô e Beto Guedes, além de Elis Regina, Maria Monte, Pato Fu, Beatles, Joni Mitchel e Rufus Wainwright. Coincidentemente, na época em que conheceu Quem sabe isso quer dizer amor, Roberta lia Os sonhos não envelhecem – A história do Clube da Esquina, de Márcio Borges, e Travessia – A história de Milton Nascimento, da jornalista Maria Dolores.

INFLAÇÃO

Longe de se assustar com o concorrido mercado musical brasileiro, hiperinflacionado de cantoras, Roberta atribui o fato à ascensão da mulher em todos os setores da sociedade. A carreira da intérprete mineira começou na noite, em apresentações à base de voz e violão, até que passou a integrar a banda Poptrote, de Sete Lagoas, da qual saiu em 2002. Em agosto de 2004, o casamento acabou levando-a para São Paulo, onde permanece com boas perspectivas de carreira solo. Os primeiros shows de lançamento de Varrendo a lua estão previstos para julho, depois da Copa.

Ailton Magioli - EM Cultura

Gilberto Gil lança disco para animar festas juninas

2010-06-09T08:57:00.000-03:00

Artista lembra dívida com Luiz Gonzaga e diz que ainda há preconceito contra o forró

Ailton Magioli - EM Cultura

O ex-ministro da Cultura Gilberto Gil está de volta ao batente com o pé no forró. Em festa junina realizada sábado no Rio de Janeiro, ele lançou o disco temático Fé na festa, em que volta a se exercitar nos ritmos nordestinos, devidamente adaptados aos tempos atuais. Em São João Batista carioca, a festa, ele vai receber a filha, Preta Gil, a nova parceira Vanessa da Mata, as cantoras Alcione, Gal Costa e Mart’nália e o cantor Zeca Pagodinho, entre outros forrozeiros, aproveitando para dar largada às comemorações dos 68 anos (26 de junho) e esquentar o repertório para a temporada europeia do for all, em julho. “Foi a primeira e a mais importante música da minha vida”, diz a respeito de ritmos como xote, xaxado, baião e forró, que marcaram sua infância, sob influência do ídolo e mestre Luiz Gonzaga.

“Tem outros importantíssimos como Caymmi, João Gilberto, além de tantos colegas já contemporâneos meus, que também tiveram importância na minha formação. Mas Gonzaga é entronizado ali. Se tivesse um altar, ele estaria no meio e os outros ao redor”, afirma o discípulo do Rei do Baião. “A música de Gonzaga é a música ambiente da minha primeira situação de vida. Vivia na caatinga, no sertão. A vida sertaneja, os animais, o cultivo das plantas, os hábitos festeiros. Tudo isso está ligado à minha primeira infância”, emociona-se Gilberto Gil. Segundo o cantor, o sonho mais recorrente dele é com Ituaçu, na Chapada Diamantina, onde viveu depois do nascimento, em Salvador.

LEIA A CRÍTICA DO NOVO ÁLBUM DE GILBERTO GIL

“O som daquele lugar é Luiz Gonzaga”, garante Gil, admitindo tratar-se de uma “questão até psicanalítica” em sua vida. Conforme lembra, desde o mestre as duas vertentes do forró – a tradicional e a moderna – convivem, harmoniosamente. Em Dança da moda, que gravou no novo disco, por exemplo, o próprio Luiz Gonzaga, com Zé Dantas, fala das mudanças provocadas pela chegada do baião no Rio. “No Rio tá tudo mudado/ Nas noites de São João/ Em vez de polca e rancheira/ O povo só dança e só pede o baião”, canta o ex-ministro da Cultura. Ele salienta que a cosmopolitização da música nordestina – a chegada aos grandes centros – é coisa que vem da década de 1950.

“Todos os bairros da Zona Norte do Rio celebram até hoje festa de São João. Assim como em Minas Gerais, São Paulo, no Sul do Brasil, Goiás. No Norte e Nordeste nem se fala, porque ali é o hábito absoluto desta música. Isso vem convivendo com a chamada preservação desta música com seus elementos rurais. Especialmente no Nordeste, no interior de Pernambuco, da Paraíba, do Rio Grande do Norte e do Ceará, onde temos a permanência dessa música com as suas características mais originais, ligadas às suas fontes, que são os violeiros, os cantadores, as cantadoras, os repentistas, tudo junto com os sanfoneiros, com a música de dança, a música de baile”, explica.

Sertão e pop

Como destaca Gilberto Gil, nas grandes cidades a transformação mais recente que a música nordestina urbana passou foi com a chegada dos chamados grupos pop, na linha dos grupos de axé. “É um fenômeno recente, mas essa arte urbana vem convivendo com a música propriamente interiorana desde Luiz Gonzaga até hoje”, reafirma. O preconceito latente quanto à música, segundo o ex-ministro, teria partido de parte das elites artísticas e de alguns setores da mídia. “Do povo, nunca”, constata o cantor, lembrando do sucesso das casas de forró em todo o país.

Ele mesmo, no entanto, teria testemunhado manifestações de preconceito em vários momentos, quando colegas contemporâneos dele torciam o nariz para – imaginem – Luiz Gonzaga. “Desclassificavam Gonzaga, dizendo que ele não tinha méritos, que não merecia perfilar entre os grandes artistas. Que aquela música não tinha importância nenhuma, que aquilo era secundário, cafona. É como o presidente Lula, hoje. Nesta época do ano, o forró preside as manifestações, preside o sentimento, preside a vontade lúdica do povo brasileiro”, compara, orgulhoso da passagem pelo atual governo como ministro da Cultura, encerrada há cerca de dois anos.

Na hora de compor um bom forró, Gilberto Gil vai pelo linguajar do povo. “Busco a linguagem, tanto musical quanto literária, deste tipo de música. As terminologias mais utilizadas, as palavras condensadas, as interjeições típicas criadas por esses linguajares do interior”. E destaca também a sensualidade presente no gênero: “A paquera do menino, a coisa do duplo sentido, a erótica e o lado romântico”, descreve. Gil salienta os aspectos profano e sagrado da festa junina, presentes em todas as festas tropicais que vieram com os colonizadores cristãos e foram se misturando com o paganismo ameríndio e, mais tarde, com o paganismo africano. “Essas festas se desenvolveram nos adros das igrejas e nas praças em frente das igrejas. E, no caso de Santo Antônio, São João e São Pedro, por coincidirem as três no mês de junho, acabaram criando o território específico da chamada música junina”.

Agnaldo Timotéo lança CDs

2010-06-09T08:51:00.000-03:00

Agnaldo Timóteo lança dois CDs com regravações - "Sou mais eu"
Cantor defende que o tempo dos grandes cantores já passou. Sem medo de briga, diz que a política está sempre nos seus planos

Ailton Magioli - EM Cultura

O Brasil tem hoje dois cantores: “Roberto Carlos, que é uma celebridade da Rede Globo, e Agnaldo Timóteo”, declara o próprio, mineiro de Caratinga, na Zona da Mata. Segundo ele, além do Rei, ou são as duplas sertanejas “ou então sou eu mesmo”, já que a mídia teria “matado” todos os colegas de romantismo. “Carlos Alberto, Orlando Dias, Anísio Silva”, lista os companheiros de repertório que estariam sumidos, além de Moacyr Franco, Cauby Peixoto, Angela Maria, Agnaldo Rayol. “Eles não dão mais confiança para nós”, denuncia o cantor, dublê de político (atualmente, é vereador em São Paulo), que acaba de lançar pela Som Livre o álbum Obrigado São Paulo – Obrigado Brasil, paralelamente à coletânea de sucessos Sempre.

“Já estou com 73 para 74 anos, não sei quando é que Jesus Cristo vai assinar o meu passaporte. Enfim, os dois discos têm material extraordinário”, propagandeia Agnaldo Timóteo, que, mais uma vez, volta a cantar os sucessos de sempre. “Imagina, são 46 anos pra lá e pra cá – preto, feio e do cabelo duro – e sempre aplaudido, sempre bem recebido”, comemora. Segundo diz, ele só conseguiu se manter no mercado fonográfico brasileiro por todo esse tempo porque não foge da luta. “Se não fosse brigão, já tinha ido para o saco”, justifica. E lembra o ocorrido com o amigo Wilson Simonal, que foi boicotado pelo mercado antes da morte prematura. “Simonal nunca teve coragem de contar o que ocorreu com ele. Mas ameaçaram sequestrar Simoninha, o filho dele”, denuncia, sem mais detalhes.

Do preconceito racial, Agnaldo Timóteo diz jamais ter sido vítima. “Mas do preconceito social eu continuo sofrendo até hoje. Não me perdoam por ser negro e audacioso, porque mesmo tendo estudado apenas até o 3º ano primário sou inteligente. A exemplo do presidente Lula, aprendi, ouvi e continuo ouvindo. Assisto a tudo na televisão para me atualizar. Eles não me perdoam porque tenho opinião própria. Não me deixo orientar pelo Willian Bonner ou pelo Carlos Nascimento. Sou Agnaldo Timóteo”, discursa o cantor.

Para o artista, o mercado musical brasileiro passa por grandes transformações há pelo menos duas décadas. “A primeira mudança foi com a chegada da música sertaneja. Agora mudou para o lixo: é o funk, é o rap, é a axé music”, opina. “Domingo desses, estava vendo um programa de televisão e tinha nele duas mulheres lindíssimas. Qual era o talento delas? A bunda grande. Tenha piedade!”, protesta Agnaldo Timóteo. “A gente nunca se preocupa com vendagem de discos. Gostamos mesmo é de gravar e ter a oportunidade de ir à televisão para cantar e fazer shows pelo Brasil. E estamos fora da mídia. O meu CD Obrigado São Paulo – Obrigado Brasil, por exemplo, só fiz o programa do Silvio Santos. Não fiz Faustão, não fiz Gugu. Não fiz nada porque eles acham que vou ser candidato a deputado federal – e é possível que seja – e não me deixam cantar”.

À frente do quinto mandato político (deputado federal por dois mandatos, vereador no Rio de Janeiro por um mandato e vereador reeleito em São Paulo), foi graças a uma briga com fiscais da Prefeitura de São Paulo, na Praça da República, onde o cantor vendia seus discos, que ele acabou eleito o vereador mais votado pelo Partido Popular (PP), transferindo-se posteriormente para o Partido da República (PR). “Não falo de política quando piso no palco”, garante o cantor. “Se meu público votasse em mim, teria milhões de votos, sempre”, supõe Agnaldo Timóteo.

CANTORES SEM VOZ

Sem contrato com gravadora – “hoje praticamente ninguém tem mais”, protesta – Agnaldo diz que para ser cantor, atualmente, não necessita ter voz. E aponta que Latino, por exemplo, não cantaria em nenhum programa de calouros em sua época. “E, no entanto, é um grande sucesso. É um ídolo, que as crianças adoram porque sabe escolher repertório. Ele é um homem elegante, mas se for cantar em programa de calouro é gongado na entrada. Não canta nada”, garante.

Consciente da extinção do cantor de vozeirão grave, Agnaldo Timóteo diz ser o último romântico. “Mas espero durar mais uns anos. Tomara que possa chegar até os 80”, afirma. “Fico em casa, não uso drogas, não fumo, não cheiro, não bebo. Sou um amante da minha casa”, afirma. Anda chateado com o estado em que nasceu: “Não me chamam para nada, como se não fosse um grande cantor. Sou o melhor cantor romântico do Brasil, não há dúvidas!”, exalta-se.

A ausência de repertório romântico novo é solucionada por ele com as regravações. “A gente vai regravando”, afirma. E responsabiliza as próprias gravadoras pela opção. “Ninguém produz mais nada na área. Djavan já não tem a mesma saúde; Milton Nascimento teve a voz levada para as cucuias; Chico Buarque continua sem produzir nada; João Gilberto há 50 anos não faz nada de novo. Temos Jair Amorim, que foi embora, e Evaldo Gouvêa, que está por aí. A verdade é que estamos órfãos de românticos. Hoje em dia, quem compõe faz música sertaneja”.

DE AMOR E RELIGIÃO

Agnaldo Timóteo em sertanejo (2006) havia sido o último lançamento do cantor, antes dos dois atuais. Antes havia gravado Em nome do amor – Agnaldo Timóteo canta Roberto Carlos, Preferência nacional e Agnaldo Timóteo en español. “Acabei de gravar também Agnaldo Timóteo – A volta do boêmio, no qual canto 14 sucessos do Nelson Gonçalves”, revela orgulhoso. “Este é para matar”, diz. Até o meio do ano ele vai gravar o disco religioso, Agnaldo Timóteo – Minha oração, em repertório que vai mesclar canções católicas e evangélicas.

EGOÍSTA E AVENTUREIRO

Entre as composições que mais orgulham o cantor está Galeria do amor, em que ele fala da homossexualidade: “Numa noite de insônia saí/ Procurando emoções diferentes/ E depois de algum tempo parei/ Curioso por certo ambiente/ Onde muitos tentavam encontrar/ O amor numa troca de olhar./ Na galeria do amor é assim/ Muita gente à procura de gente”, canta, ao telefone. “Fiz em plena ditadura militar e eles nunca se meteram comigo por causa disso”, garante. O artista lembra que a letra é uma homenagem à célebre Galeria Alaska, em Copacabana, no Rio, onde funcionava a não menos famosa boate gay Sótão. Pai de três filhos adotivos, ele diz não ter-se casado por não ter encontrado ninguém que pudesse suportá-lo como ele é: “Intransigente, às vezes egoísta, às vezes grosseiro, sempre exigente. Gosto de pessoas inteligentes. E, além do mais, sou amante de aventuras”, confessa.

JAZZRADIO.com - enjoy great jazz music

2010-05-13T13:38:00.000-03:00

20 ANOS SEM A DIVINA ELISETH CARDOSO

2010-05-07T17:36:00.002-03:00

Faz 20 anos nesta sexta-feira, 7 de maio de 2010, que Elizeth Cardoso (1920 - 1990) saiu de cena, virou estrela permanente. Sintoma dos descaminhos da cultura musical brasileira, nenhum lançamento foi programado pela indústria fonográfica para lembrar a data, mas o fato é que o padrão de interpretação da Divina resiste ao tempo como valiosa herança de um outro tempo, de uma outra era. Elizeth ajudou a elevar o padrão da música popular brasileira gravada no século 20. Cantora sofisticada que conseguiu alcançar o gosto popular, Elizeth tinha técnica exemplar que realçou o brilho de uma voz já naturalmente bela. A respiração, a afinação e a emissão eram perfeitas. Um nível tão alto de interpretação pedia um repertório à altura - algo que Elizeth passou a ter somente a partir dos anos 60, sobretudo quando Hermínio Bello de Carvalho passou a direcionar sua discografia. Antes, na primeira metade da década de 50, gravou muitos sambas-canção, e seu repertório sempre foi impecável. Sua obra - no todo - é muito digna, muita interessante assim, tanto quanto a artista, cuidadosa faxineira das canções que encarava cada música como diamante a ser lapidado.

Dia Nacional do Choro é dia de S.Jorge.

2010-04-22T23:36:00.001-03:00

Em agosto de 2000 foi aprovado um projeto de lei do senador Artur da Távola instituindo a data como o

Dia Nacional do Choro.

Grande dia para nós chorões, pela comemoração do dia do genio do choro, ``Pixinguinha´´

Ele, o maior dos chorões nasceu no dia do Santo Guerreiro, 23 de abril e morreu dentro de uma igreja.

Foi um iluminado.

Sobre o Choro:

Considerado de difícil execução, o Choro surgiu no Rio de Janeiro por volta de 1870, sendo na época apenas uma forma abrasileirada com a qual os músicos daqui tocavam os sucessos estrangeiros. A reunião dos instrumentos característicos demorou algumas décadas para acontecer e oficializar o Choro como um gênero musical propriamente dito. A origem do nome Choro possui suas controvérsias: por um lado, pode ter vindo da maneira chorosa como se tocavam no Brasil as músicas de fora no final do século XIX, e por outro pode também ter derivado do “xolo”, tipo de baile que reunia os escravos das fazendas.

Seja como for, o fato é que um choro bem chorado não deixa resquícios de tristeza. Sexta-feira o virtuosismo dos chorões inundará corações e ouvidos com a mais cativante harmonia, inúmeras rodas de choro e apresentações comemoram a data em várias cidades brasileiras.

Salve São Jorge e ´PIXINGUINHA

Salve Choro e

Nossa alegria.

Salve Tia Ciata, Zé da Velha, Jacó, Waldir, Abel, Poyares, Tia Amélia, CaXinbinho, Ademilde, Cazes, Jorginho do Pandeiro, Paulinho da Viola, Dino, Zito, Paulinho, Luis e todos os chorões de BH. Saudações genuinamente brasileiras...

Salve nossa Música Popular!

O que Gilberto Gil não disse no filme sobre Jards Macalé, o maldito

2010-04-12T08:30:00.000-03:00

Tom Zé, Maria Bethânia, Augusto Boal, Gal Costa, Piti, Gilberto Gil, Jards Macalé, Caetano Veloso

Por ARNALDO BLOCH

Andei ouvindo de novo “Gil luminoso”,

disco só de violão e

voz, aquela versão de “Aqui

e agora”. Que violão toca o

Gil! Aí fui ver o documentário “Jards

Macalé — Um morcego na porta

principal”, de Marco Abujamra e

João Pimentel, em cartaz no Rio.

Que violão toca o Jards, “Macao”

pros íntimos... Sou fã dos dois, conheço

mais a obra de Gil, mas o luxo

e a inteligência de Macalé, artista,

enter tainer, humorista, cantor, ator,

autor, me assombram a cada dia.

Não é uma voz fácil. Como diz

Luiz Melodia, é para “ouvidos atentos”.

Jards é maldito. Xingou multinacionais,

queimou-se um bocado,

o boquirroto. Gil, num depoimento

gravado quando ministro, comentou,

no filme, esse aspecto, de um

modo que me entristeceu.

Disse Gil que houve artistas de

sua geração, como ele próprio e

Caetano, que cuidaram de suas carreiras,

construíram cada trabalho

com uma certa lógica, em que as

roupas, as capas, os conceitos musicais

e poéticos, tudo fazia um sentido.

(Inclusive, suponha-se, Caetano

não ter dado a Jards o crédito pela

sonoridade de “Transa”, um golpe

duro na sua... carreira.)

Gil diz que, outros, como Macalé,

não cuidaram da tal carreira. Abandonaram-

na ciclicamente. Disse-o

com um certo ar de lamento, sem

nada acrescentar do ponto de vista

de um julgamento de valor. Depois,

respondendo a uma pergunta, admitiu,

com franqueza, que transigiu,

que cedeu, que fez concessões. E

justificou: é lógico!, afinal, a própria

existência do “outro”, a admissão

de que não estamos sós na dinâmica

social, pressupõe concessões,

então como é que não se vai fazê-las?,

Gil altissonou com uma veemência

daquelas que tornam a sentença

uma evidência inclemente.

“Faz parte do ethos e do pathos”,

acrescentou, e aí eu me lembrei que,

em cena anterior do filme, Macalé

fala dos patos (sem agá), dizendo

que, certa vez, as aves, ao ouvi-lo

cantarolar à beira de um lago, responderam

aos volteios de seu canto

cheio de detalhes, repiques, síncopes,

repetindo suas inflexões. Pois,

segundo Macalé, é da natureza dos

patos ouvir música e responder, e

eu acredito: isso ocorre com outros

pássaros também, quem já cantou

na floresta sabe.

O Gil, ao proferir essas verdades

elegantes, não tinha qualquer obrigação

de atentar para o fato de que,

mesmo tendo abandonado ciclicamente

sua carreira, Macao, o conjunto

da obra, ainda que difícil, para

loucos e raros (ao menos por aqui,

pois em Paris ele seria visto como

um grande cantor histriônico, de

uma expressividade singularíssima)

constitui um todo caótico e uno, paradoxal,

complexo, culto.

Gil não tem qualquer obrigação,

tampouco, de atentar para outro fato:

o de que, entre não transigir e

não fazer concessão alguma (impossível)

e fazer o máximo de concessões

possíveis, há gradações. E que

a evidência de que Macalé fez poucas

concessões constitui a formação

da figura que ele é, confere-lhe a

sua originalidade, a sua qualidade

única. Gil não tinha obrigação de dizer

isso nem de prestar qualquer

homenagem ao cantar demiúrgico e

ao violão pós-Baden Powell posto

no liquidificador das emoções e do

sofrimento e do amor mais intransigentes,

e à sua maneira própria de

ser pop sem parecer pop.

Num documentário de Andrucha,

Gil, citando Andy Warhol, diz que, se

ser pop é gostar das coisas, ele é pop

no sentido de “gostar de gostar das

coisas”; se Gil, então, gosta tanto de

tudo, se abraçou tanto o mundo em

seu arcabouço tropico-antropofágico,

se Gil elogiou tanto o trabalho de Sandy

e exaltou tanto Ivete Sangalo, será

que custava muito deixar umas migalhas

de reconhecimento ao gênio de

Macalé, o pato? Não precisava nem

dizer, como disse o Zé Celso Martinez

Corrêa no filme de Abujamra e João

Pimentel, que Macalé é da estatura

artística “de uma Maria Callas ou de

um Oscar Niemeyer”. A gente sabe

que Zé Celso sempre fala através de

hipérboles, embora faça um certo

sentido, para quem olha o Macalé como

um ser múltiplo, um mascarado

de Gotham City, um super-homem

mautneriano mas abençoado com

mil-e-uma técnicas e arquiteturas,

compará-lo a Callas e a Niemeyer sem

que isso se converta numa equação

de equivalência perfeita, ora pô!

Vejo, talvez equivocadamente, se

for me corrijam, a fala de Gil como

uma justificativa. Um statement que,

mesmo inconscientemente, ilude o

receptor, induzindo-o a mergulhar

numa hiper-relativização que na

verdade não relativiza nada e acaba

por desaguar no maniqueísmo. O

certo é cuidar da carreira, o certo é

embarcar numa lógica contínua, o

certo é fazer as concessões que a

cada ser forem adequadas, e cada

ser colherá os benefícios (de agir

assim) enquanto os que não rezarem

por essa cartilha, os “outros”,

colherão a erva daninha do “maldito”,

saco de gatos no qual Macalé,

junto com tantos outros, foi jogado.

Primeiro para se o excluir do “sistema”

e, depois, para trazê-lo de volta,

sob um selo que iguala e uniformiza,

para efeito de venda, todos aqueles

que não “cuidaram” de suas carreiras

e, mesmo assim, lá no fundo,

bem escondidas atrás das barricadas,

têm uma puta expressão artística

e são grandiosos e insólitos. Gil,

meu ídolo, não tinha obrigação de

dizer isso, mas a gente não controla

as expectativas sobre nossos ídolos

e, por isso, fiquei triste, mas vou lá

ouvir de novo o violão luminoso de

Gil e, depois, ver de novo o Macalé

brilhar no cinema. Não percam.

Gal Costa espera Caetano Veloso para produzir novo CD

2010-04-01T09:09:00.000-03:00

28/03/2010 - 10h37

MARCUS PRETO
da Folha de S.Paulo

Diretor de produção de "Cantar" (1974), Caetano Veloso se mostrou interessado em fazer o mesmo serviço no próximo álbum de Gal Costa.

"Há pouco tempo, Caetano foi a um show meu na Europa e conversamos muito. Foi nesse dia que ele me contou da vontade de me produzir de novo", diz a cantora. "Estou pronta. Espero o e-mail, o telefonema dele. Assim que ele disser que chegou a hora, eu vou."

Os dois não fazem um grande trabalho em dupla desde a trilha sonora de "Tieta do Agreste", filme dirigido por Cacá Diegues em 1996 que renderia até alguns shows pelo Brasil.

Ainda não há nada formalmente acertado a respeito do lançamento, mas, segundo a Folha apurou, a Universal Music --mesma gravadora que tem Caetano em seu cast desde 1967-- já demonstrou interesse em editar o disco.

M. Pires/Folha Imagem

Caetano Veloso e Gal Costa no Rio de Janeiro, em 1978; cantora espera que o colega produza seu novo disco

Reedições

Também sai pela Universal, até o final deste ano, uma caixa de CDs remasterizados com todos os álbuns que Gal gravou sob sua permanência na gravadora Philips/Polygram.

O material percorre o período mais importante da carreira da cantora, entre a estreia dela em LP com "Domingo" (1967), emblematicamente gravado em dupla com Caetano, e sua saída da empresa, na sequência do lançamento do pop "Baby Gal" (1983).

Assim, vão estar na caixa o tropicalista "Gal Costa" (1969), antológico primeiro álbum solo da cantora, o registro ao vivo "Fa-Tal - Gal a Todo Vapor" (1971), que fez dela a musa da contracultura nos anos 1970, e os posteriores "Índia" (1973), "Cantar" (1974) e "Gal Canta Caymmi" (1976), que saem também em versões ao vivo.

Um CD extra vai trazer material raro, como as faixas lançadas pela cantora apenas em compactos e material nunca antes editado.

O projeto está sob os cuidados do pesquisador Marcelo Fróes, que fez trabalho similar com a obra de Gilberto Gil há mais de uma década. É ele quem assinará os textos explicativos dos encartes.

Lambido da Folha ilustrada.

Gal Costa quer revisitar repertório e prepara show "para matar a saudade"

2010-04-01T09:06:00.000-03:00

MARCUS PRETO
da Folha de S.Paulo, em Salvador (BA)

Desde o final dos anos 1990, o fã-clube de Gal Costa se dividiu.

Há os que a amam de maneira incondicional: para esse time, a pureza da voz está acima de qualquer questionamento, não importa o que ela grave ou como se comporte no palco.

E há os que se ressentem pelas mudanças que o tempo trouxe à cantora. Esses reclamam do fim daquele ímpeto explosivo que a moveu em outros tempos, sobretudo nos anos 1970. E esperam que ela siga descobrindo canções inéditas e revelando compositores, como fazia no passado.

"As pessoas costumam me cobrar atitude, postura, irreverência", diz. "Essas coisas aconteceram quando tinham que acontecer, especialmente no tropicalismo e na década de 70. Era um contexto mundial e eu estava inserida nele."

Gal expõe a questão sem se exaltar, como quem já se habituou a lidar com ela. "Que barreira eu vou romper agora? O que ainda posso fazer de irreverente? Gritar?", questiona.

E responde: "Não. Gritei quando isso era uma expressão válida, quando representava arma contra o regime e contra tudo o que estava acontecendo a mim e aos meus amigos exilados. Agora, o grito não faz mais nenhum sentido".

Márcio Lima/Folha Imagem

A cantora Gal Costa, que pretende revisitar seu repertório no show que está preparando para a "volta" ao Brasil

Gal divide bem as duas principais facetas que a colocaram entre as maiores artistas da história da nossa música. Diz que "se adequou" ao tropicalismo "muito mais com o coração e a alma do que com a cabeça".

Mais do que uma artista experimental, ela diz, sua vocação é para o canto, em sua essência mais pura. "Não me cobre atitude, cobre música."

Com o passar do tempo, e especialmente nessa última década, os shows de Gal pelo país tenham ficado cada vez mais raros. Atualmente, sua carreira está mais baseada em turnês internacionais, sobretudo nos Estados Unidos e na Europa.

Ainda assim, ela não considera o afastamento anormal. Conta que passou por períodos de reclusão no passado. "Estava conversando disso com [Gilberto] Gil: hoje, principalmente por causa da internet, tudo é tão rápido que, se você não estiver presente todo o tempo, parece que você acabou", diz.

Mas Gal quer reverter essa impressão de ausência ainda neste ano. Está providenciando um apartamento em São Paulo, já que "quando se quer meter a cara no trabalho, tem que ser nas grandes capitais". E prepara show novo, "para matar a saudade das pessoas aqui no Brasil", em que vai revisitar o próprio repertório.

"Sou uma mulher que já passou dos 60 anos e meu grande trunfo é minha voz", diz. "Ela continua inteira, cristalina, jovem. Acompanha minha alma, meu coração e meu espírito. Canto com o mesmo tesão. Quando eu estrear, você vai dizer se assina embaixo do que estou dizendo."

Gal Costa é elogiada pelo "New York Times"
da Folha Online

O "New York Times" elogiou em sua edição desta quinta-feira a apresentação que a cantora Gal Costa fez na casa de shows Blue Note na noite da última terça (30).

Marcelo Justo/Folha Imagem

Gal Costa faz shows em Nova York e recebe elogios

Segundo o crítico Ben Ratliff, a voz da cantora está mais "sombria e suave". A entonação da cantora "brilha dramaticamente e, de repente, a linguagem se torna puro som", escreveu ele.

O texto cita a versão que a cantora faz de "Lindeza", de Caetano Veloso. "É uma canção de amor sem objeto específico --talvez apenas a idéia da beleza-- e ela acerta já no primeiro verso quando repete 'coisa linda'."

Acompanhada somente do violonista Romero Lubambo, Gal se apresenta em Nova York até domingo. Segundo o crítico, é um show bem diferente do que ela mostrou em recentes apresentações na cidade.

O repertório tem ainda músicas de Chico Buarque, Antonio Carlos Jobim e Ary Barroso. Em uma das poucas ressalvas que fez ao show, o crítico chamou de "desnecessária" a parte de "Garota de Ipanema" que Gal canta em inglês.

Veja tudo o que já foi publicado sobre Gal Costa

Para refletir sobre a paz.

2010-02-22T21:14:00.000-03:00

Mercedes Sosa e Beth Carvalho num vídeo incrível. Espere que carregue para vê-lo inteirnho...

Copo Lagoinha samba de minas uai!

2010-02-10T14:45:00.002-02:00

Momento de PAIXÃO NACIONAL

2010-02-10T11:59:00.003-02:00

carnaval

2010-02-06T17:12:00.011-02:00

O carnaval do meu tempo.

Bom o carnaval era aquele...
Carnaval de bons constumes.
Carnaval de serpentinas, de confetes.

Carnaval de lança-perfumes,

De lança-perfumes mesmo
Que tinham nomes franceses
E se jogava á-tóa, a esmo,
Carnaval de andar em tapete
De confete e serpentina,
Carnaval de tudo fácil, tudo bonito e do bom.

Carnaval dos velhos tempos.

Do meu, do seu, de tanta gente.

Carnaval de colombinas, de pierrôs,

De alerquins, de ciganas,

De baianas com ioiôs.

Carnaval de automóveis,

Do corso da burguesia

Combatendo com confetes,

Arremessando serpentinas

Numa guerra cordial

De sorrisos e alegria.

Carnaval que ficou longe,

Dos gatos, carapicus e baetas,

Do 'evoé!' e do 'você me conhece?'

Do trote irreverente,

Dos dominós e dos índios.

Dos cordões com zé-pereira

Batendo incessantemente.

Carnaval de antigamente,

Dos ranchos melodiosos

Cantando pela avenida

Marchas lentas, vagarosas,

Falando em flores, jardins,

m colibri, rouxinol,

Em menestrel , arrebol.

E do baliza a Luiz XV

Em bizarra coreografia

Galã da porta -estandarte.

Carnaval que ficou longe.

Muito longe, longe mesmo,

Mas que muita gente recorda

Com saudade, com emoção,

Lembrando um fato, um gracejo,

Cantando qualquer canção,

Muito antiga, muita velha,

Mas viva, clara, bem viva

Na grata recordação.

Em 26/02/1961, Jota Efegê escreveu estes versos no CORREIO DA MANHÃ.

E de lá para cá que escreveria? Que diria sobre a evolução do carnaval ?

Até quem viveu as duas décadas seguintes, relembra com saudades o carnaval que passou e não volta mais...

Vicença e eu. causo popular.

2010-01-25T13:39:00.002-02:00

Quando sortêro vivia
Era o maior aperrêio
Que além d’eu ser muito feio,
Ar muié não me queria.

Prá todas banda que eu ia com o camarada meu,
Ele confiava n’eu,
Ia beber e jogar, fazer bagunça e brigar
E quem ia preso era ieu.

Pra mode arranjar namoro
Era danado de mole
Cantava tocava fole
E tinha uns cabelo loiro,
A boca cheia de ouro,
Quilara que só o dia.

Em todas festas que havia,
Cheirava que nem uma rosa
Mas quando falava em prosa,
Ar muié num me queria.

Eu disse: foi catimbó que arguém botô num sai.
Mamãe casô com papai,
Vovô casô com vovó
Inté meu irmão Chico,
Muito mais feio do que ieu,
Namorô, casô viveu com duas muié inté
Só eu não arranjo uma que queira se esfregar n’eu?

Mas Deus do céu se descuidou-se
Satanás se esqueceu
E Vicença me apareceu com seus oião de bico-doce
E nosso amor misturou-se Cuma feijão com arroz,
E se atraquemo num amor tão violento,
Que tratemo o casamento pra quatro dia dispois.

No dia de se casar, quase que se endoideço por ela,
Dei de garra na mão dela e fumo pra igreja casar
Quando cheguemo no artar,
O padre falou umas coisa,
Jurei em nome da crença ser fiel a esposa
O padre botou a benção e eu fui drumi com Vicença.

Numa casinha bem singela fui logo me agasalhando
Pois já estava pensando em drumi com uma costela.
Mas vicença fez uma novela la dentro da camarinha
Quebrou todos caquinhos que tinha,
Ameaçou-me na bala
Que tive de drumi na sala
E ela lá na cozinha.

Quase morro de desgosto pro que Vicença fez isso,
De manhã fui pro seuviço
E voltei com o sol quase posto.
Mas inda tive um gosto:
Vicença me arrecebeu inté café freveu
E boto pra nóis tomar.
Mas quando foi se deitar,
Nem se quer olhou pra eu...
Da vida perdi a crença,
De nomes chamei bem uns trinta
Botei a faca na cinta e fui falar com Vicença.

Ela deu a doença quando falei de amor.
Foi logo me dizendo:
-O senhor pensa o que? Eu só casei com ocê foi pra fazer favor...
Larguei Vicença no chão,
Abrir ligeiro a casaca,
Puxei a lapa da faca
Torei da calça o cordão.

Vicença tinha razão pelo que se assucedeu
Não era pru nojo e nem pru não ser sincera
Quere saber pro que era?
Vicença era macho que nem eu.

No ponteio DA VIOLA

2009-12-23T18:37:00.002-02:00

Um dos maiores violeiros do Brasil, o mineiro Roberto Corrêa Violeiro, compositor e pesquisador, é referência nacional e internacional quando o assunto é viola Caipira. Envolvido com os acordes desde a infância, ele abriu mão da carreira de físico e formou-se em música pela universidade de Brasília, para seguir sua verdadeira paixão. Publicou quatro livros sobre o assunto, dois deles sobre técnicas de ensino.
TEMPERANÇA é o 16° cd de sua carreira. Sua obra mais recente apresenta 18 canções autorais, além de parcerias com amigos violeiros e poetas e composições com seu avô compositor.
Segundo o Roberto, este novo cd representa o seu amadurecimento.

É nosso!

2009-12-11T11:38:00.003-02:00

Projeto de Lei apresentado por Zezéu Ribeiro institui o "Dia Nacional de Samba de Roda" a ser comemorado no dia 25 de novembro. Na justificativa ele diz que historiadores da música popular consideram o Samba de Roda baiano como uma das fontes do samba carioca, cuja origem remete a migração de negros baianos para o Rio de Janeiro. Uma das figuras mais conhecidas dessa migração é Tia Ciata que nascida em Salvador, em 1854, foi morar no Rio, aos 22 anos e reunia em sua casa, compositores do porte de Donga, Sinhô e João da Baiana, lembra ele.

Direto do site do ZEZÉO.

ESTAÇÃO IMAGEM.

2009-12-07T13:47:00.005-02:00

SUSAN SONTAG
LIGIA FAGUNDES TELLES
LIGIA FAGUNDES TELLES
HILDA HIST

Precisa dizer algo?

Os diários de Susan Sontag

2009-12-03T20:24:00.005-02:00

Ícone da contracultura norteamericana nos anos 60 e 70 do século passado desde seu célebre Contra a interpretação (1966), conjunto de ensaios que a celebrizou, volta a reavivar-se o mito da ensaísta e romancista Susan Sontag (1933-2004) com a publicação de seu diário de juventude, Diários (1947-1963), o primeiro de três volumes previstos.

Diferentemente de Kafka, que mandara destruir a maior parte de sua obra inédita e inclusive seu diário (no que não foi obedecido), Susan Sontag não deixou nenhuma instrução sobre o que fazer com seus papéis e escritos inacabados ou não organizados.

Na introdução a este primeiro volume, que cobre o período dos 14 aos 30 anos da escritora, seu filho David Rieff admite que chegou a pensar em queimar a centena de cadernos que encontrou no armário do quarto dela após sua morte em 2004, aos 71 anos de idade, depois de prolongada luta com uma leucemia mieloide. Havia ali revelações a que talvez ela não quisesse dar publicidade. Mas quanto a isso Rieff já nada podia fazer, pois pouco antes ela havia vendido todos os seus papeis e livros à Universidade da Califórnia.

Ainda bem. Diários póstumos e cadernos de notas – e este é uma mescla de ambas as coisas – são úteis não apenas para satisfazer o que Valéry chamava ironicamente de “a gastronomia do afeto”, mas também para desvelar e iluminar o laboratório onde autores que marcaram época forjaram seu sistema de pensamento ou seus métodos de criação.

Sob esse aspecto, estes primeiros diários de Susan Sontag muito se assemelham aos cadernos de juventude de Albert Camus, com a diferença de que, para além das notas de leitura e dos exercícios de estilo, corre aqui em paralelo o enredo de uma vida levada na radicalidade. Relatos talvez ainda mais próximos são os de Cesare Pavese, cujo diário essencialmente filosófico e até metafísico termina em imolação romântica. Contudo, não por acaso uma das leituras frequentes de Susan eram os carnets de Henry James, o que mostra o quanto ela estava empenhada em se tornar não apenas senhora de seu ofício como também consciente dele em grau máximo.

Curiosamente, um diário brasileiro que cobre praticamente o mesmo período etário (dos 15 aos 30 anos) e mostra grau de precocidade não menor, com toda uma plêiade de autores lidos e igual desenvolvimento crítico, é o de Gilberto Freyre (Tempos mortos e outros tempos), mas aqui a honestidade manda dizer que Freyre o deu a público ainda em vida e, ao que parece, reescrito no estilo da maturidade.

“Aquilo que, um dia, parecia um peso esmagador mudou claramente de posição, numa tática surpreendente, deslizou embaixo do meu pé fugidio, transformou-se numa força de sucção que me arrasta e me cansa”, anota Susan nas páginas iniciais de seu primeiro caderno, sentença que, pelo acabamento e riqueza de imagens, prefigura o tipo de intelectual em que se tornará depois.

E o que lia nessa época? Dos clássicos aos modernos, de Proust a Saul Bellow, de Kafka a Philip Roth, de John Dewey a Wittgenstein, de Dostoievski a Gide e – pasmem – ao Machado de Assis de Memórias póstumas de Brás Cubas, possivelmente influenciada pelos estudos de Helen Caldwell sobre o escritor fluminense. Mais tarde Sontag se tornaria um dos maiores divulgadores – se não o maior – da obra de Machado nos Estados Unidos e em consequência no mundo, chegando a reputá-lo, em artigo publicado na revista New Yorker, o maior escritor já produzido pela América Latina em qualquer época.

-- Sontag aos 33 anos --

Aos 16 anos, confessou seu desapontamento com uma visita feita a Thomas Mann, então residindo nos Estados Unidos, depois de ter lido apaixonadamente A montanha mágica e outros romances do autor alemão. Achou “banais” os comentários de Mann e concluiu que eles traíam seus livros. Ao abrir casualmente A metamorfose de Kafka numa livraria, levou um choque, “uma pancada física” com “o caráter absoluto de sua prosa, pura realidade não forçada nem obscura”. E anotou: “Eu o admiro acima de todos os outros escritores”; ao lado de Kafka, Joyce seria “tolo”, Gide “doce” e Mann “oco e bombástico”. Mas abria uma exceção para Proust, “quase tão interessante” quanto Kafka.

A questão sexual é abordada com uma franqueza devastadora. Embora tenha descoberto sua homossexualidade ainda na adolescência, quando caloura universitária, e seus registros a respeito já sejam abundantes nessa época, aos 17 anos ela tentou dar marcha atrás e corrigir a rota, casando com um professor de sociologia. Permaneceu casada oito anos e dessa união nasceu David Rieff, agora prefaciador e compilador de seu diário. “Quem inventou o casamento foi um torturador astuto”, escreve. “É uma instituição destinada a embotar os sentimentos”. O divórcio foi facilitado por bolsas de estudos em Oxford e Paris, onde finalmente aceitou sua identidade sexual e iniciou uma série de relações que ela nunca permitiu se tornassem um assunto público, como a que manteve durante muitos anos com a famosa fotógrafa Annie Leibovitz.

Daí, sem dúvida, a hesitação de David Rieff na hora de selecionar as entradas do diário. “Será que minha mãe desejaria publicá-lo?”, se interroga Rieff. “O que sei é que, como leitora e escritora, minha mãe adorava diários e cartas – quanto mais íntimos melhor. Assim, talvez a escritora tivesse aprovado aquilo que fiz”, conclui.

Da estranha luz que este diário joga sobre a obra de Susan Sontag – uma obra decisiva que em nenhum momento faz suspeitar das incertezas da jovem de então – pode-se presumir o que vem por aí. Se a essas notas juvenis já não falta sabedoria, o que não esperar dos cadernos da maturidade?

::: Diários (1947-1963) ::: Susan Sontag ::: Cia. das Letras, 2009, 344 páginas :::
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* Eustáquio Gomes é autor, entre outros, do romance Paisagem com neblina e buldôzeres ao fundo (Geração Editorial, 2007) e do volume de crônicas A biblioteca no porão (Papirus, 2009).

Um bom evento Carioca

2009-11-28T10:52:00.005-02:00

Um evento dedicado ao maior movimento musical de todos os tempos e que mais influenciou a evolução da música no mundo: o Jazz. No entanto, a noite é baseada apenas nos períodos em que o ritmo e suas vertentes tornaram-se referência dos clássicos e dançantes bailes nos mais variados lugares. Uma festa influenciada pelos eletrizantes bailes de New Orleans ao som do Dixieland, Swing Jazz e Bebop comuns na década de 20 à 50, misturadas as suas infinitas vertentes e épocas em torno do mundo em suas versões originais como o Ska-Jazz da Jamaica, o Son e Salsa de Cuba, o Highlife e Afrijazz de Gana, entre outras infindáveis influências na música instrumental em torno do mundo como o chorinho brasileiro, o calypso de Trinidad e vários outros... Todos em sua forma e sonoridade original...Uma festa que propõe ao público um verdadeiro baile dançante e que mostra que o Jazz está presente em todos os estilos musicais imagináveis. Uma noite pra dançar, ouvir e apreciar...
Serviço: dia 28/11, a partir das 23h. o Rio é isso,confira!
RUA DO REZENDE, 26 LAPA.